转帖——大英帝国最伟大的唱片公司—— DECCA 迪卡唱片公司

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宝丽金•环球集团所属的一家以录制歌剧而闻名于世的唱片公司，译为“黛卡”或“迪卡”公司，麾下拥有Argo，福茂唱片等子公司。成立于1929年，是英伦三岛唯一可与百年老厂EMI相匹敌的唱片厂牌。
    其实作为同属宝丽金集团的唱片品牌，Decca无论在规模，历史，艺人阵容等诸多方面都与DG等大公司相去甚远，但是在发烧友心目当中，Decca的品牌形象和地位却仍然非同反响，甚至称其为当今世界录音艺术的一大典范，都一点不为过。事实上，只要您听过Decca的唱片，您便会同意：Decca录音所特有的深阔音场，透明度一流的秀美音色，以及极其华丽自然的音域平衡度，已和其蓝红相间的商标一样，成为独树一帜，无可替代的招牌。
    在艺术家的阵容上，Decca最引以为自豪的便是曾签约旗下40多年的专属指挥，声望盖天的一代名师乔治•索尔蒂爵士。此外Decca旗下拥有指挥大师迪图瓦，梅塔，夏依，马泽尔等；钢琴家阿什肯纳奇等；小提琴家正京和，巴克豪斯等；吉他家费尔南德斯等；歌唱家帕瓦洛蒂，萨瑟兰，多明哥，卡雷拉斯，苔巴尔蒂，卡纳娃，卡芭耶，弗蕾妮，毕约琳，特菲尔，弗拉明戈，巴托莉，盖尔吉尔等等。在流行音乐领域，Decca大家族中同样有这众多闪亮的名字：比如驰名世界的曼托瓦尼轻音乐团，美国爵士乐传奇艾灵顿公爵，百老汇著名歌手平•克劳斯贝，以及TheRollingStones滚石，JoyDivision，HappyMondays，RunDMC等等。而且Decca唱片高贵华丽的透明音色，如临现场的精确定位，开阔深远的音场空间感以及辉煌而不刺耳的音域平衡度，几乎能叫任何发烧友一闻上瘾，并已成为人所共知的特色。
    在当今浩如烟海的唱片品牌当中，Decca特别以录制歌剧作品而名震全球。众所周知，歌剧录制是一项艰巨而又复杂的工程，要耗费大量了人力与物力，收回资金也需要很长时间，没有实力和魄力的公司往往不敢问津此道。Decca公司不仅具有雄厚的财力，而且具有极高的艺术鉴赏力和敏锐的市场洞察力，在这一行当中获得了巨大的成功。多年以来，Decca公司积累了歌剧录制方面的丰富经验，而且网络了上述一大批世界超级的歌唱家和众多知名歌剧院作为坚强的后盾。因此，Decca是一家歌剧和声乐爱好者要特别关注的唱片公司。


  历史上，Decca这个名字的首次出现，是在1914年，手提式留声机制造先驱山姆父子将这个名字冠在了当时令他们获得极大成功的手提留声机上，几年后，企业家刘易斯(ELewis)从山姆父子手中收购了此业，由于Decca产品在一战期间颇受欢迎，名字便被保留了下来。1929年，Decca留声机公司进一步扩展，派生出了Decca唱片公司。数月之后，Decca首次发行了一批78转唱片，内容包括一些舞曲音乐及英国作曲家的作品，戴流斯的《海的漂流》开创了Decca录制古典大编制交响乐的先例。30年代时Decca的经营开始扩展，取得了德国Polydor古典唱片在英国的发行权。两年后，其地盘伸展至美国，在纽约成立了Decca美国公司，并停止了留声机的生产，全力发展唱片业务。1937年Decca买下克利斯多雷(Crystalate)唱片公司，并将其下的Rex，Vocalian，Panachord等几个品牌收归己有，同时也拥有了在西罕布斯坦的相关录音室。没想到这个录音室中的几位录音师后来竟成为Decca独一无二华丽音响的缔造者，其中包括技术总监阿瑟•哈蒂(ArthurHaddy)博士和录音巨匠凯尼兹•韦尔金森。

由哈蒂领导的工作小组在二战中投身军事录音的研究，承担并完成了政府下达的录下由英国和德国潜艇内部发出的各种声音的任务，他们在声纳技术上的突破为皇家海军击沉德国潜艇立下汗马功劳。战后，Decca所掌握的先进技术为其录音事业带来新的生机。这种坚实的技术基础首先体现在唱片制版上，Decca所改良的动圈刻片刀，可以成功的将高频响应提升到每秒一万四千赫兹，大大提升了频响和信噪比，降低了失真度，在唱片业被传为神话。其后这一革命性科技伸展至音乐制作领域。1954年Decca发表划时代的“Full Frequency Range Recording”全频带录音技术，领先同行，以此制成的唱片在高频响应和音乐保真度方面都达到前所未见的高度。
    在FFRR技术得到肯定之后，Decca唱片以LONDON这个品牌倾销美国，并迅速占领日本，拉美市场。50年代，Decca与德国德律风根(TELEFUNKEN)集团联合设立了一个以技术发展为目标的机构，以TELDEC(泰尔迪克)为商标发行唱片，后来TELDEC唱片公司因经营问题转入华纳唱片集团。随着唱片工业由SP向LP时代迈进，Decca重新加入到唱机制造中，其开发的世界首枚全音誉微沟纹唱头在当年几乎成为新一代高保真音响的主要音源，配合发行的一些古典唱片被广泛示范，出尽风头。1957年Decca推出的副牌商标Argo至今都是古典老乐迷心目中优质唱片的代名词。1958年Decca和美国RCA，Mercury等唱片公司同步跨入立体声时代，古典曲目如雨后春笋般激增。事实上早在1954年，Decca就开始将部门母带以声道分离的方式录制，并尝试以自己的方式将左，右声道刻在单一沟槽的两壁。在立体声LP幕后规格的商定中，Decca作为重要角色促成了这一国际规格的制定。在其后的漫长岁月中，Decca发行的立体声LP一直被发烧友认定为音质纯净，毫无扭曲的高品质唱片。


  50年代末，Decca在先进录音技术和金字招牌般的录音品质保证下，开始发展宏大的立体声歌剧录音计划。由库肖领导的录音小组与索尔蒂爵士在维也纳展开长期合作，录制瓦格纳的矿世巨作《尼博龙根的指环》全集。这一史无前例的录音计划足足延续了五年，耗费了难以计数的人力和物力。虽然它的出版在全球造成了空前的狂热，而且这套14张CD组成的《指环》全集在今天依然是唱片业历史上最为辉煌的宏篇巨著，但却引发了Decca在财政上的危机。70年代初，Decca不得不将股份出售给了宝丽金集团。加入宝丽金之后，由于得到巨大的财力支持，Decca迅速恢复元气，率先投入对数码录音的研究和使用，并继续在录音技术上独步一时。现在，Decca与同属宝丽金•环球唱片集团的Philips和DG鼎足而立，并在录音计划的制定，艺人的行政，场地及技术问题上享有自主权，其出品的唱片在艺术，音响方面一直维持至高的品位。

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早在50年代立体声录音的萌芽时期，Decca公司的资深录音师威尔金森(K.E.Wikinson)先生便开始在广泛的实验中探索如何利用最佳的条件调合出清澄的音色和宽阔的舞台空间感。他认为，唱片上的音乐只有包含光辉开放的音响和一些细致入微的空间响应，才能让人感受到如临现场的愉悦，听到最鲜活的效果。几经实验，他炮制了一种独特的麦克风摆放阵式。这种后来被称为“The Decca Tree”的“麦克风树”，是以一组位于支架左右的麦克风及另一只垂直在适当距离的麦克风为主，这三支话筒构成的“麦克风树”矗立舞台，配合其他麦克风的辅助，可以将单点与多点方式录音的优缺点加以妥协，创造出细致，平衡又不失动态的录音效果。首先进行这种“麦克风树”录音实践的，是大名鼎鼎的曼托瓦尼乐团，至今他们那美到不可方物的弦乐音响都可令乐迷三月不知肉味。其后，这一麦克风摆法被推广到Decca的古典管弦乐和歌剧录音当中，以至于威尔金森在Decca乃至散见于美国Chesky唱片公司的大量唱片至今都成为发烧友搜寻不厌的目标。除此之外，造就Decca迷人录音特色的是其另一引以为自豪的录音原则。即古典录音都是在现场立即混音，以第一时间制成两声道的立体声母带。也就是说，Decca不会利用多轨录音的宽容性，在事后任意更动指挥原先已同意的声音。这种极端忠实于现场的制作精神对录音师的临场功力和音乐修养都提出了极大的考验。Decca古典录音中那种可以透视并给予听者无限想象力的音场空间感；以及那种逼真呈现艺术家动作，走位以及戏剧化场景的真实效果，正是依赖于这一录音哲学而得到保证的。至于非古典音乐的录音，Decca于70年代开发的“四相位录音法”(phase-4)开创了多轨录音的先河。这种可以有机安排录像定位的制作手段给予后处理较大的立体的效果同样令人惊讶，叹为听止。



最重要的一点是，Decca的每一项录音工程对录音地点的选择都可谓煞费苦心。这一点甚至连录音场地的交通状况都可能被考虑在内。一般情况下，Decca都会在事前派专人对录音场地进行反复考察，确定后立即进行改建，包括舞台的结构，观众的座椅，隔声设备等都经过复杂的修整布置，以满足不同录音所需要的不同空间响应。早期Decca曾使用过的三座欧洲出色的音乐厅：日内瓦维多利亚厅和维也纳索芬音乐厅，后来都被证明是拥有最佳反射，混响时间的录音胜地。许多伦敦的乐团，瑞士罗曼德交响乐团以及维也纳爱乐乐团都在这些地方留下过千古不朽的名演，每一张唱片的音响都令人深爱不已。Decca是世界上较早投入数码录音研究的唱片公司之一，早在1978年Decca的研发部门便开始采用18bit数码设备记录了维也纳新年音乐会的实况。后来，Decca在数码剪接技术方面有所突破，其ADRM数码复制技术被认为是对珍贵的模拟录音最可以信赖的保存方式，这种重新数码化的母带保存技术可以将老录音去芜留菁，呈现最迷人的效果。1999年，Decca出版了“Legends(传奇)系列”唱片，由宝丽金•环球集团与英国Data Conversion Systems(dCS)录音室合作，经英国原厂授权，采用dCS的954数码系统进行24Bit/96KHz格式化处理，128倍频取样，使Decca的历史名盘以CD版本咸鱼翻身，重见天日。
    从安塞美的历史名演，到索尔蒂《指环》大全集；从威尔金森那一张张难以超越的伟大录音，到九十年代Eclipse，Weekend等系列物美价廉的“超薄小双张”。几十年来，Decca与人们共同分享着她的努力，她的成果，她那沁人心脾的美丽声音。无论录音技术何去何从，发烧友们可以相信：只要Decca还在出版唱片，就绝对可以找到值得珍藏的极品。

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卡拉扬DECCA传奇录音下载地址：http://www.verycd.com/topics/295849/
在众多纪念卡拉扬100周年的再版唱片中，这套9张一套的集中了1959年到1965年他与维也纳爱乐乐团的重要录音套装应该放在重要位置。11小时的音乐都非常吸引人，多数都是绝对要听的权威演绎。即使拿出之后30多年的录音，包括卡拉扬自己的，眼前的这些唱片也不逊色。莫扎特第40、贝多芬第7或者施特劳斯的查拉图斯特拉的录音浩如烟海，但是很少能达到卡拉扬维也纳录音中所展示的一以贯之优美状态。

这里收录了卡拉扬最擅长的莫扎特、贝多芬、柴科夫斯基和理查·施特劳斯，还有他不经常演出的亚当，霍尔斯特作品。最让人惊喜的是起整体的声音效果，明显与我们后来在数量多的DG和EMI的柏林爱乐“卡拉扬之声”不同，不管你喜欢或者不喜欢。

在权威的DECCA工程师努力下，这些录音不仅在现场感和动态方面胜出一筹，更重要的是维也纳爱乐乐团体现出的多种色彩、精致透明被奇迹般地呈现出来。柔软光滑的弦乐，瑰丽的管乐给听众持续的快乐。卡拉扬站维也纳爱乐乐团面前，更多地是为有这个特殊乐团提出建议而不是指令，但是效果是仍然非常显著。

评价这些录音的优劣是一件很难办的事情，但是如果要指出其中的我最喜欢的，那将是莫扎特的第40交响曲，这里有无与伦比的管弦乐平衡，分句和脉搏和高质量的弦乐。柴科夫斯基的芭蕾舞组曲，一个多彩的喜悦，呼唤出力量和氛围。亚当的《吉塞尔》，从各个方面来说都是对这个可爱芭蕾舞作品特立独行的解读，卡拉扬把它变成了经典。理查·施特劳斯的《死与净化》，一个管弦乐透明度的奇迹，拆开声音的多重层次达到了完美，并带给我们真实的戏剧的感觉。

海顿的爱好者会在这个套装里得到他们的超级礼品。即使已经拥有了这里收录作品的其他的录音，它仍然会证明是一个新发现。

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键盘上的狮王——威廉·巴克豪斯Wilhelm Backhaus -《贝多芬钢琴奏鸣曲全集》下载地址：http://www.verycd.com/topics/229433/


巴克豪斯（Wilhelm Backhaus 1884.03.16-1969.07.05）出生在德国的莱比锡。他的妈妈是业余钢琴家。巴克豪斯小时候就是跟他的妈妈学琴。1891年他开始跟随莱比锡音乐学院的钢琴教授Aloys Leckendorf，一学就是九年。1898年开始，巴克豪斯开始到法兰克福和美茵学习，在那遇到了对他事业影响最大的老师——欧根·德尔贝。欧根·德尔贝是李斯特的学生，他演绎的贝多芬至今影响很大。
1900年，巴克豪斯开始登台演出。最早的时候是跟随由阿瑟·尼基什带领的莱比锡格万豪斯音乐厅乐团演出。他在全世界开始出名是1905年8月，巴克豪斯赢得了鲁宾斯坦钢琴比赛的冠军。当时作曲家巴托克也是参赛选手之一，他在听完巴克豪斯的演奏后感慨地说：“巴克豪斯的演奏确实漂亮。”
巴克豪斯纽约的首演是在1912年1月5日，当时他弹的是贝多芬的《皇帝协奏曲》，赢得了钢琴技巧名家的声誉。之后，他到南美、亚洲、欧洲巡回演出。
外界对巴克豪斯的私生活知之甚少，仅仅知道他烟抽得很凶。他得兴趣只在演奏上，特别是独奏。我没有听说过他喜欢演奏室内乐，留下的唱片也只有两首作品。他的教学生涯也很短，记忆中只有1905年在曼彻斯特皇家音乐学院当教授、1925－26年在美国的柯帝斯音乐学院之类的短期教学，还有一战时期为军队的服务，他几乎是集中在舞台演奏和录音上。即使是在纳粹执政时期也没有停止演出，后来他还以纳粹临时战犯的身份为盟军演出。据说，他音乐会总的数量超过4，000场！就在巴克豪斯逝世前，Andor Foldes向巴克豪斯辞别：“多乾你最喜欢乾的事吧。”他说“最好的问候”是指巴克豪斯为他举行的欢迎“音乐会”。当时巴克豪斯已经85岁了！在与伯姆录制布拉姆斯的第二钢琴协奏曲时，伯姆对其他人说：“这家伙无论什么年纪弹布拉姆斯都那么好。”，结果大家都笑了。实际上，伯姆比巴克豪斯还年轻10岁，当时巴克豪斯是83岁，伯姆是73……
在二战之后，巴克豪斯定居瑞士的卢嘉诺（Lugano），外界都知道他是演奏贝多芬和布拉姆斯的超级大师。从那个时候起，“键盘上的雄狮”的昵称就跟随着他。他最后的独奏音乐会是1969年6月28日，7天之后因为心脏病在奥地利的Villach去世。之后，他被埋葬在科隆。
当巴克豪斯在美国巡回演出时，有一个评论家称“他的技巧象神一样。”。他年轻的时候技巧是无与伦比的，虽然因此说他在DECCA留下的所有78转和单声道的录音中技巧是完美的、完全没有瑕疵的，在立体声时期的录音中还是可以听到有几处技术问题，象贝多芬第三奏鸣曲、皇帝协奏曲等，但是，他众多的贝多芬和布拉姆斯的录音是里程碑。他的演奏几乎都是完整的技巧、稍快的速度、率直和充满力量。不过，在抒情的片断他的演奏是那么的迷人、声音是那么的丰满、感情是那么的深入。他的发音无疑是他那个时代最杰出的。我还没有听过有比他1966年在DECCA留下的贝多芬第31奏鸣曲的录音更美、更打动人的旋律线！在贝多芬第32奏鸣曲的第二乐章，那种一张一弛的鲜明对比，没有其它的录音可比的。从录音中除了可以得到想象他是个强而有力的钢琴家之外，你未必会感受到这些，你可能会对他晚期在DECCA公司的那些录音失望的。我觉得这对巴克豪斯是很不公平，就像我们评论吉列尔斯，他被誉为有“钢铁般的触键”，但是我们不能不看到他晚年的录音是那么的抒情和柔和。如果我们对巴克豪斯的评价仅仅源于他晚期在DECCA的那些录音，那么将会对他的艺术产生极大的误解。
巴克豪斯的演奏对后辈的影响是很大的。年轻的波利尼将他视为最尊敬的钢琴家之一，科瓦塞维奇称他是“仅有的理解汉麦克拉维奏鸣曲的钢琴家”。
从上世纪50年代起，巴克豪斯是为EMI和DECCA公司录音。在HMV年代，他在Gaisberg的监制下录制布拉姆斯的作品，比在后来在DECCA录得还要多。非常有趣的是，他在1900－20年之间，录制德奥体系的作品很少。可喜的是，贝多芬、布拉姆斯、舒曼、舒伯特这些代表他风格的作品是在录音技术成熟后才录制的。之后，他录音的范围几乎只在德奥的圈子里面。
在DECCA年代，巴克豪斯只有很少的非德奥的作品录音，他的肖邦音乐会又没发行CD。他在单声道时期录制了贝多芬所有的钢琴奏鸣曲和协奏曲，布拉姆斯的两首协奏曲。1955年之后，他在录音室主要的工作是重新录制这些作品的立体声版本，其它的作品还包括莫扎特、巴赫、舒曼、舒伯特。DECCA曾经把他的这些立体声录音几乎全部以“巴克豪斯专辑”为名作国际发行，个别的单声道录音放在“历史录音”系列出版。但是，除了贝多芬的作品和传奇系列的录音外，其它的录音都已经绝版。
在巴克豪斯的录音里面，最值得推荐的是他和伯姆合作的布拉姆斯第二钢琴协奏曲和莫扎特第27钢琴协奏曲。在27钢协中，他展现的自然的美就像我们在黄昏见到的景象。他的布拉姆斯第二钢协，尽管技术状况要逊色于他早年和schuricht的版本，但是那种成熟的美感是难以磨灭的。
在贝多芬的录音中，单声道时期的第三协奏曲（伯姆指挥）、第五协奏曲（克劳斯指挥）、立体声时期的第1、4协奏曲（Schmidt-Isserstedt指挥）是不错的，但是单声道的录音没有在国际发行过。在钢琴奏鸣曲全集里面，我意属于那三首最着名的奏鸣曲和最后的三首。特别是最后的三首，非常杰出，可谓傲视同齐。但是在立体声的版本里面，出现技术问题，我更期待单声道的版本作国际发行。
在布拉姆斯，伯姆指挥的第二协奏曲固然是精华，但同样是由伯姆指挥的第一和Schuricht指挥的第二同样是精彩绝伦。后者甚至获得好评比后来巴克豪斯在立体声时期技术不太稳定的录音要好。象Op.118的小品是高贵而坚实的。可惜它们几乎都绝版了。与Pierre Fournier合作的两首大提琴奏鸣曲的录音，是他仅有的两个室内乐录音之一，展现出他稳固的技巧和室内乐演奏的高超技艺。另外一个室内乐的录音是他在78转时期录制的舒伯特《鳟鱼五重奏》。

其它的作品也是不可忽视的。巴赫和海顿的独奏作品是孤清而高雅的。莫扎特的奏鸣曲或许有一点过时，但是强大的构筑力是令人难以忘怀的。目录上还有舒伯特的《音乐的瞬间》孟德尔松的无词歌。他的现场录音很少，1954年的卡内基独奏会是非常精彩的——就像他在录音室里面那样精彩。他最后的独奏会虽然技术漏洞很多，但是它的艺术价值是超过了他的历史价值的。
我们不是很容易就找到巴克豪斯多年屹立于世界艺术之林顶峰的原因，但是有一些细节可以供我们深思。在他最后的那些日子里面，他和维也纳爱乐乐团演出完一场音乐会，观众甚至乐队的队员报以雷鸣般的掌声。他却满脸困惑地说：“现在我回到我生命的起点。当我12岁站在舞台上，所有人都告诉我，你正处在大量思考的年纪。现在，你们所有的人也都告诉了我同样的话。”巴克豪斯重来没有倚重他的天赋。传闻，在他家里，挂着一幅非常忧郁的矿工的油画。每当问起为什么他会挂这样一幅忧郁的画在家时，他回答：“每次我看到这画，我知道我怎么辛苦也不如他。”还有，当问起他拥有完美技巧的诀窍时，他说：“只有音阶。音阶加开始。”(文章转载,感谢原文作者)


巴克豪斯先后两次录制贝多芬钢琴奏鸣曲全集，这是1950年至1954年较早一次的mono录音，完成时大师也已年过70。长期以来Decca一直没有发行这一套全集，由于第二套的立体声录音巴克豪斯未来得及录第29号奏鸣曲，所以借用的是第一套的同样曲目，而现今我们终于可以聆听到这套完整的录音。

[ 本帖最后由 TAOGE 于 2011-6-22 11:12 AM 编辑 ]

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Andras Schiff -《莫扎特：钢琴奏鸣曲全集》下载地址：http://www.verycd.com/topics/2738690/Andras Schiff，匈牙利钢琴家,5岁开始学琴,15岁在匈牙利电台举办的"发掘音乐天才"钢琴比赛中获第一名,同年入李斯特音乐学院学习,并在伦敦师从马尔科姆学习大键琴.1973年在匈牙利国家广播钢琴比赛中获第二名,1974年参加柴科夫斯基国际比赛获第四名,与同时代人兰基、科奇什一起被称为匈牙利钢琴三杰.席夫学过古钢琴,精心钻研斯卡拉蒂、巴赫、海顿等作曲家的分句技巧,其演绎的巴赫、海顿作品有清新、清秀的特点,音色极佳,充分发挥了现代钢琴的魅力。

莫扎特一共留下十八首钢琴奏鸣曲传世，从他传奇的童年时期一直到他成为一名成熟的作曲名家，各个不同的阶段都曾经有代表性的钢琴奏鸣曲作品出现。不需要太多的言辞赘述，莫扎特珠玉般的钢琴奏鸣曲作品，洋溢著亙古永恒的精彩创意与纯粹的美感，其不凡的意义与艺术价值，足已列为全人类共同的瑰宝。

[ 本帖最后由 TAOGE 于 2011-6-22 11:14 AM 编辑 ]

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Pavarotti -《帕瓦罗蒂歌曲精选》下载地址：http://www.verycd.com/topics/187995/
世界三大男高音之一、素有“高音C之王”美誉的意大利著名歌唱家卢奇亚诺-帕瓦罗蒂于当地时间9月6日逝世，享年71岁。
帕瓦罗蒂的歌唱事业不仅仅局限于意大利歌剧，在通俗文化方面也有很深造诣。迄今为止，数百万歌迷通过电视观看了他的精彩演出。
帕瓦罗蒂为人豪爽，慷慨大方，虽年届花甲，但却具有孩子般的性格。从歌唱生涯早期以及20世纪70年代，帕瓦罗蒂将自己的生命融入了意大利歌剧，凭借自身天赋和勤奋，再加上音乐大师们的提携，迅速在世界歌坛成名，以强劲的高音和胸腔共鸣著称，被誉为“高音C之王”。到80年代，帕瓦罗蒂的歌唱事业再攀高峰，与多明戈、卡莱拉斯并称世界三大男高音。

[ 本帖最后由 TAOGE 于 2011-6-22 11:15 AM 编辑 ]

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Haydn 海顿 -《交响曲全集》下载地址：http://www.verycd.com/topics/126171/
在西方音乐史上，海顿做为一名多产作曲家，在一生中共完成了107首交响曲，68首弦乐四重奏，62首钢琴奏鸣曲，和45首钢琴三重奏，14部弥撒，24出歌剧，以及两部神剧等等作品，数量之可观，种类之广博，堪称世界音乐历史之最。海顿出生的时候，巴哈在莱比锡的汤玛斯教堂担任乐长，去世的时候，贝多芬正好出版着名的田园交响曲，整个事业发展的时间，不但横跨巴洛克晚期到浪漫乐派的初期，也经历维也纳古典乐派最颠峰的时候，影响后人甚为深厚。直到18世纪末，海顿的地位和重要性，有如莎士比亚在文学领域里一样地举足轻重。

海顿的主要成就在交响乐的创作方面。他并非交响乐的首创者，在他之前，巴赫和亨德尔等人就为这种体裁进行了尝试。海顿是在前人的基础上。为交响乐确立规范的人，所以，后人称他为"交响乐之父"。着名作曲家柴科夫斯基曾说:"海顿是交响乐创作的锁链中一个不可或缺的、牢固的环节。没有他，也就没有莫扎特、贝多芬……

1732年4月1日，车轮匠马蒂亚斯·海顿的老婆玛丽亚·科勒在罗劳（位于下奥地利，接近匈牙利边境）生下一个儿子。这孩子出生证明上登记的日期是4月1日，起名叫弗朗茨·约瑟夫·海顿。约瑟夫·海顿曾对自己的第一位传记作者迪斯这么说：“我生于4月1日，我爸爸的日记上也是这么写的。但我兄弟米夏伊尔（另一位大作曲家）总说我生于3月31日。这是因为他不想说我生在愚人节。” （也有说法为海顿生日是3月31日，因为，海顿一辈子都否认他是在4月1日出生的，原来是他不希望别人说，他是在愚人节出生的呆子。） 海顿的童年是快乐的，他被家人昵称为赛佩儿（Sepperl），从小就流露不凡的音乐天份，尤其有一副好嗓子，但是罗劳这个小地方，对一个有天份的孩子来说，完全没有提供任何学音乐的机会。于是，海顿的父亲考虑将海顿送到几英里外的海恩堡（Hainburg），和他的表兄弟法郎克学音乐。

法郎克尽心培养小海顿，除了上课之外，也带他参与当地所有的音乐活动。跟随法郎克的两年里，日子非常辛苦，但是却收获最多。长大后，海顿还不断感激法郎克曾经让他这么努力过。直到海顿八岁的时候，维也纳圣史蒂芬教堂招募诗班成员，海顿以歌声打动诗班指挥洛依特，同意海顿八岁就加入唱诗班，因此有机会接受更进一步的音乐教育。



从罗劳到海恩堡，再从海恩堡到维也纳，小海顿的生命有了巨大的转变。教会的课程比法郎克的还要严苛，在经费不足的情况下，唱诗班的孩子根本吃不饱。所以，所有的成员都拼命争取出外演出的机会，因为这是唯一可以让他们饱餐一顿的机会，海顿自然也不例外。可是，教堂活动占去相当多的时间，想学音乐理论的机会很有限，尽管海顿试着作曲，但是诗班指挥却忙得没有时间给他任何建议，所以只有靠自己从其它的作品中学到音乐技巧。不过，更惨痛的事情发生了，十五岁的海顿开始变声，这本来就是预料中的事。但是导致他离开的原因是因为他恶作剧，剪断同学的辫子，又不愿挨打。就这样，1749年的十一月，17岁的海顿被赶了出去，开始流落街头，身无分文，从此以后必须自食其力，养活自己。幸运的是，他碰到了肯帮他的人。

命运坎坷的海顿，幸运地遇见这位他口里的卜伯伯。他借给海顿一笔钱，不收利息，也不问什么时候还，有了这笔意外的收入，海顿终于能够租下自己的一间顶楼，开始积极热切地研读音乐理论，买了福斯所写的对位法，潜心钻研，同时也教授学生，渐渐在维也纳的音乐圈里小有名气。因为他的一个贵族学生，海顿终于进入上流社会，开始为这些演奏场合写作作品。

海顿曾经有八年的时间，几乎难以餬口。但一夕之间，他又突然有了声名，人人竞相邀请他担任乐手或者音乐老师。1758年，海顿被推荐给热爱音乐的莫尔辛伯爵，得到第一份长期的音乐职位，而他也从早到晚勤奋工作，珍惜这份安定的工作。他为了自己所指挥的乐团，开始尝试创作管弦乐。他的第一号交响曲就是在莫尔辛的别墅演出。

依照当时的习惯，作曲家本人就在大键琴上指挥乐团，而在座的贵族嘉宾都深深地被海顿的才气所吸引，一致认为他是后起之秀，非常赏识他的才华。而受雇于莫尔辛伯爵的期间，海顿同时也完成了其它的交响曲。

海顿的表现，让同期的音乐家刮目相看，因此他在维也纳音乐圈也逐渐有了一席之地。而在事业逐渐安定的情况下，海顿决定成家。原来他爱上的是自己的学生泰蕾莎，但是这份爱情没有结果，因为泰蕾莎进了修道院。海顿为他的入会仪式写了一首C大调管风琴协奏曲，庄严的音乐，陪伴心爱的女人将一生奉献给上帝。



后来，因为莫尔辛伯爵陷入财务困境，为了删减支出，乐团必须解散，海顿也因此失业。这时才29岁的海顿，似乎已经经历大大小小的波折。失业之后，海顿又转往匈牙利最有权势的艾斯特哈吉家族担任家臣。尼古拉亲王爱好音乐，尤其赏识海顿的音乐表现，所以在海顿还没有完全成为乐长之前，就给予重任，负责安排整个家族的音乐活动，为亲王府的特殊场合写作音乐。而从进入艾斯特哈吉家族开始，海顿展开了他一生中事业和音乐创作非常重要的时期。

从进入艾斯特哈吉家族起，海顿的命运就有了改变，尤其在1766年老乐长去世之后，海顿被指派接任，从那时开始，对海顿而言更是划时代的改变。其中之一就是，老乐长去世之后，海顿必须接手写作教会音乐，因此天主教的宗教弥撒曲也成了海顿创作的另一个重点。

事实上，亲王府的生活相当单调，海顿和其它的人在一起有了一点距离感，心里觉得很孤单。不过也因为情感上与人隔离，才能将精力投入作曲，做一些前所未有的尝试。海顿创作的时代，正好是十八世纪后半的“狂飙运动”，主要以表现主观的情感为目的。虽然海顿也开始在音乐里描述内心的激情，但这却不是“狂飙运动”的影响。在这个时期，海顿写了不少小调的交响曲，但因为当时小调是用来表现很热情或很悲哀的情感，所以海顿这样做的动机非常耐人寻味。而以当时海顿最喜欢的第44号交响曲作例子，它表现了海顿几个重要的创作手法。例如，开头的齐奏就是显着的特征。以强拍开始的齐奏可以列为海顿的特点之一。而另一个重要方式就是运用对位法。例如在第44号交响曲的第二乐章，就可听到“卡农”的形式，它不但旋律优美，更展露了海顿感情细腻的世界。而这段期间，海顿的音乐渐渐趋于戏剧化，悲剧色彩最强烈的作品要属第49号交响曲《受难》。稳重的慢板令人联想背负十字架的痛苦，一种阴沉的忧郁感不禁油然而生。

公元1766年以后，海顿的交响曲在形式上起了很大的变化，而一般的说法认为，海顿晋升为乐长之后，兼任创作教会音乐的职务，使得他重新认识巴洛克风格，也因此才有机会以小调来写戏剧化的交响曲。而除此以外，室内乐曲和钢琴奏鸣曲，也是这段期间和交响曲相提并论的重要曲式。

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Sir Georg Solti -《歌剧指挥索尔蒂》下载地址：http://www.verycd.com/topics/2765373/
似乎成了惯例。大指挥家生前是神，死后是人。看过一个晚年卡拉扬在萨尔茨堡的录像，他在歌唱家、演奏家中间如同教皇一样被人供奉，对歌唱演员的指导课成了下旨的仪式。卡拉扬死后，批评之声汹涌澎湃，“空洞”、“华丽”现在是卡拉扬指挥风格的代名词。这种现象在伯恩斯坦身上同样出现过，那些针对伯恩斯坦的反崇拜言辞是在灵柩启动前夜就准备好的。势利的世界对大师并没有多少崇拜与赞美之心，在音乐这个问题上最终还是生者之间的一场利益之争。索尔蒂爵士1997年去世．没有卡拉扬、伯恩斯坦那种生前与死后反差的波澜。他活着的时候不是酒神，也不是帝王，更没有人们可以考察的戏剧性人恪与外在特征。崇拜与反崇拜两个相邻的使者，在没有成为偶像的索尔蒂那儿无计可施，束手无策。他是一个隐忍、充满意志力的音乐人物，显示出一点儿在人世间落落寡合的神情。

　　索尔蒂的音乐生涯有不少“犹太人”的漂泊特征。在布达佩斯求学期间，他是巴托克、多纳伊与柯达伊的学生。音乐学院毕业后，索尔蒂在瑞士师从威恩加特纳学习指挥，其后短时期担任过托斯卡尼尼的助手，1930—1939年是布达佩斯国家歌剧院的指挥。托斯卡尼尼“做指挥要从指挥歌剧开始”的箴言给了索尔蒂不少教益。此后他在慕尼黑巴伐利亚国家歌剧院与法兰克福市立剧院完成歌剧实践，并于1961—1971年的十年间担任科文特剧院指导。索尔蒂指挥的最高成就是在歌剧这种音乐形式里，使指挥风格从早期的稍显拘泥渐渐转入晚期的热烈与恢弘。

　　《索尔蒂回忆录》让人心潮起伏的地方，不是索尔蒂关于音乐丰富、独到的见解，而是置身在20世纪战争与革命风潮中，一个犹太音乐家苦苦挣扎的历程。整部回忆录的开头与结尾，索尔蒂都用一个牡鹿离家的寓言来概括他的一生。这个寓言原本是巴托克《世俗康塔塔》中的一段歌词，讲一头长了大鹿角的牡鹿再也穿不过回家的大门，从而背井离乡，与祖国和父亲形同陌路。这个寓言既可以看成上帝与人关系的陈述，也可以当做犹太人在20世纪的命运的一种象征。索尔蒂一生面临的变故与危机，是一头犹太之鹿寻找乡土的危机，牡鹿由于时代转载的车厢而不停地被盖上印戳，政治、革命、战争的魔鬼把雷电击打在鹿角之上，牡鹿在奔向回转的路途遭遇了宿命所带来的千辛万苦。关于牡鹿与巴托克的《世俗康塔塔》，索尔蒂在回忆录中充满感喟地叙述道：

我以前总把这部作品比做巴托克的一生，但那天，当我在指挥这部“康塔塔”的时候，我意识到我也是那头牡鹿。我生就以音乐为业，就像那些儿子出生后被训练成为猎鹿人。我感到幸福的是我在匈牙利长大。在匈牙利，人们生活和呼吸在音乐中，人们虔诚地相信无所不能的音乐就是生命的礼赞。然而，在我还很年轻的时候，我离别了我的祖国和我的家庭，在音乐中上下求索，命运使我去寻找狩猎的目标。我的生活境遇成为我的“鹿角”，使我踏上不归之路。
　　我这绝不是在自我炫耀，我只是想说，像其他国际知名的音乐家一样，我属于每一个人，并与整个世界共同分享我所创造的一切。在音乐与个人生活两方面，我既得到了巨大的回报，也同样付出了牺牲。而 我时常感到，我所赢得的一切终将离我而去。

　　在回忆录中，布达佩斯、苏黎世、慕尼黑、法兰克福、伦敦、芝加哥这些“牡鹿”的停泊地是各个章节的题目。不同地点的人、事、音乐生活以及关于音乐的见解，占去了回忆录90％的篇幅。在最后一章《音乐，永恒之光》中，索尔蒂用不多的文字完成了一份总的音乐心得与记录。

　　书中有趣的地方，是索尔蒂一生巡游见到的著名音乐人物。托斯卡尼尼、富特文格勒、克伦佩勒等指挥家与帕瓦罗蒂、多明戈等歌唱家，并没有引起索尔蒂的特殊认知。也许是对作曲家的本能敬畏，对索尔蒂产生“战栗”式影响的是，他与理查·施特劳斯以及斯特拉文斯基的谋面时刻。这两位作曲家分别象征音乐的过去与现代，是两个意味深长的坐标。

　　1949年，理查·施持劳斯在85岁生日前夕邀索尔蒂前往加米什别墅。诚惶诚恐的索尔蒂在聚会上，聆听到理查·施特劳斯对莫扎特与瓦格纳的清新见解。理查·施特劳斯还对索尔蒂的指挥面授机宜，告诉他指挥时需要把握既不过分热情又不过分冷漠的“超脱”方法。理查·施特劳斯也许看出了索尔蒂早期指挥太过拘谨、内敛的趋向。十年后，索尔蒂在美国与斯特拉文斯基相遇，他又体会到了上次见理查·施特劳斯时的尴尬心态。斯特拉文斯基向索尔蒂解释了《春之祭》新配器的风格问题。带有命运捉弄色彩的是，两位作曲大师都在临别时与索尔蒂预约了再次见面的时间，却在会面后不久去世。索尔蒂成为理查·施特劳斯葬礼上的指挥，预约迎来了相互间用沉默终结的方式。



巴托克的精神魅力对于任何一个与他谋面的人都有深刻影响，梅纽因曾在回忆录中谈到巴托克对他的影响。在这部回忆录里，索尔蒂对巴托克怀有推崇与敬畏交织的感情：

　　我说过，我在音乐学院当学生时，对巴托克敬畏有加，但我想对他的音乐谈上几句。我认为他的《小宇宙》的重要性不亚于巴赫的《十二平均律钢琴曲集》。这两部作品都指导人们如何熟练掌握键盘乐器的技巧，都将美轮美奂的音乐作为一种载体，每一首乐曲都教授一些新东西，并同时巩固旧的技巧。我一直没有成为足以能够弹奏他的钢琴协奏曲的钢琴家，他的《第一钢琴协奏些》非常难．《第二钢琴协奏曲》出奇地难，到了稍容易一些的《第三钢琴协奏曲》流传开时，我已经放弃了钢琴家的职业生涯，集中精力当指挥了。我弹奏过《两架钢琴与打击乐的奏鸣曲》和《迅猛的快板》。我喜欢巴托克的六首弦乐四重奏，我视最后两首是他作品中最伟大的，也是自贝多芬的四重奏，毫无疑问，也是自勃拉姆斯的四重奏以来最伟大的四重奏作品。

　　索尔蒂一生指挥曲目广泛，书中的附录部分按年代与乐团列出了在慕尼黑(1946—1992)、法兰克福(1952—1961)、伦敦(1959—1996)、芝加哥(1954—1996)四个地点指挥的主要曲目。在欧洲期间主要是指挥歌剧怍品，包括斯特拉文斯基《俄底浦斯王》、贝尔格《璐璐》在内的现代歌剧，到格鲁克的古典歌剧《奥菲欧与犹丽狄茜》，其间几乎囊括了歌剧史上所有重要的作品。在美国期间更多的是指挥交响乐作品，一些美国作曲家的作品进入了索尔蒂的研究与指挥范围。

索尔蒂回忆录》许多地方牵涉到音乐与政治之间的关系，这是一个犹太人不得不面对的现实。“我作为一名犹太人，生长在哈布斯堡王朝的奥匈帝国，曾经历过早期的匈牙利共产主义、法西斯主义、第二次世界大战中欧洲的分裂、战后对德国的军事占领，而后到了自由的西欧和美国，与各种民族、种族和各种信仰的同事共同工作，我坚信，种族迫害和种族歧视是阻碍人类进步的幽灵……尽管我觉得各个国家的特殊地位和特性不会消失，但我是个有信念的欧洲人。欧洲无疑会成为一个联合的大陆，并将彻底荡除历史上那些曾无端摧残人们生命的偏见以及宗教的和边界的争端。”书中讲到少年时的索尔蒂曾以别人说他长得不像犹太人为荣，这件事到年迈之时仍折磨着他。尽管在书中他多次提到自己一生的幸运，直至书尾写到那头牡鹿终于来到了故乡的高处。幸存下来并获得成就的索尔蒂自然有太多的感恩之心，想到那些死在暗夜的犹太使者，在漂泊途中鹿角断裂的音乐家，索尔蒂的心情难以平复：“我站在午后的阳光中，四周围绕着先祖的坟墓，而后又站在山上，俯瞰着巴拉顿湖，六十年来我第一次感到了一种归属感。我认识到匈牙利已成为欧洲的一部分，边界消失了。牡鹿回家了。它的角能够穿过大门，因为在他远游期间，这门变高了，变宽了。”

　　这是书中的最后一段话，而索尔蒂本人在完成回忆录校对几个小时后去世。也可以说．在索尔蒂去世后，关于歌剧的指挥神话，从此真的失去了一位合格的传人。牡鹿登上高岗之际，那个歌剧热闹、华丽的世界，从山坡落入了深谷。作为受第二次世界大战欧洲音乐文化哺育的代表性人物，索尔蒂之死标志着一个时代的结束。

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埃里希·克莱伯 Erich·Kleiber -《Decca录音全集》下载地址：http://www.verycd.com/topics/2743422/
克莱柏（Erich Kleiber 1890-1956）被公认为是二十世纪最伟大的指挥之一，他与托斯卡尼尼、福特万格勒、华尔特及克伦培勒四位大师，并称为二十世纪前半叶指挥界「五巨头」，由此可见他不朽之地位。其指挥生涯於二次世界大战期间达到巔峰，擅长德奥经典曲目，本集收录的作品是1949-55年间他为DECCA录制的多首交响曲，展现所谓「经典」之权威意义。其中贝多芬第3与第6号交响曲分别收录不同年代的两种版本，供乐迷做版本比较。

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　　「唱片是罐头音乐。想吃芦笋，我会儘量去找新鲜的，如果找不到才会吃罐头芦笋。唱片就是音乐的罐头。」——克莱柏

　　克莱柏对於录音有著复杂的情感。一方面他认为演出者与听眾之间存在著一种奇妙的关係。对他而言，录音只是一种贫乏的替代品：它让演出与独特的情绪僵化冻结，使得每一次聆听的感觉都一样，然而从来没有两个音乐演奏会是完全一样的。而另外一方面，他又颇有远见，他了解录音保存了音乐的演出，而且充满了娱乐性。

　　克莱柏生於维也纳，原本学习小提琴的他，在听了一场马勒指挥的音乐会之后，决定改攻指挥。1908年赴布拉格研读音乐、哲学与艺术史。1911年以一首交响诗获作曲奖，同年被任命为布拉格德意志歌剧院合唱指挥。1912年转赴达姆斯塔特任宫廷歌剧院指挥。1919-23年辗转於巴尔门-艾柏菲尔德、杜塞尔多夫及曼海姆等地任职。1923年首次於柏林指挥上演贝多芬的《费黛里奥》大获成功，三天之后，立即被任命为柏林国家歌剧院音乐总监。由於对纳粹政府干预文化的政策不满，在贝尔格的歌剧《露露》被禁演之后，他仍然指挥演出该歌剧选曲，随即辞去了柏林的职位。1939年入籍阿根廷，定居布宜诺斯-艾利斯。

　　克莱柏时常游走世界各地担任客席，1927年造访苏联，1930年指挥纽约爱乐作美国首演，1935年首次踏上英国指挥伦敦交响乐团。此外，他也是阿姆斯特丹、布鲁塞尔等地的常客。1938年首度於柯芬园登场，指挥《玫瑰骑士》。战后返回欧洲，再度担任柏林国家歌剧院指挥，1955因抗议政治干预而辞职。
　　克莱柏在演出前总是不厌其烦地钻研乐谱，演奏时严格遵循原谱指示，避免投入过多个人主观感情。他总能掌握住作品的整体性，以理性的态度寻求结构与情感要素的平衡，排斥错误的传统演奏方式。他最擅长的是莫札特、贝多芬与理查‧史特劳斯诸位作曲家的作品，所灌录的《玫瑰骑士》、《费加洛婚礼》及贝多芬交响曲等，都是唱片史上的珍品。

　　在两次的世界大战期间，他曾经录制了许多78转的唱片，然而真正为他建立永续名声的录音却是他在战后为DECCA所录制的作品，也就是收录在这套六张ＣＤ的录音。儘管这些录音还无法展现克莱柏音乐活力的真正实况，却也让我们见证了他音乐生涯中所指挥作品的核心价值。

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