转帖——大英帝国最伟大的唱片公司—— DECCA 迪卡唱片公司

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键盘上的狮王——威廉·巴克豪斯Wilhelm Backhaus -《贝多芬钢琴奏鸣曲全集》下载地址：http://www.verycd.com/topics/229433/


巴克豪斯（Wilhelm Backhaus 1884.03.16-1969.07.05）出生在德国的莱比锡。他的妈妈是业余钢琴家。巴克豪斯小时候就是跟他的妈妈学琴。1891年他开始跟随莱比锡音乐学院的钢琴教授Aloys Leckendorf，一学就是九年。1898年开始，巴克豪斯开始到法兰克福和美茵学习，在那遇到了对他事业影响最大的老师——欧根·德尔贝。欧根·德尔贝是李斯特的学生，他演绎的贝多芬至今影响很大。
1900年，巴克豪斯开始登台演出。最早的时候是跟随由阿瑟·尼基什带领的莱比锡格万豪斯音乐厅乐团演出。他在全世界开始出名是1905年8月，巴克豪斯赢得了鲁宾斯坦钢琴比赛的冠军。当时作曲家巴托克也是参赛选手之一，他在听完巴克豪斯的演奏后感慨地说：“巴克豪斯的演奏确实漂亮。”
巴克豪斯纽约的首演是在1912年1月5日，当时他弹的是贝多芬的《皇帝协奏曲》，赢得了钢琴技巧名家的声誉。之后，他到南美、亚洲、欧洲巡回演出。
外界对巴克豪斯的私生活知之甚少，仅仅知道他烟抽得很凶。他得兴趣只在演奏上，特别是独奏。我没有听说过他喜欢演奏室内乐，留下的唱片也只有两首作品。他的教学生涯也很短，记忆中只有1905年在曼彻斯特皇家音乐学院当教授、1925－26年在美国的柯帝斯音乐学院之类的短期教学，还有一战时期为军队的服务，他几乎是集中在舞台演奏和录音上。即使是在纳粹执政时期也没有停止演出，后来他还以纳粹临时战犯的身份为盟军演出。据说，他音乐会总的数量超过4，000场！就在巴克豪斯逝世前，Andor Foldes向巴克豪斯辞别：“多乾你最喜欢乾的事吧。”他说“最好的问候”是指巴克豪斯为他举行的欢迎“音乐会”。当时巴克豪斯已经85岁了！在与伯姆录制布拉姆斯的第二钢琴协奏曲时，伯姆对其他人说：“这家伙无论什么年纪弹布拉姆斯都那么好。”，结果大家都笑了。实际上，伯姆比巴克豪斯还年轻10岁，当时巴克豪斯是83岁，伯姆是73……
在二战之后，巴克豪斯定居瑞士的卢嘉诺（Lugano），外界都知道他是演奏贝多芬和布拉姆斯的超级大师。从那个时候起，“键盘上的雄狮”的昵称就跟随着他。他最后的独奏音乐会是1969年6月28日，7天之后因为心脏病在奥地利的Villach去世。之后，他被埋葬在科隆。
当巴克豪斯在美国巡回演出时，有一个评论家称“他的技巧象神一样。”。他年轻的时候技巧是无与伦比的，虽然因此说他在DECCA留下的所有78转和单声道的录音中技巧是完美的、完全没有瑕疵的，在立体声时期的录音中还是可以听到有几处技术问题，象贝多芬第三奏鸣曲、皇帝协奏曲等，但是，他众多的贝多芬和布拉姆斯的录音是里程碑。他的演奏几乎都是完整的技巧、稍快的速度、率直和充满力量。不过，在抒情的片断他的演奏是那么的迷人、声音是那么的丰满、感情是那么的深入。他的发音无疑是他那个时代最杰出的。我还没有听过有比他1966年在DECCA留下的贝多芬第31奏鸣曲的录音更美、更打动人的旋律线！在贝多芬第32奏鸣曲的第二乐章，那种一张一弛的鲜明对比，没有其它的录音可比的。从录音中除了可以得到想象他是个强而有力的钢琴家之外，你未必会感受到这些，你可能会对他晚期在DECCA公司的那些录音失望的。我觉得这对巴克豪斯是很不公平，就像我们评论吉列尔斯，他被誉为有“钢铁般的触键”，但是我们不能不看到他晚年的录音是那么的抒情和柔和。如果我们对巴克豪斯的评价仅仅源于他晚期在DECCA的那些录音，那么将会对他的艺术产生极大的误解。
巴克豪斯的演奏对后辈的影响是很大的。年轻的波利尼将他视为最尊敬的钢琴家之一，科瓦塞维奇称他是“仅有的理解汉麦克拉维奏鸣曲的钢琴家”。
从上世纪50年代起，巴克豪斯是为EMI和DECCA公司录音。在HMV年代，他在Gaisberg的监制下录制布拉姆斯的作品，比在后来在DECCA录得还要多。非常有趣的是，他在1900－20年之间，录制德奥体系的作品很少。可喜的是，贝多芬、布拉姆斯、舒曼、舒伯特这些代表他风格的作品是在录音技术成熟后才录制的。之后，他录音的范围几乎只在德奥的圈子里面。
在DECCA年代，巴克豪斯只有很少的非德奥的作品录音，他的肖邦音乐会又没发行CD。他在单声道时期录制了贝多芬所有的钢琴奏鸣曲和协奏曲，布拉姆斯的两首协奏曲。1955年之后，他在录音室主要的工作是重新录制这些作品的立体声版本，其它的作品还包括莫扎特、巴赫、舒曼、舒伯特。DECCA曾经把他的这些立体声录音几乎全部以“巴克豪斯专辑”为名作国际发行，个别的单声道录音放在“历史录音”系列出版。但是，除了贝多芬的作品和传奇系列的录音外，其它的录音都已经绝版。
在巴克豪斯的录音里面，最值得推荐的是他和伯姆合作的布拉姆斯第二钢琴协奏曲和莫扎特第27钢琴协奏曲。在27钢协中，他展现的自然的美就像我们在黄昏见到的景象。他的布拉姆斯第二钢协，尽管技术状况要逊色于他早年和schuricht的版本，但是那种成熟的美感是难以磨灭的。
在贝多芬的录音中，单声道时期的第三协奏曲（伯姆指挥）、第五协奏曲（克劳斯指挥）、立体声时期的第1、4协奏曲（Schmidt-Isserstedt指挥）是不错的，但是单声道的录音没有在国际发行过。在钢琴奏鸣曲全集里面，我意属于那三首最着名的奏鸣曲和最后的三首。特别是最后的三首，非常杰出，可谓傲视同齐。但是在立体声的版本里面，出现技术问题，我更期待单声道的版本作国际发行。
在布拉姆斯，伯姆指挥的第二协奏曲固然是精华，但同样是由伯姆指挥的第一和Schuricht指挥的第二同样是精彩绝伦。后者甚至获得好评比后来巴克豪斯在立体声时期技术不太稳定的录音要好。象Op.118的小品是高贵而坚实的。可惜它们几乎都绝版了。与Pierre Fournier合作的两首大提琴奏鸣曲的录音，是他仅有的两个室内乐录音之一，展现出他稳固的技巧和室内乐演奏的高超技艺。另外一个室内乐的录音是他在78转时期录制的舒伯特《鳟鱼五重奏》。

其它的作品也是不可忽视的。巴赫和海顿的独奏作品是孤清而高雅的。莫扎特的奏鸣曲或许有一点过时，但是强大的构筑力是令人难以忘怀的。目录上还有舒伯特的《音乐的瞬间》孟德尔松的无词歌。他的现场录音很少，1954年的卡内基独奏会是非常精彩的——就像他在录音室里面那样精彩。他最后的独奏会虽然技术漏洞很多，但是它的艺术价值是超过了他的历史价值的。
我们不是很容易就找到巴克豪斯多年屹立于世界艺术之林顶峰的原因，但是有一些细节可以供我们深思。在他最后的那些日子里面，他和维也纳爱乐乐团演出完一场音乐会，观众甚至乐队的队员报以雷鸣般的掌声。他却满脸困惑地说：“现在我回到我生命的起点。当我12岁站在舞台上，所有人都告诉我，你正处在大量思考的年纪。现在，你们所有的人也都告诉了我同样的话。”巴克豪斯重来没有倚重他的天赋。传闻，在他家里，挂着一幅非常忧郁的矿工的油画。每当问起为什么他会挂这样一幅忧郁的画在家时，他回答：“每次我看到这画，我知道我怎么辛苦也不如他。”还有，当问起他拥有完美技巧的诀窍时，他说：“只有音阶。音阶加开始。”(文章转载,感谢原文作者)


巴克豪斯先后两次录制贝多芬钢琴奏鸣曲全集，这是1950年至1954年较早一次的mono录音，完成时大师也已年过70。长期以来Decca一直没有发行这一套全集，由于第二套的立体声录音巴克豪斯未来得及录第29号奏鸣曲，所以借用的是第一套的同样曲目，而现今我们终于可以聆听到这套完整的录音。

[ 本帖最后由 TAOGE 于 2011-6-22 11:12 AM 编辑 ]

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Andras Schiff -《莫扎特：钢琴奏鸣曲全集》下载地址：http://www.verycd.com/topics/2738690/Andras Schiff，匈牙利钢琴家,5岁开始学琴,15岁在匈牙利电台举办的"发掘音乐天才"钢琴比赛中获第一名,同年入李斯特音乐学院学习,并在伦敦师从马尔科姆学习大键琴.1973年在匈牙利国家广播钢琴比赛中获第二名,1974年参加柴科夫斯基国际比赛获第四名,与同时代人兰基、科奇什一起被称为匈牙利钢琴三杰.席夫学过古钢琴,精心钻研斯卡拉蒂、巴赫、海顿等作曲家的分句技巧,其演绎的巴赫、海顿作品有清新、清秀的特点,音色极佳,充分发挥了现代钢琴的魅力。

莫扎特一共留下十八首钢琴奏鸣曲传世，从他传奇的童年时期一直到他成为一名成熟的作曲名家，各个不同的阶段都曾经有代表性的钢琴奏鸣曲作品出现。不需要太多的言辞赘述，莫扎特珠玉般的钢琴奏鸣曲作品，洋溢著亙古永恒的精彩创意与纯粹的美感，其不凡的意义与艺术价值，足已列为全人类共同的瑰宝。

[ 本帖最后由 TAOGE 于 2011-6-22 11:14 AM 编辑 ]

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Pavarotti -《帕瓦罗蒂歌曲精选》下载地址：http://www.verycd.com/topics/187995/
世界三大男高音之一、素有“高音C之王”美誉的意大利著名歌唱家卢奇亚诺-帕瓦罗蒂于当地时间9月6日逝世，享年71岁。
帕瓦罗蒂的歌唱事业不仅仅局限于意大利歌剧，在通俗文化方面也有很深造诣。迄今为止，数百万歌迷通过电视观看了他的精彩演出。
帕瓦罗蒂为人豪爽，慷慨大方，虽年届花甲，但却具有孩子般的性格。从歌唱生涯早期以及20世纪70年代，帕瓦罗蒂将自己的生命融入了意大利歌剧，凭借自身天赋和勤奋，再加上音乐大师们的提携，迅速在世界歌坛成名，以强劲的高音和胸腔共鸣著称，被誉为“高音C之王”。到80年代，帕瓦罗蒂的歌唱事业再攀高峰，与多明戈、卡莱拉斯并称世界三大男高音。

[ 本帖最后由 TAOGE 于 2011-6-22 11:15 AM 编辑 ]

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Haydn 海顿 -《交响曲全集》下载地址：http://www.verycd.com/topics/126171/
在西方音乐史上，海顿做为一名多产作曲家，在一生中共完成了107首交响曲，68首弦乐四重奏，62首钢琴奏鸣曲，和45首钢琴三重奏，14部弥撒，24出歌剧，以及两部神剧等等作品，数量之可观，种类之广博，堪称世界音乐历史之最。海顿出生的时候，巴哈在莱比锡的汤玛斯教堂担任乐长，去世的时候，贝多芬正好出版着名的田园交响曲，整个事业发展的时间，不但横跨巴洛克晚期到浪漫乐派的初期，也经历维也纳古典乐派最颠峰的时候，影响后人甚为深厚。直到18世纪末，海顿的地位和重要性，有如莎士比亚在文学领域里一样地举足轻重。

海顿的主要成就在交响乐的创作方面。他并非交响乐的首创者，在他之前，巴赫和亨德尔等人就为这种体裁进行了尝试。海顿是在前人的基础上。为交响乐确立规范的人，所以，后人称他为"交响乐之父"。着名作曲家柴科夫斯基曾说:"海顿是交响乐创作的锁链中一个不可或缺的、牢固的环节。没有他，也就没有莫扎特、贝多芬……

1732年4月1日，车轮匠马蒂亚斯·海顿的老婆玛丽亚·科勒在罗劳（位于下奥地利，接近匈牙利边境）生下一个儿子。这孩子出生证明上登记的日期是4月1日，起名叫弗朗茨·约瑟夫·海顿。约瑟夫·海顿曾对自己的第一位传记作者迪斯这么说：“我生于4月1日，我爸爸的日记上也是这么写的。但我兄弟米夏伊尔（另一位大作曲家）总说我生于3月31日。这是因为他不想说我生在愚人节。” （也有说法为海顿生日是3月31日，因为，海顿一辈子都否认他是在4月1日出生的，原来是他不希望别人说，他是在愚人节出生的呆子。） 海顿的童年是快乐的，他被家人昵称为赛佩儿（Sepperl），从小就流露不凡的音乐天份，尤其有一副好嗓子，但是罗劳这个小地方，对一个有天份的孩子来说，完全没有提供任何学音乐的机会。于是，海顿的父亲考虑将海顿送到几英里外的海恩堡（Hainburg），和他的表兄弟法郎克学音乐。

法郎克尽心培养小海顿，除了上课之外，也带他参与当地所有的音乐活动。跟随法郎克的两年里，日子非常辛苦，但是却收获最多。长大后，海顿还不断感激法郎克曾经让他这么努力过。直到海顿八岁的时候，维也纳圣史蒂芬教堂招募诗班成员，海顿以歌声打动诗班指挥洛依特，同意海顿八岁就加入唱诗班，因此有机会接受更进一步的音乐教育。



从罗劳到海恩堡，再从海恩堡到维也纳，小海顿的生命有了巨大的转变。教会的课程比法郎克的还要严苛，在经费不足的情况下，唱诗班的孩子根本吃不饱。所以，所有的成员都拼命争取出外演出的机会，因为这是唯一可以让他们饱餐一顿的机会，海顿自然也不例外。可是，教堂活动占去相当多的时间，想学音乐理论的机会很有限，尽管海顿试着作曲，但是诗班指挥却忙得没有时间给他任何建议，所以只有靠自己从其它的作品中学到音乐技巧。不过，更惨痛的事情发生了，十五岁的海顿开始变声，这本来就是预料中的事。但是导致他离开的原因是因为他恶作剧，剪断同学的辫子，又不愿挨打。就这样，1749年的十一月，17岁的海顿被赶了出去，开始流落街头，身无分文，从此以后必须自食其力，养活自己。幸运的是，他碰到了肯帮他的人。

命运坎坷的海顿，幸运地遇见这位他口里的卜伯伯。他借给海顿一笔钱，不收利息，也不问什么时候还，有了这笔意外的收入，海顿终于能够租下自己的一间顶楼，开始积极热切地研读音乐理论，买了福斯所写的对位法，潜心钻研，同时也教授学生，渐渐在维也纳的音乐圈里小有名气。因为他的一个贵族学生，海顿终于进入上流社会，开始为这些演奏场合写作作品。

海顿曾经有八年的时间，几乎难以餬口。但一夕之间，他又突然有了声名，人人竞相邀请他担任乐手或者音乐老师。1758年，海顿被推荐给热爱音乐的莫尔辛伯爵，得到第一份长期的音乐职位，而他也从早到晚勤奋工作，珍惜这份安定的工作。他为了自己所指挥的乐团，开始尝试创作管弦乐。他的第一号交响曲就是在莫尔辛的别墅演出。

依照当时的习惯，作曲家本人就在大键琴上指挥乐团，而在座的贵族嘉宾都深深地被海顿的才气所吸引，一致认为他是后起之秀，非常赏识他的才华。而受雇于莫尔辛伯爵的期间，海顿同时也完成了其它的交响曲。

海顿的表现，让同期的音乐家刮目相看，因此他在维也纳音乐圈也逐渐有了一席之地。而在事业逐渐安定的情况下，海顿决定成家。原来他爱上的是自己的学生泰蕾莎，但是这份爱情没有结果，因为泰蕾莎进了修道院。海顿为他的入会仪式写了一首C大调管风琴协奏曲，庄严的音乐，陪伴心爱的女人将一生奉献给上帝。



后来，因为莫尔辛伯爵陷入财务困境，为了删减支出，乐团必须解散，海顿也因此失业。这时才29岁的海顿，似乎已经经历大大小小的波折。失业之后，海顿又转往匈牙利最有权势的艾斯特哈吉家族担任家臣。尼古拉亲王爱好音乐，尤其赏识海顿的音乐表现，所以在海顿还没有完全成为乐长之前，就给予重任，负责安排整个家族的音乐活动，为亲王府的特殊场合写作音乐。而从进入艾斯特哈吉家族开始，海顿展开了他一生中事业和音乐创作非常重要的时期。

从进入艾斯特哈吉家族起，海顿的命运就有了改变，尤其在1766年老乐长去世之后，海顿被指派接任，从那时开始，对海顿而言更是划时代的改变。其中之一就是，老乐长去世之后，海顿必须接手写作教会音乐，因此天主教的宗教弥撒曲也成了海顿创作的另一个重点。

事实上，亲王府的生活相当单调，海顿和其它的人在一起有了一点距离感，心里觉得很孤单。不过也因为情感上与人隔离，才能将精力投入作曲，做一些前所未有的尝试。海顿创作的时代，正好是十八世纪后半的“狂飙运动”，主要以表现主观的情感为目的。虽然海顿也开始在音乐里描述内心的激情，但这却不是“狂飙运动”的影响。在这个时期，海顿写了不少小调的交响曲，但因为当时小调是用来表现很热情或很悲哀的情感，所以海顿这样做的动机非常耐人寻味。而以当时海顿最喜欢的第44号交响曲作例子，它表现了海顿几个重要的创作手法。例如，开头的齐奏就是显着的特征。以强拍开始的齐奏可以列为海顿的特点之一。而另一个重要方式就是运用对位法。例如在第44号交响曲的第二乐章，就可听到“卡农”的形式，它不但旋律优美，更展露了海顿感情细腻的世界。而这段期间，海顿的音乐渐渐趋于戏剧化，悲剧色彩最强烈的作品要属第49号交响曲《受难》。稳重的慢板令人联想背负十字架的痛苦，一种阴沉的忧郁感不禁油然而生。

公元1766年以后，海顿的交响曲在形式上起了很大的变化，而一般的说法认为，海顿晋升为乐长之后，兼任创作教会音乐的职务，使得他重新认识巴洛克风格，也因此才有机会以小调来写戏剧化的交响曲。而除此以外，室内乐曲和钢琴奏鸣曲，也是这段期间和交响曲相提并论的重要曲式。

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Sir Georg Solti -《歌剧指挥索尔蒂》下载地址：http://www.verycd.com/topics/2765373/
似乎成了惯例。大指挥家生前是神，死后是人。看过一个晚年卡拉扬在萨尔茨堡的录像，他在歌唱家、演奏家中间如同教皇一样被人供奉，对歌唱演员的指导课成了下旨的仪式。卡拉扬死后，批评之声汹涌澎湃，“空洞”、“华丽”现在是卡拉扬指挥风格的代名词。这种现象在伯恩斯坦身上同样出现过，那些针对伯恩斯坦的反崇拜言辞是在灵柩启动前夜就准备好的。势利的世界对大师并没有多少崇拜与赞美之心，在音乐这个问题上最终还是生者之间的一场利益之争。索尔蒂爵士1997年去世．没有卡拉扬、伯恩斯坦那种生前与死后反差的波澜。他活着的时候不是酒神，也不是帝王，更没有人们可以考察的戏剧性人恪与外在特征。崇拜与反崇拜两个相邻的使者，在没有成为偶像的索尔蒂那儿无计可施，束手无策。他是一个隐忍、充满意志力的音乐人物，显示出一点儿在人世间落落寡合的神情。

　　索尔蒂的音乐生涯有不少“犹太人”的漂泊特征。在布达佩斯求学期间，他是巴托克、多纳伊与柯达伊的学生。音乐学院毕业后，索尔蒂在瑞士师从威恩加特纳学习指挥，其后短时期担任过托斯卡尼尼的助手，1930—1939年是布达佩斯国家歌剧院的指挥。托斯卡尼尼“做指挥要从指挥歌剧开始”的箴言给了索尔蒂不少教益。此后他在慕尼黑巴伐利亚国家歌剧院与法兰克福市立剧院完成歌剧实践，并于1961—1971年的十年间担任科文特剧院指导。索尔蒂指挥的最高成就是在歌剧这种音乐形式里，使指挥风格从早期的稍显拘泥渐渐转入晚期的热烈与恢弘。

　　《索尔蒂回忆录》让人心潮起伏的地方，不是索尔蒂关于音乐丰富、独到的见解，而是置身在20世纪战争与革命风潮中，一个犹太音乐家苦苦挣扎的历程。整部回忆录的开头与结尾，索尔蒂都用一个牡鹿离家的寓言来概括他的一生。这个寓言原本是巴托克《世俗康塔塔》中的一段歌词，讲一头长了大鹿角的牡鹿再也穿不过回家的大门，从而背井离乡，与祖国和父亲形同陌路。这个寓言既可以看成上帝与人关系的陈述，也可以当做犹太人在20世纪的命运的一种象征。索尔蒂一生面临的变故与危机，是一头犹太之鹿寻找乡土的危机，牡鹿由于时代转载的车厢而不停地被盖上印戳，政治、革命、战争的魔鬼把雷电击打在鹿角之上，牡鹿在奔向回转的路途遭遇了宿命所带来的千辛万苦。关于牡鹿与巴托克的《世俗康塔塔》，索尔蒂在回忆录中充满感喟地叙述道：

我以前总把这部作品比做巴托克的一生，但那天，当我在指挥这部“康塔塔”的时候，我意识到我也是那头牡鹿。我生就以音乐为业，就像那些儿子出生后被训练成为猎鹿人。我感到幸福的是我在匈牙利长大。在匈牙利，人们生活和呼吸在音乐中，人们虔诚地相信无所不能的音乐就是生命的礼赞。然而，在我还很年轻的时候，我离别了我的祖国和我的家庭，在音乐中上下求索，命运使我去寻找狩猎的目标。我的生活境遇成为我的“鹿角”，使我踏上不归之路。
　　我这绝不是在自我炫耀，我只是想说，像其他国际知名的音乐家一样，我属于每一个人，并与整个世界共同分享我所创造的一切。在音乐与个人生活两方面，我既得到了巨大的回报，也同样付出了牺牲。而 我时常感到，我所赢得的一切终将离我而去。

　　在回忆录中，布达佩斯、苏黎世、慕尼黑、法兰克福、伦敦、芝加哥这些“牡鹿”的停泊地是各个章节的题目。不同地点的人、事、音乐生活以及关于音乐的见解，占去了回忆录90％的篇幅。在最后一章《音乐，永恒之光》中，索尔蒂用不多的文字完成了一份总的音乐心得与记录。

　　书中有趣的地方，是索尔蒂一生巡游见到的著名音乐人物。托斯卡尼尼、富特文格勒、克伦佩勒等指挥家与帕瓦罗蒂、多明戈等歌唱家，并没有引起索尔蒂的特殊认知。也许是对作曲家的本能敬畏，对索尔蒂产生“战栗”式影响的是，他与理查·施特劳斯以及斯特拉文斯基的谋面时刻。这两位作曲家分别象征音乐的过去与现代，是两个意味深长的坐标。

　　1949年，理查·施持劳斯在85岁生日前夕邀索尔蒂前往加米什别墅。诚惶诚恐的索尔蒂在聚会上，聆听到理查·施特劳斯对莫扎特与瓦格纳的清新见解。理查·施特劳斯还对索尔蒂的指挥面授机宜，告诉他指挥时需要把握既不过分热情又不过分冷漠的“超脱”方法。理查·施特劳斯也许看出了索尔蒂早期指挥太过拘谨、内敛的趋向。十年后，索尔蒂在美国与斯特拉文斯基相遇，他又体会到了上次见理查·施特劳斯时的尴尬心态。斯特拉文斯基向索尔蒂解释了《春之祭》新配器的风格问题。带有命运捉弄色彩的是，两位作曲大师都在临别时与索尔蒂预约了再次见面的时间，却在会面后不久去世。索尔蒂成为理查·施特劳斯葬礼上的指挥，预约迎来了相互间用沉默终结的方式。



巴托克的精神魅力对于任何一个与他谋面的人都有深刻影响，梅纽因曾在回忆录中谈到巴托克对他的影响。在这部回忆录里，索尔蒂对巴托克怀有推崇与敬畏交织的感情：

　　我说过，我在音乐学院当学生时，对巴托克敬畏有加，但我想对他的音乐谈上几句。我认为他的《小宇宙》的重要性不亚于巴赫的《十二平均律钢琴曲集》。这两部作品都指导人们如何熟练掌握键盘乐器的技巧，都将美轮美奂的音乐作为一种载体，每一首乐曲都教授一些新东西，并同时巩固旧的技巧。我一直没有成为足以能够弹奏他的钢琴协奏曲的钢琴家，他的《第一钢琴协奏些》非常难．《第二钢琴协奏曲》出奇地难，到了稍容易一些的《第三钢琴协奏曲》流传开时，我已经放弃了钢琴家的职业生涯，集中精力当指挥了。我弹奏过《两架钢琴与打击乐的奏鸣曲》和《迅猛的快板》。我喜欢巴托克的六首弦乐四重奏，我视最后两首是他作品中最伟大的，也是自贝多芬的四重奏，毫无疑问，也是自勃拉姆斯的四重奏以来最伟大的四重奏作品。

　　索尔蒂一生指挥曲目广泛，书中的附录部分按年代与乐团列出了在慕尼黑(1946—1992)、法兰克福(1952—1961)、伦敦(1959—1996)、芝加哥(1954—1996)四个地点指挥的主要曲目。在欧洲期间主要是指挥歌剧怍品，包括斯特拉文斯基《俄底浦斯王》、贝尔格《璐璐》在内的现代歌剧，到格鲁克的古典歌剧《奥菲欧与犹丽狄茜》，其间几乎囊括了歌剧史上所有重要的作品。在美国期间更多的是指挥交响乐作品，一些美国作曲家的作品进入了索尔蒂的研究与指挥范围。

索尔蒂回忆录》许多地方牵涉到音乐与政治之间的关系，这是一个犹太人不得不面对的现实。“我作为一名犹太人，生长在哈布斯堡王朝的奥匈帝国，曾经历过早期的匈牙利共产主义、法西斯主义、第二次世界大战中欧洲的分裂、战后对德国的军事占领，而后到了自由的西欧和美国，与各种民族、种族和各种信仰的同事共同工作，我坚信，种族迫害和种族歧视是阻碍人类进步的幽灵……尽管我觉得各个国家的特殊地位和特性不会消失，但我是个有信念的欧洲人。欧洲无疑会成为一个联合的大陆，并将彻底荡除历史上那些曾无端摧残人们生命的偏见以及宗教的和边界的争端。”书中讲到少年时的索尔蒂曾以别人说他长得不像犹太人为荣，这件事到年迈之时仍折磨着他。尽管在书中他多次提到自己一生的幸运，直至书尾写到那头牡鹿终于来到了故乡的高处。幸存下来并获得成就的索尔蒂自然有太多的感恩之心，想到那些死在暗夜的犹太使者，在漂泊途中鹿角断裂的音乐家，索尔蒂的心情难以平复：“我站在午后的阳光中，四周围绕着先祖的坟墓，而后又站在山上，俯瞰着巴拉顿湖，六十年来我第一次感到了一种归属感。我认识到匈牙利已成为欧洲的一部分，边界消失了。牡鹿回家了。它的角能够穿过大门，因为在他远游期间，这门变高了，变宽了。”

　　这是书中的最后一段话，而索尔蒂本人在完成回忆录校对几个小时后去世。也可以说．在索尔蒂去世后，关于歌剧的指挥神话，从此真的失去了一位合格的传人。牡鹿登上高岗之际，那个歌剧热闹、华丽的世界，从山坡落入了深谷。作为受第二次世界大战欧洲音乐文化哺育的代表性人物，索尔蒂之死标志着一个时代的结束。

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埃里希·克莱伯 Erich·Kleiber -《Decca录音全集》下载地址：http://www.verycd.com/topics/2743422/
克莱柏（Erich Kleiber 1890-1956）被公认为是二十世纪最伟大的指挥之一，他与托斯卡尼尼、福特万格勒、华尔特及克伦培勒四位大师，并称为二十世纪前半叶指挥界「五巨头」，由此可见他不朽之地位。其指挥生涯於二次世界大战期间达到巔峰，擅长德奥经典曲目，本集收录的作品是1949-55年间他为DECCA录制的多首交响曲，展现所谓「经典」之权威意义。其中贝多芬第3与第6号交响曲分别收录不同年代的两种版本，供乐迷做版本比较。

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　　「唱片是罐头音乐。想吃芦笋，我会儘量去找新鲜的，如果找不到才会吃罐头芦笋。唱片就是音乐的罐头。」——克莱柏

　　克莱柏对於录音有著复杂的情感。一方面他认为演出者与听眾之间存在著一种奇妙的关係。对他而言，录音只是一种贫乏的替代品：它让演出与独特的情绪僵化冻结，使得每一次聆听的感觉都一样，然而从来没有两个音乐演奏会是完全一样的。而另外一方面，他又颇有远见，他了解录音保存了音乐的演出，而且充满了娱乐性。

　　克莱柏生於维也纳，原本学习小提琴的他，在听了一场马勒指挥的音乐会之后，决定改攻指挥。1908年赴布拉格研读音乐、哲学与艺术史。1911年以一首交响诗获作曲奖，同年被任命为布拉格德意志歌剧院合唱指挥。1912年转赴达姆斯塔特任宫廷歌剧院指挥。1919-23年辗转於巴尔门-艾柏菲尔德、杜塞尔多夫及曼海姆等地任职。1923年首次於柏林指挥上演贝多芬的《费黛里奥》大获成功，三天之后，立即被任命为柏林国家歌剧院音乐总监。由於对纳粹政府干预文化的政策不满，在贝尔格的歌剧《露露》被禁演之后，他仍然指挥演出该歌剧选曲，随即辞去了柏林的职位。1939年入籍阿根廷，定居布宜诺斯-艾利斯。

　　克莱柏时常游走世界各地担任客席，1927年造访苏联，1930年指挥纽约爱乐作美国首演，1935年首次踏上英国指挥伦敦交响乐团。此外，他也是阿姆斯特丹、布鲁塞尔等地的常客。1938年首度於柯芬园登场，指挥《玫瑰骑士》。战后返回欧洲，再度担任柏林国家歌剧院指挥，1955因抗议政治干预而辞职。
　　克莱柏在演出前总是不厌其烦地钻研乐谱，演奏时严格遵循原谱指示，避免投入过多个人主观感情。他总能掌握住作品的整体性，以理性的态度寻求结构与情感要素的平衡，排斥错误的传统演奏方式。他最擅长的是莫札特、贝多芬与理查‧史特劳斯诸位作曲家的作品，所灌录的《玫瑰骑士》、《费加洛婚礼》及贝多芬交响曲等，都是唱片史上的珍品。

　　在两次的世界大战期间，他曾经录制了许多78转的唱片，然而真正为他建立永续名声的录音却是他在战后为DECCA所录制的作品，也就是收录在这套六张ＣＤ的录音。儘管这些录音还无法展现克莱柏音乐活力的真正实况，却也让我们见证了他音乐生涯中所指挥作品的核心价值。

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Rachmaninov -《拉赫玛尼诺夫演奏拉赫玛尼诺夫:钢琴卷筒录音》下载地址：http://www.verycd.com/topics/113383/






拉赫玛尼诺夫:

谢尔盖·瓦西里耶维奇·拉赫玛尼诺夫（俄文：Сергей Васильевич Рахманинов，1873年4月1日—1943年3月28日）是一位出生于俄国的作曲家、指挥家及钢琴演奏家，1943年临终前入美国籍。他的作品甚富有俄国色彩，充满激情，且旋律优美，其钢琴作品更是以难度见称，纳入于不少钢琴演奏家的表演曲目中。

生平:
1873年4月1日，拉赫玛尼诺夫诞生于俄国的Semyonovo，家境富裕，出身于地主的家庭，父母皆为业余钢琴演奏家，其母充当他的第一位钢琴教师。拉赫玛尼诺夫从四岁开始习琴，然而最初并无突出的表现。

由于家道中落，拉赫玛尼诺夫一家迁往圣彼得堡。1882年，拉赫玛尼诺夫入读当地的音乐学院进修，1885年经介绍往莫斯科拜师Nikolai Zverev门下接受严格的钢琴训练。

艰苦的训练，令拉赫玛尼诺夫不久便展露出他的天份：他编写的歌剧Aleko获奖；19岁时，编写了著名的《{升c小调钢琴前奏曲》，成为他于乐坛上的代表作；同年更完成他的《第一钢琴协奏曲》。1892年，拉赫玛尼诺夫于莫斯科音乐学院第一荣誉毕业，并开始他的作曲生涯。

1897年，拉赫玛尼诺夫《第一交响乐》的首演招来劣评如潮，令他受到很大打击，他亦因而无法集中精神作曲。后来经暸解，由于当天的指挥并无充份练习，再加上指挥于演奏时醉酒，以致整个首演表现得一塌糊涂。但拉赫玛尼诺夫并未因而振作起来，往后的数年更因此停产，直至得到心理治疗师的医治，才重拾自信。1900年，拉赫玛尼诺夫完成他的《第二钢琴协奏曲》，并以此献给他的治疗师，他更亲自于首演中担任钢琴独奏。该次演出为大众所接纳，令《第二钢琴协奏曲》成为大众喜爱的作品。

拉赫玛尼诺夫除作曲外，亦是一位杰出的指挥家，他于1904年担任Bolshoi Theatre的指挥。在俄国，他被誉为最杰出的歌剧指挥。1906年，由于俄国政治上的动荡，拉赫玛尼诺夫举家离开俄国暂居意大利，后来再迁往德国德累斯顿，期间他编写著名的《第二交响乐》，并于欧洲多国巡回指挥。

1909年，拉赫玛尼诺夫第一次往美国表演，他为表演更编写了被誉为最困难的《第三钢琴协奏曲》，令他在美国大受欢迎。回到俄国后，拉赫玛尼诺夫担任莫斯科爱乐交响乐团的指挥，成为当地乐界举足轻重的人物。

1914年，俄国政治十分动荡，不少剧院为免受暴民破坏而关闭，最初拉赫玛尼诺夫并无离开祖国之意，但由于他出身富裕家庭，由曾是地主，拉赫玛尼诺夫开始意识到周围的危险。1917年，拉赫玛尼诺夫获邀到瑞典演出，他乘此良机举家离开俄国，最终于1918年移居美国。为谋生计，拉赫玛尼诺夫开始其钢琴演奏生涯，在他人生余下的廿多年里，于美国及欧洲各地演奏，但却再无踏足祖国的机会。

1931年，拉赫玛尼诺夫于瑞士卢梭湖边置业，按照旧居模样布置，并编写了以钢琴及交响乐演奏的《帕格尼尼狂想曲》。

拉赫玛尼诺夫曾经说过：“我感到我工作时比闲散时更强，所以我祈求上帝让我工作到生命的最后一天。”上帝应允了他的祈祷，七十岁时，拉赫玛尼诺夫仍不停四处演出，直至于1943年2月才因身体不适被逼停止下来，然而不久却诊断出患了癌症。同年3月，拉赫玛尼诺夫病情恶化致无法进食，到了3月26日更陷入昏迷状态。一群音乐家联名以电报预祝他的七十岁大寿，可惜他却无缘庆祝自己的诞辰，最终于1943年3月28日辞世。

在拉赫玛尼诺夫离开俄国前，曾编写弥撒曲Vesper Mass，这亦是他为自己丧礼编写的作品，当中一句歌词(英译版本)如下："Lord, now lettest Thou Thy servant depart in peace."“主，现在就让你的仆人在平安中离去。”

逸事:
拉赫玛尼诺夫的双手，左手能轻易按跨十二度的琴键钢琴对小时候的拉赫玛尼诺夫是一件惩罚工具，据说其母惩罚小拉赫玛尼诺夫时，会要求他坐在钢琴底下。

拉赫玛尼诺夫的身材高大，拥有一双巨大的手，左手能轻易按到跨十二度的琴键，故此并非所有人能演奏他的作品。他的身材可能与一种名为[[Marfan Syndrome]肢端肥大症]的遗传病有关，患者其中一个征状是修长的四肢及手指。

拉赫玛尼诺夫曾居于其师Zverev的寓所内，由于同学们练习的声音过份嘈吵，拉赫玛尼诺夫向其师要求一个较宁静的环境以专心作曲而引发争执，最终令两师徒拆伙。

拉赫玛尼诺夫于莫斯科音乐学院毕业时，获评审委员一致推举为第一荣誉毕业生，其师Zverev亦是评审委员之一。Zverev于毕业礼时，更以金表作为贺礼赠予拉赫玛尼诺夫，两师徒亦冰释前嫌，此金表亦成为拉赫玛尼诺夫珍而重之的物品。

拉赫玛尼诺夫接受心理治疗时，其治疗师Dr. Nikolai Dahl要求他每天接受诊治，拉赫玛尼诺夫每次均需坐于漆黑的房间内，听治疗师不停重覆说：“你将开始创作协奏曲...你会工作得称心如意...你的协奏曲会是最好的...。”拉赫玛尼诺夫最终于诊疗期末时，完成了著名的《第二钢琴协奏曲》。

拉赫玛尼诺夫于1902年与Natalia结婚，其意大利籍的妻子亦是毕业于莫斯科音乐学院的钢琴家。

拉赫玛尼诺夫喜欢于安静的环境创作，他曾说：“没有比安静独处对我更有帮助。”

“拉赫曼尼”在俄语有“挥霍无度”之意，拉赫玛尼诺夫之父正是一个胡乱挥霍的赌徒，最后更典当家业，弃妻儿不顾。

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Sir Georg Solti -《舒曼交响曲全集》下载地址：http://www.verycd.com/topics/2887474/



这款《舒曼：交响曲全集》由Decca唱片公司发行于1999年，索尔蒂爵士指挥维也纳爱乐乐团演奏录制。舒曼以其深具浪漫精神与充满灵性的思维与笔法，谱出许多对灵魂与情境有深刻描绘的作品，尽管其钢琴与声乐作品更具代表性，但这几首交响曲与序曲在旋律的刻意铺陈与安排下，仍是掷地有声的佳作；索尔蒂爵士与维也纳爱乐时时可见新意的绝佳搭配，成就了本集辉煌而无可取代的价值。企鹅评价“索尔蒂爵士热力四射的手法与维也纳爱乐温暖的音色，将舒曼的交响曲推向完美的极致”。

德国作曲家舒曼是浪漫时期最著名的作曲家之一，被誉为“将浪漫主义音乐风格发挥到极致”的音乐伟人。虽然舒曼的特长是在小规模的钢琴、声乐作品上，但是他一生所作的四部交响曲却始终受到广大听众们的喜爱和欢迎。其中比较著名的是两部标题作品—《No. 1交响曲“春天”》以及《No. 3交响曲“莱茵”》。前者充满了浪漫而欢快的气息，而后者反映了莱茵河的生活情调，充满着情趣和优美的旋律。当然《No. 2交响曲》以及《No. 4交响曲》同样也是值得仔细聆听的，尤其是最后一部，普遍被认为是舒曼最为尽善尽美的交响曲作品。

《春天交响曲》创作于1840－1841年间，并很快首演，由门德尔松指挥初演。其时正当舒曼和克拉拉的婚礼之后。本曲被称为《春天交响曲》，据说这是得自贝托嘉的《春之诗》的感触。开始乐章活泼而有震撼力的降B大调第一主题表示了春天到来的景象；第二乐章是一首舒缓感人的夜曲，优美而华丽，有一种抑制不住的欢乐；第三乐章是海顿小步舞曲乐章和贝多芬谐谑曲的某些东西的奇妙结合，第一主题的切分音型充满了生气。末乐章回到降B大调快板，以表达民间节庆的欢乐来向春天告别，第一主题是个优雅的小精灵舞曲，充满了戏剧性。

《莱茵交响曲》虽被编为舒曼的交响曲第三号，事实上却是他完整交响曲作品中的第四首也是最后一首。1850年秋天，他以惊人的速度在五个星期内完成此曲，当时这位德国作曲家才刚迁居至杜塞尔多夫，并且担任该城管弦乐队音乐总监。舒曼以乐观的心情来面对这次迁居，全曲五个乐章有多处透露着这个讯息，尤其是在节庆气氛的第一乐章，他所标示的表情是“活泼地”，曲中洋溢着阳光般的热情、圣咏般的肃穆，以及令人喘不过气的活力，并列穿插，如此便自然地产生令人头昏眼花的张力；第二乐章虽名为诙谐曲，事实上是一首自由发挥的兰德勒舞曲，原本命名为“莱茵河上的清晨”。随后的间奏曲继续反映舒曼创作时的宁静心境；乐曲对标题“莱茵”唯一的明显提示是在第四乐章，据推测，舒曼是在科隆附近的一所教堂，看到大主教晋升场景时而激发出的灵感。终乐章是一首轻快的进行曲，为全曲画上活力充沛的句点。


索尔蒂爵士为英籍匈牙利指挥家。生于匈牙利布达佩斯。曾在李斯特音乐院从名师学习指挥、作曲与钢琴。1933-1939年任布达佩斯国立歌剧院专职指挥。1942年在日内瓦国际比赛中获得钢琴优胜。1946年被驻德美军聘为慕尼黑国立歌剧院的音乐指导，由于指挥贝多芬歌剧《费德里奥》成功而任拜仑歌剧院的指挥。曾加入德国籍。1953年始，先后在旧金山歌剧院及交响乐团、芝加哥抒情歌剧院、伦敦修道院花园歌剧院任指挥或音乐指导。他录制的歌剧《尼伯龙根的指环》使其名声大振。1971年获得爵士称号后入英国籍。从1969年始，他任美国芝加哥交响乐团的音乐指导兼常任指挥，还任过巴黎交响乐团与巴黎歌剧院、伦敦爱乐团的音乐指导及指挥。他早期的指挥虽给人以严谨拘束之感，但后期却逐渐转化为宏伟而具有魅力。

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Various Artists -《女歌唱家歌剧唱段精选》下载地址：http://www.verycd.com/topics/90784/




Renata Tebaldi

《La Wally》 大家不会陌生，莎拉不莱蔓唱过。这段咏叹调也是Renata Tebaldi第一次在公众前唱的曲目。她在叔叔家巧遇前来买饺皮的Carmen Melis阿姨（当时的女歌霸！），跟她学了很多东西，从此厉害了！小姑娘在一个离异的家庭长大的，她爸爸是个大提琴师；妈妈是想当歌手又自认为天生丽质，却成了护士的一个郁闷的人。老了以后的Tebaldi是一个未婚的人，无儿女。
她害怕衰老和失败，54岁就早早离开舞台——这和她84岁的高龄相比不太协调。
说到这里我不由想到另外一个女高音歌唱家安娜·莫芙。她今年3月去世了，73岁。曾经和Tebaldi、卡拉斯有同样的名望。但是她同时接演的角色太多，一年平均唱12部歌剧的主角，76年在大都会演唱《茶花女》，她的惨败彻底暴露。后来莫芙接受采访时，她感到后悔万分，但是她说一切都是因为太寂寞……
寂寞的歌手，寂寞的作曲家，寂寞的指挥……在音乐这个地盘上，有谁不寂寞？
是要用忙碌来冲淡寂寞还是用寂寞来淹没寂寞，抑或用漠然来无视寂寞？
……
"Ebben? Non andrò lontana"是拉瓦利被她爸爸逼着嫁给一个不愿意嫁的人时，她选择了离开家时所唱的咏叹调。在我看来，Tebaldi也是一个茕茕孑立的拉瓦利：她追求爱情，放弃婚姻；追求自由，放弃子女；追求回忆，放弃“常青”。
她的选择似乎都是那么自然，没有半点乔饰。
所以我也不用任何乔饰来对待一个本来自然的人了。轻轻地怀念一下这个水瓶座女生~




《诺尔玛》的持久魅力

贝利尼的《诺尔玛》在歌剧曲目中，占有很重的分量。喜爱歌剧的人都知道，能演唱诺尔玛的歌唱家并不多，歌剧院要上演这部歌剧，也总为女主角的人选挠头。表演这个角色有双重难度：一是声乐方面有很大的挑战性；一是难免要被拿去与历史上的传奇女高音对比。从早年的吉蒂塔•帕丝塔(Giuditta Pasta)到卡拉斯，历史上伟大的诺尔玛演绎者有不少。现在还有几个能应付这双重挑战的女高音呢?
现在人们已经公认，《诺尔玛》是美声歌剧中最伟大的成就之一。但是很少有人知道，一开始这部歌剧并没有得到肯定。1831年，歌剧在米兰首演，贝利尼自己都认为是一场惨败。还好，在首演乐季快结束的时候，歌剧已经被认为是贝利尼和帕丝塔的成功之作。1833年，歌剧在伦敦上演，得到的评价褒贬不一。《观察家》认为“歌剧题材并不适合贝利尼那种轻盈的风格”。不过，《诺尔玛》也得到不少人的追捧，其中包括理查德•瓦格纳。1837年，他就曾在里加指挥过这部歌剧。他甚至还为要演唱奥罗韦索的拉布拉什创作了一首咏叹调“预言家诺尔玛”。他写道：“在贝利尼的全部创作之中，《诺尔玛》将各丰富流溢的旋律与真理的光辉结合起来了。”
那么，这些评价哪个是对的?这部歌剧是贝利尼的天才之作，还是江郎才尽的表现?带着这些疑问，我听了不少录音，特别注意剧本和角色，试图了解是否有什么本质的东西可以解释诺尔玛的持久魅力。歌剧讲的是有点扭曲的三角恋爱故事。《诺尔玛》的故事也影射了奥地利对意大利的统治，以及对罗马、帕尔玛、波隆纳等地民族主义反抗活动的残酷镇压。男主角波利昂尼代表的是罗马殖民帝国的罪恶。当然，歌剧与历史并不完全一致，比如诺尔玛并非仅仅是镇压的牺牲品，毕竟她有力量召集人们武装反抗。她并非一个简单角色。歌剧重点表现了个人欲望与女祭司的责任之间的矛盾，以及这种矛盾带给她的痛苦。虽然歌剧中诺尔玛并没有真的杀死自己的孩子，她毕竟有了这种冲动。这个既真实又神秘的女人，让人着迷。她对痛苦和沮丧的表达达到极致。大概这些也是角色的魅力之一。
就音乐而言，这部歌剧似乎并不突出，甚至显得有些马虎草率，尤其是乐队部分。声乐部分的情感浓度，大部分被平庸的乐队声音消解了。军乐过多，使得歌剧的乐队部分越发显得糟糕。有的地方，甚至声乐部分也毫无特色，彼此完全可以互换。我是从诺尔玛第一个高难度唱段开始研究的。这就是著名的“圣洁的女神”(Casta Diva)，6/8拍，婉转流畅的旋律非常具有贝利尼的特征，也反应出作曲家家乡西西里的风格。流畅动听的咏叹调之间，有一个意想不到的高音B上，然后达到高潮的高音C(这首咏叹调一般都降低一度演唱，帕丝塔曾经这么要求贝利尼，有时甚至整个“mira, o norma”场景都降低一度)，然后才下行，直到平静地结束。这是一首让人难忘的咏叹调，但我总觉得应该没有通常的演绎那么复杂曲折。它并没有告诉我们有关角色的更多信息，说到底不过是优美的歌唱而已。
随后波利昂尼与阿达尔吉莎的二重唱听来也有点松散。开头还不错，后面开始有些磕磕绊绊。只有中间一个段落让人竖起耳朵。波利昂尼告诉阿达尔吉莎他要回罗马，并且希望她能跟自己一起回去。阿达尔吉莎一开始感到非常惊讶，但很快说出了“啊，离开我”，表示拒绝。这一段挺值得作一番音乐分析。阿达尔吉莎的唱段，接着波利昂尼前一句的最后音符。这个音是降A，听众都以为接着的也是一个降A和声。但奇怪的是，他唱的最后一个字“你”却是P小调的和声。这也是阿达尔吉莎接下去六个小节的和声。这一段她意识到自己不能接受波利昂尼的邀请，而应该忠于自己的信仰和人民，失去波利昴尼也在所不惜。这样，在波利昂尼暗喻的降A大调与阿达尔吉莎的F小调之间，存在着一种悬而未决的动态。他们之间的对话也显示出这种抗争。这么短短几个小节，贝利尼运用简单的和声技巧，就完美捕捉到了阿达尔吉莎那一丝犹豫不决的心态。这一丝犹豫不决很快就消失了，在“vieni in roma”二重唱中，波利昂尼粗暴的声乐力量，将阿达尔吉莎的反抗击溃。


通过延长和声的归位而制造出一种拉长的紧张感，这种和声技巧在其他几个关键点上也出现了。通常是角色在作出生死抉择的关头出现。这个技巧也包含在整部歌剧的调性冲突之中：在“mira, o norma”之前(这是最后一次，诺尔玛不再希望波利昂尼还爱着她)；在诺尔玛自认为是叛国者时(她无法为阿达尔吉莎定罪，因为她犯有同样的错误)；还有她走上火刑架之前，坦承自己甘愿一死的时候。当然，这部歌剧之所以伟大，并不仅仅在于这么几个小细节，但这些地方的确可以表明贝利尼能够跳出旧的窠臼，通过音乐的语言，而不仅仅是声乐的技巧，来展现角色的细微之处。怪不得瓦格纳也在《诺尔玛》中找到了灵感。
贝利尼在声乐技巧方面的其他发展创新，也预示了19世纪歌剧艺术即将迎来的转折。当诺尔玛心中的矛盾情感日益显露，她的音乐也越发阴暗，更多戏剧性色彩。事实上，她的声音必须经过一个跳跃：从“casta diva”的轻盈抒情，到第一幕结尾三重唱中小号般的斩钉截铁，再到她盯着熟睡的孩子唱出“dormoni entrambi”时的大提琴般的反思情绪。
研究诺尔玛的创作技巧，也必然会涉及阿达尔吉莎这个角色。她们之间的关系是歌剧的核心。阿达尔吉莎有几段二重唱和一段三重唱。起初，她几乎和诺尔玛一样，是歌剧的核心人物。在第一幕中，阿达尔吉莎甚至更出风头。阿达尔吉莎是诺尔玛和波利昂尼欲望和野心的投影，而不像是一个单独的角色。比如，在二重唱中，她的主题都是与诺尔玛的主题一样，有时仅仅是一种回声。即使在高潮处的二重唱“mira, o norma”中，她的大部分音乐都和诺尔玛一样，只是低了三度。还有，三重唱之后，她就突然消失了。在最后一个场景中也没再出现。阿达尔吉莎到底是谁?
也许最好的答案就是，在许多方面，她就是诺尔玛复杂个性的另一面。阿达尔吉莎代表的是诺尔玛心中，那个希望成为普通女人的愿望，能够自由去爱，而不为政治和命运左右。她不必出现在最后一场，因为诺尔玛已经克服了性格中的这一面。如果这种解读是正确的，那么贝利尼的天才之处，恰恰在于，他意识到，随着诺尔玛的角色不断发展，到最后必然要让阿达尔吉莎消失。这一点应该归功于剧作家罗曼尼。诺尔玛的声音也带有了更多戏剧性味道和女中音的阴暗色彩。诺尔玛从“casta diva”的美声世界走出，走进浪漫主义戏剧女高音的世界，直到最后她在理查德•瓦格纳的歌剧世界中找到归宿。
《诺尔玛》经久不衰的魅力，不仅在于歌剧剧情本身，它也向我们展示了音乐刻画人物的技巧所经历的一个历史转折点。在这个过程中，这部歌剧开创了多维角色刻画的技巧，角色的情感发展，尤其是内心复杂的女性角色，是通过声乐技巧来表现的。《诺尔玛》大概是19世纪歌剧中最集中运用这一技巧的歌剧了。



卡拉斯与萨瑟兰：20世纪两位伟大的“诺尔玛”

卡拉斯在EMI录制了两个录音室录音，都是图利奥•塞拉芬指挥，瓦尔特•里格制作。第一个录制于1954年。这个录音只有在卡拉斯出场时才让人眼前一亮。她的魅力不仅在于高度个性化的、富有感染力的“圣洁的女神”，而且还有让人佩服得恰到好处的演唱技巧。比如，她演唱连续的高音A，并没有认为通过“抬高”音调或是一带而过变成一个连续的单音。第二个录音录于1960年。这个录音在制作和声望上堪称是最强大的。两个录音相隔六年，卡拉斯的声音虽然有所减弱，但并没有太大的妨碍，在音量、音色、稳定性方面，略有逊色。但人们还是不时被声音之美打动．比如她在“mira, o norma”二重唱中的表现。在她与阿达尔吉莎的二重唱中．她的声音比次女高音更加集中。萨瑟兰也录制过两次《诺尔玛》。一个是1964年在DECCA公司录制，与伦敦交响乐团合作，博宁吉指挥。这个是她最好的《诺尔玛》，从此她被认为替代了卡拉斯而成为“美声女王”；对于萨瑟兰的乐迷来说，这肯定是一张必买的唱片。萨瑟兰的高超花腔技巧在这里得到了充分的验证。她演唱的“圣洁的女神”将抒情与力量完美融合在一起，总能赢得一片掌声。1984年，萨瑟兰和卡巴耶、帕瓦罗蒂等合作，再次录制了这部歌剧。与卡拉斯的情况差不多，录制这个录音时，她的嗓音已经不那么年轻了，但是她的高音仍然很扎实，花腔技巧、连音技巧都很好。这是一个感人的权威录音。

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Pavarotti & Freni & Harwood -《波希米亚人》下载地址：http://www.verycd.com/topics/189685/




歌剧“波希米亚人”的故事情节我想不需要我在此浪费VC的篇幅，喜爱音乐的友人都已耳熟能详。但为了一些慕帕瓦罗蒂名而来却又只知“我的太阳”和三高音乐会的人，我还是加了一个PDF文件供他们参考。那是由美国“纽约先驱报”音乐评论员科贝Kobbe原著，英国的海尔伍德Harewood伯爵增订，大陆人民音乐出版社于一九八三年二月编译出版的“西洋歌剧故事全集”中的节选。

据我所知，卡拉扬指挥歌剧“波希米亚人”只有三次录音。另外两次都在六十年代初期。一次是Vienna State Opera House，现场录音，一九六三年十一月九日，女高音弗雷妮，意大利男高音拉伊蒙迪Gianni Raimondi。还有一次是Milan Teatro alla Scala Orchestra，女高音和男高音仍然是弗雷妮和拉伊蒙迪，时间在一九六五年，这场演出还出了DVD。

帕瓦罗蒂第一次演出“波希米亚人”在一九六一年他获奖勒佐•艾米利亚国际声乐比赛的同年，不知是否有录音留下。现在能找到的录音最早是一九六九年一月十七日在罗马的现场录音，女高音弗雷妮，美国指挥家托马斯•席佩尔斯Thomas Schippers 和意大利罗马广播电台交响乐团Italian Radio Symphony Orchestra Rome。半年以后的七月十七日，帕瓦罗蒂和弗雷妮，以及一月份的原班人马又有一次现场录音。接下去就有了一九七二年和卡拉扬的这次合作。
一九七七年三月十五日与列文James Levine在大都会歌剧院的现场演出制成了DVD，而且是DG出版，所以非常流行。
一九七八年三月三十日又有幸与指挥家克莱伯Carlos Kleiber在意大利米兰斯卡拉歌剧院演出了一场，女高音是奥地利的波普Lucia Popp (唱片公司Melodram#50038)。同年，又和旧金山歌剧院在赛弗里尼Tiziano Severini指挥下和弗雷妮再次合作拍了一个电影。
最后，帕瓦罗蒂来到了中国北京天桥。如何如何是大陆的乐友比我更清楚的了。

普契尼在他的歌剧“曼侬•列斯科”于一八九三年二月一日成功上演的一年后完成了歌剧“波希米亚人”，当时普契尼三十六岁，一八九六年二月一日仍在意大利都灵皇家剧院首演。他的另一些著名的歌剧如“托斯卡Tosca”（一九零零年首演），“蝴蝶夫人Madam Butterfly”（一九零四年首演），“西部女郎Girl of the Golden West”（一九一零年首演），都是“波希米亚人”以后创作的作品。普契尼的最后一部歌剧“杜兰多特Turandot”在他一九二四年十一月二十九日去世时还没完成，由阿尔法诺Franco Alfano代补完成（柳儿自杀以后的十五分钟），并于一九二六年首演（关于杜兰多特更多的介绍待以后发布CD时再谈）。