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标题: 引人入胜的五大钢琴协奏曲---入门必备 [打印本页]

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作者: J-M    时间: 2010-9-4 08:57 PM
标题: 引人入胜的五大钢琴协奏曲---入门必备
贝多芬《第五钢琴协奏曲》
柴可夫斯基《第一钢琴协奏曲》
拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》
李斯特《第一钢琴协奏曲》
舒曼《a小调钢琴协奏曲》

被称为五大钢琴协奏曲。这几部作品几乎被所有名家演了个遍，名演实在很多，入门的朋友不听可就是遗憾了。以下介绍一些现在和过去的唱片，以及演奏者相关的故事。

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作者: J-M    时间: 2010-9-4 09:00 PM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲
　贝多芬一共作有有编号的5首钢琴协奏曲，另有小提琴协奏曲的钢琴配器，一般称为第6号钢琴协奏曲；还有降E大调钢琴协奏曲（WoO.4），加起来一共有7首。
　　在贝多芬有编号的5首钢琴协奏曲中，第一、第二号明显继承莫扎特与海顿的传统，其艺术表现所追求的是一种和谐、平衡中的美，第三号协奏曲中，开始出现贝多芬个性追求的那种戏剧性冲突，钢琴被赋予明显的激情。第四号协奏曲增加了阴柔与阳刚之间的对比，乐队更富动力，钢琴的个性更给予充分的发挥。而第五号协奏曲因为华彩乐段与乐队效果的烘托，使整部作品成为高涨的情绪与豪迈的激情的写照，闪烁着辉煌而又耀目的美。这5首协奏曲，尤其是后3首为浪漫主义协奏曲的发展打通了道路。

第一钢琴协奏曲
　　贝多芬的这首钢琴协奏曲，C大调，Op.15，作于1796年，为其旅行演奏而作，创作时期其实晚于第二号。这首协奏曲还是遵循维也纳协奏曲传统，其中明显可看到莫扎特的影响，共3个乐章：1．活泼的快板，奏鸣曲式。这一乐章非常莫扎特化，第一主题的和弦式进行、第二主题的纹饰，都接近于莫扎特影响。这一乐章值得注意的是进入再现部之前闪现神秘色彩的过渡准备，这一乐章中的装饰完全是莫扎特式快板乐章的特征。2．广板，三段体，中间段的钢琴独奏有即兴式的朗诵调表演，最后一段重复开头的一些片断，然后展开即兴因素的变奏。3．回旋曲，快板，有谐谑性因素。这一乐章中充满幽默，保持急速的节奏，主题是谐谑性的奥地利提罗尔舞曲，在第三段钢琴华彩乐段尾声之后，音阶式乐句凝聚起越来越紧张的力度 然后突然出现简短的休止，开始初现贝多芬的个性。

第二钢琴协奏曲
　　这首第二号先于第一号，降B大调，Op.19，约在1794—1795年创作并初演，1798年修改。这一协奏曲的乐队编制非常简练，曲式比第一号还要接近维也纳传统。共3个乐章：1．朝气勃勃的快板。第一呈示部的第一主题呈现两个对称的形象，第二主题是一个新的抒情性插段。第二呈示部同样拥有很多旋律，旋律和乐句的发展都具即兴意味，极具莫扎特的风格。2．柔板，这个乐章近似于海顿的风格，带有沉思意味，又充满温暧的感情。其中广泛使用了器乐式的朗诵调，从而时常形成旋律的情绪发展。这种发展中孕育着贝多芬的创作个性。3．回旋曲，稍快的快板。奏鸣曲形式的回旋曲，保持欢快中带有谐谑的特点。这一乐章的第一主题中有类似杜鹃的啼声，而在旋律中突出的重音，与钢琴左手部分节奏错位而带来幽默。整个乐章中节奏转换与突然的重音，都极具贝多芬的特色。

第三钢琴协奏曲
　　这首钢琴协奏曲，C小调，Op.37，作于1800年，是贝多芬真正开始走向成熟的标志。这是贝多芬对现代协奏曲发展作出重大贡献的4首协奏曲（第三、四、五钢琴协奏曲与小提琴协奏曲）中的第一首，从这首协奏曲起，贝多芬加强了钢琴作为主体的力度，使它的对应织入整个音乐发展，使结构更为恢宏。这首作品是贝多芬最善于使用对比与发展的C小调，共3个乐章；1．朝气勃勃的快板，奏鸣曲式。第一主题多少有一些英雄性质，第二主题更富歌唱性，它们的发展很具戏剧性。2．广板，在这个乐章中，钢琴声部有比较宽广的发展，采用声乐艺术中类似朗诵调到花腔的各种方式展现钢琴的技巧。其中钢琴“朗诵”的片断与乐队的关系意味深长，而“花腔”式的钢琴音型处理非常复杂，由64分音符组成的音型比比皆是。3．快板回旋曲，大致的三段体。在这个乐章中，基本主题开始有五彩缤纷的变化。这种变化似乎是由一件乐器一件乐器之间的传递来完成。在第三段开始，在一段不长的赋格之后，有急剧而又饶有趣味的调性变换。尾声速度极快，表达出生动的幻想。

第四钢琴协奏曲
　　这首钢琴协奏曲，G大调，Op.58，作于1805—1806年间，1808年12月在维也纳首演。这首协奏曲以钢琴声部纤细而又深刻的歌唱性见长，共3个乐章：1．中庸的快板，奏鸣曲式。这个乐章的第一主题本身就带有抒情性，第二主题带有田园风味，由钢琴表情花纹作装饰。其发展部以一些不安宁的下行音阶进行为基础，其中也有一些抒情段落。再现部有所压缩，但更富表情。这个乐章贝多芬先后作过两个华彩乐段。2．稍快的行板，这是非常着名的钢琴和乐队对话的乐章，一个是弦乐齐奏的断音主题，另一个是钢琴独奏叹息般的答句。有人把这个乐章解释为希腊神话中奥菲斯同阻挠他去地狱解救被囚禁的尤丽狄茜的那些魔鬼的对话，即奥菲斯用音乐驯服那些魔鬼。这个对话以钢琴的答句越来越宽广，越来越富有激情，而不间断过渡到第3乐章。3．活泼的回旋曲，这一乐章的基本主题是一首明亮的快速度舞曲，这个主题的发展使这个乐章充满舞蹈性因素。其中第二、第三段的色彩变化异常丰富纷呈。

第五钢琴协奏曲
　　这首钢琴协奏曲，降E大调，Op.78，是5首协奏曲中乐队与钢琴的技巧发挥最辉煌的一首，出版时标明为“大型协奏曲”，其《皇帝》的标题大约是指此曲的结构辉煌而在协奏曲之首而言。这首协奏曲与当时流行的“军队”协奏曲不无联系，共3个乐章：1．快板，奏鸣曲式。从乐队齐奏的响亮和弦和钢琴独奏3次自由的华彩开头，决定了这一乐章英雄主题的发展。这一乐章基本主题在各种相互对置的插段变换中，在和弦所组成的张力中不断出现非常精彩的段落，像是大江奔流的气势中宁静而又安逸的绿洲。发展部的对话明显比第四号第二乐章高出一筹，完全是一种深沉的戏剧性。而辉煌的乐队发展中不断涌现的钢琴华彩乐句恰恰又成为一种特殊的装饰。2．稍活泼的柔板，自由的变奏曲式。基本主题包括很弱的弦乐器咏与钢琴两次热情的戏剧性独白。在变奏中，钢琴一直在从容不迫地编织它优美的旋律图案。这一乐章后部开始孕育那个效果辉煌的发挥。3．回旋曲，快板，似乎是第二乐章的蕴积就为这一乐章的迸发。第二主题虽在这个乐章中有精细的发展．但基本主题在各种变奏和调性装饰处仍呈现出雄伟的气势。在这一乐章中，钢琴呈示出它的全部光辉。值得注意的是在回旋曲的第二个插部中有一个小型回旋曲，精巧地起到了“匣内有匣”的效果。

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作者: J-M    时间: 2010-9-4 09:01 PM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲----米凯兰杰利
贝多芬第一第三钢琴协奏曲，朱里尼指挥
贝多芬第五钢琴协奏曲“皇帝”

思前想后，还是从米凯兰杰利说起比较好。毕竟他演奏的贝多芬第五钢琴协奏曲已经被广为流传。而且是各大天书首推的贝五版本。可惜大师没有录全集，为之惋惜。




米凯兰杰里生于意大利巴雷西亚，父亲是个有很高音乐素养的律师，也是个业余钢琴家。小阿图罗3岁开始便在父亲指导下学琴，由于具有非凡的音乐领悟力，加上对技巧的刻苦锻炼，琴艺进步神速，4岁就被温都里音乐学校破格录取。那段时期小阿图罗不仅学习钢琴，还学习管风琴和小提琴，这对他后来的演奏风格有重大的影响
小阿图罗进入米兰威尔第音乐学院，师从李斯特门生陶西格的弟子安佛西，这位杰出的女教师不仅在技巧上对阿图罗严格训练，更重要的是把意大利钢琴传统中最精华和独特的精雕细琢的细节处理，清澈明净而又变换多端的音色等都传授给阿图罗

阿图罗毕业并开始了职业演奏家的生涯，但就是从这时起，命运一再地和他开了许多玩笑。他当外科医生，也曾进过修道院。17岁的时候在意大利的一家广播公司应聘没有成功，参加第二届布鲁塞尔国际钢琴比赛却只得了个第七。当时第一名是苏联演奏家吉列尔斯，评委中的鲁宾斯坦给米凯兰杰里打了很低的分数，但他的演奏却深得比利时皇太后的喜爱，后来两人成了终身挚友

1939年
　　参加日内瓦国际钢琴比赛，深得法国钢琴大师Cortot赏识，Cortot称其为“一个新的李斯特”，并获得第一名与科尔托特别奖，被看起来似乎一切走上了正轨，谁知在这个时候二战爆发了。由于战乱， 米凯兰杰里不得不停止了如日中天的演奏生涯，去意大利空军服兵役，但不久他又加入了反纳粹德国的地下抵抗组织。结果战争后期米凯兰杰里不幸被捕入狱，渡过了八个多月的铁窗生活。但上帝却一直眷顾着这位日后神一般的钢琴大师，米凯兰杰里奇迹般地得以从俘虏营逃脱。 　　战争结束，米凯兰杰里以令人吃惊的速度迅速地恢复了他的演奏水平，很快以国际级钢琴家的姿态出现在世界乐坛，并于1948年在卡内基大厅首次亮相，获得了潮水般的好评。
50年代到70年代
　　是米凯兰杰里演奏生涯中的黄金时期，他的很多著名的音乐会和录音都出自这个时期。从60年代起他开始办学，他的学生中包括有波利尼、阿格里奇等等日后世界级的钢琴大师。米凯兰杰里教学从不收取学费，还经常用自己的音乐会收入资助学生，他认为对于具备音乐天才的人来说，“学习音乐是他们的权利。” 　　六十年代末米凯兰杰里移居瑞士卢加诺，直到1995年去世

米凯兰杰里的演奏技术无懈可击，善于恰到好处地把握音色和多声部层次的控制，有条理地处理整体与细节的关系，追求音色清澄、干净的演奏灵魂。他的演奏既保持了古典乐派的内在与平衡，又注入了浪漫乐派的热情与感染力，极具强烈的艺术魅力。 　　米凯兰杰里一生虽然留下了近40年的录音，但因为选择曲目挑剔，对演奏的要求又近乎苛刻地高，所以演奏曲目并不广泛，录音数量相对其他同时代的演奏家来也少的可怜。正因为这样，虽然他的唱片很少，但只要有的都是极品。米凯兰杰利也正是因为对自己的演奏质量要求甚高，决不轻易举办独奏会。他演绎的贝多芬作品，摆脱了任何一种巴洛克风味的弹奏方式，将自己的音乐个性隐藏在乐曲自身的内涵下，完美地表达出作品的深情和精髓。他演绎的德彪西作品，以全然柔软圆滑的线条歌唱，丝毫不带钢铁的森冷，已达”无槌之音”的佳境，因而获得“音乐哲学家”的美誉。此外，他还是一位卓有贡献的钢琴教育家，指导和培养出了一批钢琴家，不少已名扬世界，意大利钢琴家波利尼就是其中之一。 　　同时，和神奇的演奏一样著名的，就是米凯兰杰里那古怪的脾气和性格。他对钢琴的音色出奇地挑剔，挑剔到了让人无法理解的程度。他经常不顾观众的感受临时取消音乐会，任意改变甚至中断演出的日程安排，中途停止录音等。因此在音乐评论界和广大乐迷中留下了“古怪孤僻，反常乖戾”的名声，甚至他的高徒波利尼、阿格里奇都与他格格不入。“对我们这些被消费时尚崇坏了的听众来说，米的存在显得像是一个冒犯。”实际上，米凯兰杰里一切的反常举止都来源于他近乎苛刻的严格要求和对艺术极端负责的态度：每一次演出结束，即使观众为之迷醉倾倒，好评如潮，他仍要自己和自己较劲一般地挑出自己演奏中一大堆的毛病。尽管这些毛病在别人看来完全可以忽略不计，他却固执己见，闭门思过，苦思冥想。正是因为这种原因，他才出现了前面所说的种种“反常”的举动。

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作者: J-M    时间: 2010-9-4 09:21 PM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲全集----巴克豪斯
巴克豪斯70年代的录音，这个运气好还能买得到。虽说，巴克豪斯被人称作键盘狮王，但是仔细聆听可以发现，他的演奏流畅无比，指尖的感觉更像是在舞动。相当有快感！这个钢协全集是我听过的最好的全集

德国钢琴家。1884年3月2日出生于莱比锡一个商人家庭。6岁入莱比锡音乐学院，师从院长雷肯多夫。15岁毕业后至法兰克福，随李斯特的学生、钢琴家达尔贝特，深入学习贝多芬的作品。不久在伦敦登台演出，获得成功。次年回莱比锡，在指挥家尼基什指挥下与布业大厦乐团合作演出，再次轰动。从此开始了70年的演奏生涯。
巴克豪斯是20世纪初伟大的演奏家之一，他继承了德奥的正统演奏血统，对巴赫、莫扎特、贝多芬和勃拉姆斯等人的作品有精到的演绎。他的演奏风格气魄宏大，遒劲有力，曾有“键盘狮王”之誉。 威廉.巴克豪斯的肖邦第一叙事曲和第一奏鸣曲同样十分出名，尤为气势磅礴！同时他年轻时录制的肖邦练习曲展现了他极佳的技术
外界对巴克豪斯的私生活知之甚少，仅仅知道他烟抽得很凶。他得兴趣只在演奏上，特别是独奏。我没有听说过他喜欢演奏室内乐，留下的唱片也只有两首作品。他的教学生涯也很短，记忆中只有1905年在曼彻斯特皇家音乐学院当教授、1925－26年在美国的柯帝斯音乐学院之类的短期教学，他的课堂是极为严厉的，往往是无休止的巴赫的赋格。还有一战时期为军队的服务，他几乎是集中在舞台演奏和录音上。即使是在纳粹执政时期也没有停止演出，后来他还以纳粹临时战犯的身份为盟军演出。据说，他音乐会总的数量超过4，000场！就在巴克豪斯逝世前，Andor Foldes向巴克豪斯辞别：“多乾你最喜欢乾的事吧。”他说“最好的问候”是指巴克豪斯为他举行的欢迎“音乐会”。当时巴克豪斯已经85岁了！在与伯姆录制布拉姆斯的第二钢琴协奏曲时，伯姆对其他人说：“这家伙无论什么年纪弹布拉姆斯都那么好。”，结果大家都笑了。实际上，伯姆比巴克豪斯还年轻10岁，当时巴克豪斯是83岁，伯姆是73……
评论家认为，巴克豪斯是第一批的现代派键盘演奏家（阿尔弗雷德·科尔托是他对立面的代表人物)，他的演奏风格清楚、朴实、客观，在理性分析的同时也充满了感情。作为第一批留下录音的钢琴家，他在多年的舞台生涯和录音室中留下了伟大的遗产。他录下了贝多芬几乎全部的作品以及众多的莫扎特和勃拉姆斯，他的在1928年录下了史上第一套肖邦练习曲全集;这个录音(Pearl 9902 和其他厂牌)至今仍被推崇为最佳版本之一。巴克豪斯的这些演奏平稳而轻松，气定神闲地克服了重重技巧上的难关。1953年的录音中包括了练习曲，Op.25，，从中可以听到他这些年风格在改变。他的技术能力仍在，而且更加自信和放松，让音乐自然地流淌出来
他在1939年演奏的勃拉姆斯华尔兹,Op.39(EMI 66425)只用了13分钟；很难想象谁能跳出这种速度的华尔兹，当然它仍然十分招人喜欢。他在70年代的贝多芬钢琴奏鸣曲全集录音(Decca 433882)显示了一位七十岁老人惊人的技巧，同时期的两首勃拉姆斯钢琴协奏曲也是如此(Decca 433895)。而他在贝多芬现场录音(Orfeo 300921)中的表现更为出色，更自由也更富有生气。 　　他的室内乐录音包括与皮埃尔·富尼埃(Pierre Fournier)合作的勃拉姆斯大提琴奏鸣曲，与国际弦乐四重奏乐团(International Quartet)，查尔斯·霍布德(Charles Hobday)合作的舒伯特“鳟鱼”五重奏
在二战之后，巴克豪斯定居瑞士的卢嘉诺（Lugano），外界都知道他是演奏贝多芬和布拉姆斯的超级大师。从那个时候起，“键盘上的雄狮”的昵称就跟随着他。他最后的独奏音乐会是1969年6月28日，7天之后因为心脏病在奥地利的Villach去世。之后，他被埋葬在科隆

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作者: J-M    时间: 2010-9-4 10:52 PM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---布伦德尔
绝版唱片，布伦德尔和列文合作
和列文合作的现场版
绿色版


布伦德尔被公认为二十世纪最伟大的古典钢琴家之一，他曲目广泛，学识渊博，由他演奏的莫扎特、贝多芬、舒伯特、勋伯格等人的作品被视为不可替代的重要诠释，布伦德尔录制与发行的海量唱片则是对其卓越成就的永恒见证此外，他还作有三卷诗集，撰写过大量优秀的音乐随笔，曾发表多篇极具轰动效应的演讲，而另一方面他却尽量回避媒体，尽管那会为他赢得更多公众的欢呼；2008年12月18日，78岁的布伦德尔在维也纳金色大厅举行了告别音乐会
布伦德尔（Alfred Brendel 1931—），奥地利钢琴家，幼年在南斯拉夫师从德泽利克（Dezelic），1943年全家迁回奥地利，从卡恩（Kaar）学琴。后在菲舍尔的钢琴班深造，1948年获布索尼比赛奖而扬名。 　　布伦德尔编订了贝多芬的全部钢琴作品，他有极宽的演奏幅度，不仅深入研究作品内涵，而且极具挖掘作品的浪漫抒情的能力，他在处理装饰音与华彩乐段方面总能寻找到最佳的效果，其演奏以注重音色的细微变化为最大特色。 　　舒伯特和海顿的作品是他演奏的作品中的上品，其中的优雅与抒情性都无人能够企及。 　　他演奏的贝多芬与吉利尔斯、施纳贝尔形成极鲜明的对照，把贝多芬解读得如行云流水一般，极具特色。而他的莫扎特钢琴协奏曲，虽不如海布勒那样体现出极端的细腻，却赋予了莫扎特一种清纯隽永的色彩斑谰。他的布拉姆斯协奏曲，呈现出别人难以达到的那种丰富的层次。 　　布伦德尔是德奥演奏家中少有把歌唱性和对结构的把握结合得天衣无缝者，他的特点可以“高雅的行云流水”来形容，但其表现领域严格限在古典——浪漫时期的德奥作曲家

布伦德尔是二战后老一代与中生代钢琴家之间承上启下的人物，他是战后成名的钢琴家中年龄较长者，至今已在舞台上驰骋了近半个世纪。 　　演奏会上的布伦德尔很有特点，每次出场犹如宗教仪式一般，双眼仿佛瞪着天花板似地走到钢琴前，要等到观众席鸦雀无声时，才慢条斯理地开始演奏。但是，一旦开始演奏，就不再看观众席一眼了。当演奏到优雅微妙的乐段时，布伦德尔就忽而低下头注视键盘，忽而眼睛眺望虚空，嘴里无声地哼唱着流畅的音乐，像是深切地歌颂自然一般，此时的布伦德尔完全陶醉在自我的音乐中。不论有多少听众，他总是把他们与自己的音乐紧密地结合在一起，演奏时犹如在与听众对话般地亲切而又富于说服力。 　　他确信音乐具有内在的精神力量，惟有音乐的崇高表现才是与听众心灵的交流。他的录音非常多，许多作品都多次录音。特别是一些经典作品，几乎录音技术每有重大突破，他都要重录一次。 　　布伦德尔是他的同胞莫扎特的杰出诠释者，飞利浦公司发行的莫扎特200周年纪念全集中，第七卷“钢琴协奏曲”主要就是采用他的录音，这是一套华丽的经典录音。 　　布伦德尔的演奏风格是继承德奥系的传统，注重结构，内在张力强。他知识广博，技术辉煌，对音色非常敏感，在处理装饰音和华彩乐段方面具有独到之处。他的演奏清纯隽永，音色变化细微，善于处理装饰音，注重情感，想象力丰富。他是学者型的钢琴家，对演奏的每一部作品都要潜心研究，深入探索，以揭示深刻的内涵。但他的演奏并不刻板，而是非常浪漫抒情。布伦德尔总是把自己的热情及幻想寄托在作品中，以发挥他的艺术精髓。他是一位诚实的钢琴家，可以说是目前钢琴家中精神派的代表人物。早先他在维也纳因弹奏李斯特作品而名盛一时，他的手指灵活，富有弹性，旋律的流动圆滑舒畅。能像布伦德尔那样把李斯特特有的甜美旋律表现得温暖飘香的钢琴家并不多见。 　　布伦德尔是当今最权威的舒伯特专家，对舒伯特的作品有独到的研究。1978年全世界纪念舒伯特逝世150周年，他的舒伯特作品系列演奏会与13集电视系列片《布伦德尔演奏舒伯特》是“舒伯特年”的重头戏，他在节目中对每一首奏鸣曲都做了详尽的介绍。他70年代和80年代两次在飞利浦公司录制舒伯特全部钢琴作品。他演奏的舒伯特奏鸣曲当然是权威的阐释。他与克利夫兰四重奏录制的《鳟鱼》是此曲最平衡的版本。5个人配合默契，相互烘托，使乐曲跌宕起伏，回味无穷。特别是第三乐章，五个变奏层次分明，清新隽永。 　　他还与德国著名男中音歌唱家费舍尔一迪斯考合录了舒伯特很多艺术歌曲与声乐套曲。布伦德尔所演奏的舒伯特作品，与他演奏的贝多芬作品一样，是富于男性性格的。他以强韧的触键所产生的表情，使人再也感觉不到紧凑性原本是舒伯特的弱点了。他赋予舒伯特的音乐更强的张力。虽然色彩感略弱，浓淡却相当丰裕，使人感觉到犹如水墨画般的高贵

2009年1月5日，是英国钢琴演奏家阿尔弗雷德·布伦德尔的78岁生日。就在他生日前半个月，这位备受敬重的钢琴大师在著名的维也纳金色大厅举行了最后一场音乐会，演奏莫扎特第9号降E大调钢琴协奏曲K271，作为他整整60年的职业生涯的告别演出。与布伦德尔合作的是维也纳爱乐乐团，指挥家则是他的多年老友、83岁的查尔斯·马克拉斯。 　　和布伦德尔同时代的那些钢琴家们，不少人已经逝世，还有一部分渐渐被淡忘，悄悄地离开了舞台。只有布伦德尔自己决定什么时候退出。他没有选择演奏自己最拿手的贝多芬，反倒选择了更加生气勃勃的莫扎特。他称这首曲子为“一个世界的奇想”，称赞它的旋律“像青年一样年轻”，又“像老人一样智慧”。 奥地利时间2008年12月18日晚上8点13分，端坐在金色大厅中的维也纳爱乐乐团，像柔和华丽的晚风一样，化开了乐谱上的第一个乐章。布伦德尔安闲地把手放在腿上，等了几秒钟，仿佛故意要吸引观众们更多的注意力。事实上，所有人的目光都已牢牢地锁定在这位白发凌乱的老人身上，所有人都为自己能亲睹这位大师的最后一次公开演奏而感到自豪。 　　演出完美无瑕，布伦德尔双手交叠在胸前，起身向全场观众们鞠躬，而依依不舍的后者竟然用掌声先后六次“迫使”布伦德尔返场！最后一次，他演奏了李斯特的曲子，然后又有些顽皮地弹了一段在英国很流行的手机彩铃的小曲，聪明地冲淡了弥漫全场的离愁别绪。 　　当那告别的一刻最终来临时，掌声整整持续了20分钟。 　　布伦德尔仍保持着他那有些自嘲意味的微笑，举起右手，颇有深意地指向台下——台下坐着四位他的得意弟子，那架势分明是说：“接下来，就看你们的了。”

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-4 11:04 PM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-5 07:27 AM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲----佩拉希亚（三星带花）
海丁克指挥，佩拉希亚演奏的贝多芬钢协全集，三星带花的评价


默里·佩拉西亚（Murray Perahia 1947-） 　　美国钢琴家。1947年4月19日出生于美国纽约的一个犹太人家庭。4岁时开始跟邻居家一位教授钢琴的老师学习钢琴，两年后跟随女钢琴老师简尼特·海恩学习钢琴，这一学就是11年。17岁时终止了跟随海恩的学习，走上了一条被他称为“非常痛苦”的成才之路。两年后考入马斯奈音乐学院，师从著名波兰裔钢琴家巴尔萨姆，同时兼修作曲和指挥。21岁时师从著名钢琴教授霍尔绍夫斯基，其独特的演奏风格由此奠定。1972年参加加里兹国际钢琴比赛并且问鼎。随后踏上了自己的演奏家生涯。 　　佩拉西亚被誉为当代最为抒情的钢琴诗人。他尤其擅长演奏浪漫乐派作曲家舒曼、门德尔松、肖邦和格里格等人的作品，并以其多样化的风格展现出非凡的才能和潜力。在演奏技巧方面，他驾轻就熟、得心应手，有键盘魔术师的美誉；而对作品的诠释，也因其多年的不懈努力而在音乐深度上表现出非同寻常的特点，广受各方好评。佩拉希亚的演奏曲目涵盖了上至巴赫、下至巴托克的各个时期中的钢琴经典之作。他四岁就开始学琴，有着坚韧不拔的毅力，长时期的刻苦学习使他奠定了应付各种技术难题的深厚功底，在演奏19世纪浪漫派某些作品技术艰难的段落中，给人以毫不费力的轻松感。在演奏协奏曲和室内乐等体裁方面，他最有心得，这两类作品占他唱片录音中的主要地位。由于他曾学过指挥专业，所以经常边弹琴边指挥乐队演奏莫扎特等人的协奏曲。 　　如歌般的纯净 　　１９７２年的秋天，佩拉西亚四届“利兹国际钢琴大赛”里脱颖而出，随后的巡回英国音乐会，对这位年仅２５岁的美国人来说，也是个极大的成功，当时身为领导美国古典音乐厂牌之一的ＣＢＳ，也迅速地与他签下独家合约，并称他为「继霍洛维兹、塞尔金、顾尔德等人之后的第一人」。 　　因此当佩拉希亚几个月，到欧洲大陆的各个音乐城市展现自己的才华时，大家对他期雍很高，而他也没让他的听众失望。实际上，他的言行举止根本无法和印象中的比赛胜者相连。举例来说，佩拉希亚７４年维也纳的音乐节期间举行首演之后，渥夫根．许莱伯如此写着：「看到他的外表，不禁要打个折扣，小小个头，像个１６岁的大孩子，而且还有１６岁的怠惰模样。」但在钢琴前的这位年轻美国人，有如神助地将整齐而圆润的音色与醒目的敏捷性一泄而出，我们只得摒除之前的刻板印象，静下心来看他掌握音乐的专注和强烈，《南德时报》的卡尔．舒曼曾开玩笑地描述佩拉希亚时的两个小时「如此要命地认真表达」来耗损自己的精力，「好像他刚刚被通知即将丧失调整音色的能力似的。」 　　事实上，佩拉希亚独奏音乐家的身份。在那时候，他的音乐表现与一般２０来岁的夫轻被描绘的活泼热情、爱现截然不同，取代的是尽可能用最纯粹与专注的态度，表现出位受好评的音乐作品。他的听众，赫伯特在那时引用自《时代》的话：「聆听时不应注意演奏家及作曲家，只应该了解音乐、声音的组织与作品的结构，如此才能体会什么是音乐。」 　　继承自老传统的西班牙犹太人家庭，这位钢琴家在演绎的性格上保持全然的真实，而这个特质无疑是受到他的老师塞尔金，以及与他一同在马尔波罗演奏室内乐的伙伴们所影响。当我在八零年伐他见面而做短暂交谈的时候，从闲聊音乐到演绎的根本要素，他以一句话总结其美学观：「每位音乐家的第一个诫命，应该是对他所演出的作品保持忠实。」 　　对佩拉希亚「忠实」意谓着三种意义：首先，要清楚且精确地传递音乐的内容，将它转化成声音，澄澈旋律线的浮现比动态的极端或音色效果更为重要；第二，它意谓暴露出作品的内在生命，让纯音符的排列变成富歌唱性的旋律，有系统地铺陈整个乐章或作品，每个演绎者的首要任务，应该揭开、且描述藏在结合在作品里的意念与情感，「最重要的是让每个作品自己制造感觉」；第三，对佩拉希亚完全不能想象到只是为了要达到惊奇的效果，而让次声部转向支配地住，即使是一或两条节线；因为创造新奇与跟随行的缘故，而拿拍子做实验；或是使它变得「有趣」，而将作品以相异的结构做演出。然而他也厌于看到音乐音要只是一连串心情的反映，「音乐在情感表达上是可能以这么多方式演绎的！」 　　对于年轻的钢琴家而言，这项诠释观念是较为不寻常与难以达成的。它要求在音乐性的成熟度与持续的深思熟虑。「中庸之道是不易发现的」，如同佩拉希亚出版的一本德国音乐月刊里所提，然而如此则难以创造煽惑的力量。 　　即使身为一个年轻的钢琴家，在他早期的录音里，我们可以看到他是多么果决地达到他的目标，其中最具影响力的莫过于莫扎特钢琴协奏曲全集的完全录音，他的第一个大型录音计划。这是在早期舒曼、肖邦、门德尔颂的独奏会录音之前即出现的作品（不仅全在美国制造之外，连全部的录音工作都是于１９６７年二月在华盛顿的音乐图书馆完成）。在浪漫乐派的演奏中，佩拉希亚固的节拍、清晰的音色与无懈可击的技巧来吸引他的乐迷，但在需要花功夫在色彩和塑造情境的音乐上，他的演奏就有过度「古典模式」之嫌，甚至因此有时听起来有些僵沈。 　　但是在莫扎特录音的方面，佩拉希亚任独奏者及英国室内乐团的指挥，个性和音乐风格珠联璧合，这些录音有大多数都呈现出让有的清澄与弹性、卓越的气氛掌握，而且他也有力地展现令人信服的作品「内在戏剧性」。在莫扎特所谓的「进行曲风格」协奏曲集里所展现的完美平衡，统一性与内在的逻辑更是令人印象深刻，而这些曲子的主题旋律需要静谧的时刻，其它演奏者常会出现放大音量而过分强调的毛病。第２５号钢琴协奏曲（Ｋ５０３）是这系列录音的最后几张之一，他同样以温和的方式．整合亮丽的和弦与交向式的主题旋律，到达曲子整体流畅的境界。这首在１７８６年完成的作品，使得莫札持在维也纳时期的协奏曲成绩更加耀眼，而演奏者直接传达出清晰轮廓的方式，即使是在最漂亮且引人伫足的片刻，也不忘维持作品整体的和谐。 　　佩拉希亚品的旋律弧线里，精巧地构思其运行，也使他成为甚具说服力的贝多芬演奏者。由海汀克指挥大会堂管弦乐团搭配而成的贝多芬钢琴协奏曲全集录音，可说是在数字录音之后最优异的同曲参考版本之一，而在独奏的范畴里，他１９８９年所录制的《C小调３２段变奏曲》Ｗｏ０８０，是个具有个性而饶富兴味的录音。这首曲子在１８０６年底谱成，由于拥有精炼的音符与各变奏之间极大的差异性，因此很难将它刻意塑型。然而佩拉希亚着温润的演出风格，稳健地维持大型旋律线的流畅性：他平衡一些无法避免的速度转换，即使在变化最大的各变奏连接部分，都能顺势滑过，拉近大调变奏与小调变奏之间的距离，完全自然而不着痕迹。 　　同样的诠释风格也应用在门德尔松在１８４１年谱写的《庄严变奏曲》里。不仅古典乐派，浪漫乐派的大作在他演奏生涯之初，也扮演了一个重要的角色，只是他的演奏并没偏向任何一方，而且偶尔已触及二十世纪的音乐了。１９８０年他曾录制一张巴尔托克的唱片，里面有巴尔托克于１９２６年写的《奏鸣曲》、还有与《奇异的满洲官吏》和两首《小提琴奏鸣曲》同时期的即兴创作《匈牙利农民之歌》。 　　最近十几年，佩拉希亚极地拓展他的演奏曲目，从古典领域直跨至舒伯特、布拉姆斯与舒曼。这些录音（如舒伯特的《降B大调即兴曲》与布拉姆斯的《b小调叙事曲》都忠实地展现出传达音乐讯息的角色：在他的演奏里听不到些许飘浮，或是扭捏作态，表现出比以往录音更为坚实与更具威信的演奏。 　　这些特质至少可在他的音乐会里听到，因而现场录音（例如与祖宾．梅塔和以色列爱乐合作的肖邦两首钢琴协奏曲）就更能提供亮丽音色与高完成度的极致典范。相似的例子地出现在他与柯林．戴维斯和巴伐利亚广播交响乐团，在１９８８年于慕尼黑所合作的葛利格《ａ小调钢琴协奏曲》里。 　　霍洛维兹在生命的最后３年间给予佩拉希亚，使得佩拉希亚上获益良多：霍氏不仅引领他进入李斯特直至拉赫曼尼诺夫的浪漫世界，也鼓励他应用Z由的弹性速度与表情记号、我们可以在佩拉希亚肖邦《第１号叙事曲》里发觉到这转变的关键，旋律线在严谨的弹性变换里灵勤起来，而且充满宽广的活力。在他的保留曲目里继续往李斯特领域进展，《降D大调慰藉曲》就是他的成果之一。 　　九零年代的佩拉希亚新曲目大步地迈进，他对巴洛克大师的键盘音乐渐感兴趣，包括韩德尔、史卡拉第、巴哈等人。私下他研究古钢琴的表现力，准备好长一段时间，但最后他还是跟随往昔伟大的钢琴巨匠们，以现代钢琴进行录音工作。也许和５０岁时米开兰杰里的录音心态一样，他在阅读史卡拉第的《ｂ小调奏鸣曲》（Ｋ?２７）的乐谱时，不免为音乐里的浪漫性格增添些许新的生命力，而《Ａ大调奏鸣曲》（Ｋ?２１２）则让绝佳的大师风范潺流不息。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-5 07:36 AM 编辑 ]

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作者: 音乐情迷    时间: 2010-9-5 02:02 PM
有急事要出门，先顶一个，有时间再细看，好好学习。多谢楼主

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作者: flightjinn    时间: 2010-9-5 10:22 PM
介绍作品外加介绍演奏家，不错

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作者: J-M    时间: 2010-9-6 05:37 AM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---肯普夫
单声道录音的全集（三星带花）

立体声版

威廉·肯普夫（Wilhelm Kempff,1895—1991），德国著名钢琴家、管风琴家、作曲家；1895年11月25日出生于东普鲁士的于特博（Jüterbog）一个音乐家庭，父亲是皇家音乐主管和波茨坦圣尼古拉教堂的管风琴师。 　　肯普夫从小由父亲启蒙学习钢琴，9岁进入柏林高等音乐学校，分别师从巴尔托与卡恩学习钢琴和作曲。后来还在柏林大学学哲学和音乐史。1916年在个人第一场演出中同时演奏钢琴与管风琴。1917年以钢琴演奏与作曲得到柏林市颁发的门德尔松钢琴与作曲奖。 　　1918年首度与柏林爱乐乐团合作演出，二次大战前在世界各地演出，足迹遍及欧洲、南美与日本。 　　战后1951年到伦敦演出，1964年至纽约演出；在演奏生涯最后几年里，他的曲目多以德国古典与浪漫派作品为重心，被认为是当代德国钢琴家的代表人物，阐释贝多芬、舒伯特、舒曼、勃拉姆斯钢琴作品的权威；独奏之外，肯普夫也参与室内乐演出，经常与梅纽因、谢霖和罗斯特罗波维奇等人合作。 　　此外还从事教学与创作，1931—1941年间，曾与费舍尔（Edwin Fischer）等人在波茨坦的暑期高级班里担任教授，战后还主持过贝多芬钢琴作品讲座，许多后辈杰出钢琴家都接受过他的指导，包括出色的钢琴家是内田光子；1991年5月23日，肯普夫以96岁高龄逝世于意大利波西塔诺

年轻时的肯普夫在技巧方面不是一流的钢琴家，触键时的运指不够灵活流畅，如果只以技巧来评价的话，当时德国第一流钢琴家应该是巴克豪斯，肯普夫也只能说是第二流而已。 　　年轻时的肯普夫，有倾向于某种意图及感情的表现。像他这样一位钢琴家，照一般常识来判断，应该是在年轻时即对技巧有高超的磨练，就这一层的意义来要求，肯普夫所演奏的贝多芬作品给人留下稍有瑕疵的不良感觉。 　　第二次世界大战中，他停止了一切公开演奏活动，很努力地从根本上来改正自己的弱点，50岁过后，才使钢琴技巧改善到理想状态，使之具有强劲的表现力。钢琴家演奏技巧因年龄的增加而衰退的例子俯拾皆是，但是像肯曾夫过了50岁后技巧仍日有精进的情形可以说是罕有的事例。 　　进入老境的肯普夫，更是把钢琴演奏当作日常起居生活的重要工作。他的音乐也更为致密，把心中的理念变换为音乐的形象，因而使他的精神主义艺术更加高贵。原先容易流为主观艺术的他，经过磨炼，终于获得了更正规的格调。 　　第二次大战结束后，肯普夫作为当代德国钢琴家的代表人物，受到人们的尊崇，成为贝多芬、舒伯特以及舒曼、勃拉姆斯钢琴作品的权威演奏家。 　　肯普夫的演奏含蓄细腻，织体清晰，亲切高贵；音色如歌，分句 　　和速度自然而合理，丝毫没有矫柔造作、追求外在效果的倾向。 　　他录制了贝多芬和舒伯特全部钢琴奏鸣曲和其他作曲家钢琴作品的唱片，并编辑出版了舒曼钢琴作品选集。 　　肯普夫也为贝多芬四首钢琴协奏曲、莫扎特数首钢琴协奏曲重新编写装饰奏；和同辈钢琴家，如施纳贝尔、费舍兼具澎湃气势、诗意与趣味性的装饰奏相比，肯普夫的版本毫不逊色；布兰德尔就表示，从这些装饰奏时时可见肯普夫最高艺术的表现。 　　作为作曲家，他创作了歌剧、芭蕾舞剧、交响乐、室内乐、钢琴和管风琴的作品

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-6 05:48 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-6 05:52 AM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---巴伦博伊姆，克伦佩勒指挥



克伦佩勒长久以来被认为是指挥贝多芬、勃拉姆斯和布鲁克纳作品最顶尖的诠释者之一。有着绝佳幽默感，话锋辛辣的克伦佩勒，其个人经历与遭遇极富戏剧性，1930年代期间曾遭纳粹迫害被迫逐出德国，尔后颠沛于奥地利、瑞士、美国等地，再加上罹患脑瘤、循环性精神病，其前半生可谓备尝艰辛。仅管如此，克伦佩勒鲜明的艺术性格与特出的指挥才华仍使他在晚年时挤身20世纪最杰出指挥大师的行列。
对原谱的完全忠实与钻研是克伦佩勒处理任何作品的基础，而谨慎的速度处理，对清晰与平衡的追求，以及对声音明亮的要求亦为他的重要指挥特质。在1952年与EMI签约后，通过EMI当家制作人莱格与唱片的推波助澜，使得他的声名得以远播于世界各地，而这些充满着他个人风格与力量的唱片也可以解释为何他得以名列大指挥家之林。而在这些传世录音中包括这次所收录的贝多芬交响曲全集以及和巴伦伯英合作的贝多芬钢琴协奏曲全集。
在交响曲部份，克伦佩勒秉持着忠于原著的态度，着重乐团各声部间的清晰与平衡，乐曲速度明确的掌握，而使音乐显现出一种坚毅、感人至深的魄力；其中，第三、第五、第六以及第七交响曲皆代表他至高的成就之一，第五诠释上的精辟，令人震撼的见解，显示克伦佩勒处于颠峰时期；第七速度偏快，所呈现的张力更振奋、激昂，句法亦锻炼得更为精粹。而在贝多芬钢琴协奏曲部份，由巴伦波因所引燃灿烂炫目的火花，和严谨的克伦佩勒偶一为之的任意相结合，更兴奋而鼓舞人心，其中的精华在引人生畏、极富魄力的慢板乐章。此外为钢琴、合唱与管弦乐团幻想曲则是微妙灵感的呈现。
克伦佩勒强调作品的结构完整，演出骨架宏大，坚如盘石，将坚定的意志力彻底地贯注在音乐中。因此结构严谨、重视精神内涵的德奥曲目，一直都是克伦佩勒的拿手好戏。尤其是晚年诠释的贝多芬交响曲，多为后人称道不已。这次 EMI 将克伦佩勒晚年录下的贝多芬交响曲全重新包装，加上与巴伦伯英合作的钢琴协奏曲全集以超低价位发行，在在是乐迷的一大福音。对于想买下第一套贝多芬交响曲全集的入门者而言，这是颇为值得作为首选的版本。至于已有数套全集的乐迷，更该尽快尝尝克伦佩勒那百听不厌、愈嚼愈香的滋味。


丹尼尔·巴伦博伊姆( Daniel Barenboim) (1942.11.15～) 以色列(阿根廷 布宜诺斯艾利斯出生)钢琴家及指挥家。为天才儿童，8岁首次登台演出。1952年全家移居以色列。在弹奏钢琴方面，他以对古典主义和浪漫主义作曲家作品多彩动人的诠释著称。



职业生涯　　1957年在美国卡内基音乐厅首演。1962年开始专职指挥，1964～1975年担任英国室内乐团指挥，1975～1989年转任巴黎管弦乐队指挥。1991年担任芝加哥交响乐团首席指挥，1992年任柏林国家歌剧院音乐指导。他还致力于促进中东和平事业。
巴伦博伊姆

将指挥2009年维也纳新年音乐会

　　曾先后指挥过以色列爱乐乐团、费城管弦乐团、纽约爱乐乐团、伦敦交响乐团、英国室内乐团等。

　　巴伦博伊姆擅长演奏 L.van贝多芬和W.A.莫扎特的钢琴作品，他的演奏风格是以浪漫热情服从于古典形式，使形式与内容达到平衡而著称。曾录制大量的唱片，包括贝多芬全套钢琴奏鸣曲及协奏曲，莫扎特全套钢琴协奏曲及后期交响曲等。


详细介绍　　丹尼尔·巴伦博伊姆是全球最有天赋而且变化自如的音乐家之一。他的祖父母都是俄国犹太人，二十世纪初因当地排斥犹太人而移民阿根廷。巴伦博伊姆的音乐天赋相当罕见，早年是由父亲安立奎．巴伦博伊姆(他是史卡穆扎的学生，史卡穆扎的学生还包括阿格麓希)指导，并在自由的环境下成长。当时布宜诺斯艾利斯也是国际音乐重镇之一，托斯卡尼尼、福特万格勒、鲁宾斯坦、肯普夫、季雪金与阿劳都曾经到当地演出，这些国际知名音乐家让布宜诺斯艾利斯的文化气息增添不少光彩。为了接触更广泛的领域以及找寻“家”的感觉，巴伦博伊姆在1952年回到以色列。而后欧洲重要音乐厅的邀约纷纷到来，包括十一岁时柏林爱乐的邀请(但是他很聪明的拒绝了)。
首次为飞利浦录音　　巴伦博伊姆在1956年首次为飞利浦录音，当时他十四岁，被福特万格勒赞扬为
巴伦博伊姆

“惊人的音乐家”，并在接下来的几年里专心但广泛的接触各种音乐领域。巴伦博伊姆的年纪虽小，但是他从来没有把自己的天份视为理所当然，一生都保持了前瞻性的眼光。谈到他的音乐生活，他对于几位优秀的音乐同行也有很大的贡献。巴伦博伊姆与这些音乐家都是长时间的好朋友，彼此影响、彼此敬重。这些人，如:祖宾·梅塔(Zubin Mehta)、鲁宾斯坦(Artur Rubinstein)、费雪(Edwin Fischer)、库贝里克(Rafael Kubelk)、密特罗普罗斯(Dmitri Mitropoulos)、柯尔荣(Clifford Curzon)、杰利毕达克(Sergiu Celibidache)、哲齐(Carlo Zecchi)、布朗热(Nadia Boulanger)、布列兹(PierreBoulez)、卡萨尔斯(Pablo Casals)、马克维奇(Igor Markevitch)、斯托科夫斯基(Leopold Stokowski)、费雪·狄斯考(Dietrich Fischer-Dieskau)与塞尔(George Szell)都为巴伦博伊姆原本已经够惊人的音乐性增添色彩。
二十岁时　　巴伦博伊姆二十岁时已经具有相当的身份与地位，他承认自己一开始非常懒惰而且没有教养(喜爱足球更甚于练习)，但是他仍然承认光有天份的危险性。在钢琴独奏家、指挥(同时擅长诠释交响乐曲与歌剧)、室内乐演奏家以及被他称为“冷静的合作关系”的艺术歌曲伴奏生涯中，巴伦博伊姆没有太多时间专心从事单一工作。他在伦敦皇家节庆厅与英国室内乐团合作的莫扎特钢琴协奏曲全集(接着又在巴黎与纽约举行)被认为是很马虎敷衍的演出(“你喜欢吗?”为了证实我的负面评价，我在其中一场音乐会后询问一位让人敬畏的钢琴家。“你不喜欢，太好了!”)即使有这样的失误，巴伦博伊姆的演出仍然不能用 “千篇一律”、“缺乏独创性”或“马马虎虎”来形容。巴伦博伊姆承认，和杜普蕾（Du Pre）的婚姻彻底改变他的看法与眼光。巴伦博伊姆本人具有出色的音乐天赋，但他仍惊讶于杜普蕾“令人难以置信的紧密与生气”，而且她“……在我所遇到的所有伟大音乐家中，从来没有一个能如此把音乐当成是自然表情的一种形式。”

　　这样的音乐生活虽然只是微弱且片断，却是却比学院里篇幅浩大的论文著作来得更有内容。他很乐观的认为，“总有一天，日本人会在音乐中感受到与欧洲人一样的情感，自由感受音乐的内涵和接触其外表”。他发现一些二十世纪的钢琴音乐有着“局限的打击乐性格”，并且有忠实地把音乐视为不完美的现代社会中的抚慰的观点。以一个坚定但温和的乐评人角度来看，巴伦博伊姆发现英国管弦乐团意味着一种可怜的状态，那就是尽管这些演奏者的表现相当专业，可是仍然很勉强能称得上是中上。他观察音乐厅，特别认为“这不是世界上最完美的乐器，但具有塑造音乐的良好能力。”
维也纳古典乐派　　巴伦博伊姆的曲目一点儿也不意外的广泛，他演奏不少现代与当代作品，但是以钢琴家的身分来说，他的重心还放在维也纳古典乐派，包括莫扎特、贝多芬与舒伯特，还有浪漫派的舒曼、肖邦、李斯特与勃拉姆斯。面对这么庞大的曲目，选择变得相当棘手而且涉及个人的喜好。很明显，莫扎特、贝多芬与布拉姆斯是不可缺少的。更明白说，谁能忽略巴伦博伊姆与克伦培勒的的传奇莫扎特第二十五号钢琴协奏曲，以及与巴比罗里合作的勃拉姆斯第一号钢琴协奏曲?的确，乐评人面对巴伦博伊姆亲切而又优雅的莫扎特第二十五号钢琴协奏曲(通常被称为是莫扎特的“皇帝”钢琴协奏曲)时都默不作声。无论是他自己恰到好处的雄伟装饰奏或者是以温和代替急促的稍快板终乐章，巴伦博伊姆让人陶醉的钢琴演奏技巧以及音乐性让我们就像身处在极乐世界一样。勃拉姆斯也是，你听不到凶猛的活力，但是宽广的幅度以及令人着迷的心灵沟通正是真正的巴伦博伊姆。钢琴一加入乐曲的时候，托韦爵士(SirDonald Tovey)立刻想起了《马太受难曲》，少有钢琴家能弹出勃拉姆斯中段悲伤的情感(这首曲子写后勃拉姆斯听闻舒曼企图自杀的时候)。最后装饰奏开始时有些幻想曲风，钢琴毫无反顾的弹出史诗般的气势，让人感受到终曲欢乐的气氛。
狂烈的幸福感　　巴伦博伊姆早年的风格异常的严谨，贝多芬第一号钢琴协奏曲在威严华丽之余还有克伦培勒强势领导的痕迹，因此原来“活泼有力地”被修改为更平和的行板。这里的装饰奏仍然是采用巴伦博伊姆的版本，不少人会很喜爱音乐中高贵庄严的感觉。李斯特是巴伦博伊姆最偏爱的作曲家之一，探索三首佩脱拉克十四行诗的内在魅力后是李斯特改编自瓦格纳歌剧的《伊索德的爱之死》。听者或许能感受到音乐所根据的话(特别是第四十七号)中描写的痛苦以及初恋的愉悦，或是感觉到钢琴家同时掌握到热情与庄重、含蓄与大声嘶吼的感觉。在《伊索德的爱之死》中(相当于巴伦博伊姆同对瓦格纳与李斯特表示敬意)，巴伦博伊姆在炽热且独特的音响效果之外，仍然让音乐表现出狂烈的幸福感。
音乐环境的变化　　巴伦博伊姆意识到音乐环境的变化，“商业化”让大部份音乐家都变成优秀而有经验的老手，但并非艺术家。对于这点，他尖锐的批评道:“音乐是每个人都有权去表达与感受的东西之一”，无论是业余或职业，专家或白痴。更明确的来说，由于受到他最喜爱的哲学家斯宾诺沙的影响，巴伦博伊姆把“例行公事”视为表达音乐的头号大敌，以及必须有想象力与情感的理由。他更倾向通才而非专精，他把音乐视为不只是“受过良好训练的职业，也是生活每一位演奏家必须保持自然的天性以及不对作品抱有成见。在演出当中，知觉与下意识，理性与直觉得合而为一，你会觉得能随着自己的感情与想法一起思考。”

　　巴伦博伊姆现任柏林汉斯艾斯勒指挥系的客座教授。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-6 05:57 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-6 06:04 AM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---科瓦塞维奇
飞利浦小双张，贝多芬第一二三四钢协，2首浪漫曲
贝多芬第五钢协。
小双张系列，还收录了小提琴协奏曲


贝多芬的《迪亚贝里变奏曲》可以说倾注了他对钢琴音乐的全部理想，他在这里向人们展现了短小乐段之间的对比可以达到如此高超的地步，也使之成为钢琴史上一部很难逾越的巨作，历来让演奏家们望而生畏。
   
    不过却有一人，当他于赫赫有名的威格摩音乐厅租场举办自己在英国的首演时，挑选的正是这部杰作。这一看似不知“天高地厚”的举动，引起音乐界不小的轰动。从此，这部变奏曲伴随他走过近半个世纪，而他对此曲的诠释，不仅为同行们所称道，也让世界各地的乐迷留下难以磨灭的印象。他就是将在东方艺术中心“法国雅各宾钢琴节”登台的钢琴大师史蒂芬·科瓦塞维奇。这次他带来的正是这部看家之作。
   
    其实，科瓦塞维奇早先并不喜欢贝多芬，觉得他“只会写些吵人的曲子”。不过当十七、八岁时听到鲁道夫·塞尔金演奏的《迪亚贝里变奏曲》后，先前的成见在瞬间烟消云散，从此深深爱上了贝多芬。不过更深的影响恐怕还源于随米拉·海丝（MyraHess）深造的那段经历。海丝对贝多芬、舒伯特、舒曼等德奥作曲家音乐的擅长与执着，也潜移默化地唤起了弟子对这些作品的热情。《迪亚贝里变奏曲》就是师生二人在这期间反复研究、探讨的重点。那之后的很长一段时间内，晚期贝多芬渐渐成为了科瓦塞维奇演奏曲目的核心，尤其是这部变奏曲和最后三首奏鸣曲是他独奏会中的“常客”，那些在他看来“充满超乎想象的创造力，更有极为内心的话语”的贝多芬在最后阶段所写的《钢琴小品》，也几乎成为他每次音乐会固定的返场曲。
   
    与EMI公司签约录制贝多芬钢琴奏鸣曲全集的计划，为科瓦塞维奇创造了更多机会，使他的贝多芬旅程变得更完整。在此之前，他仅演奏其中的12首，对另20首并不熟悉，所以对他是个极大挑战。此后10年，他放弃了夏季休假，集中精力练习，经过约半年的沉淀思考后，再进行录音。这样，虽辛苦不已，但也让他能深入探索贝多芬的音乐和精神世界。
   
    虽然科瓦塞维奇经常欣赏前辈大师演奏贝多芬的录音，施纳贝尔、塞尔金、巴克豪斯、肯普夫等人都给他留下深刻印象，但这丝毫不妨碍他做出属于自己的诠释。他指尖的贝多芬，非常有个性，相比许多将贝多芬的音乐处理得圆滑平整的版本，科瓦塞维奇却在均衡的结构感下，弹出了这位作曲家音乐中狂放不羁的一面。“对某些人而言，我的贝多芬可能太具爆发力，但贝多芬可不是一个单纯的邻家男孩儿，你也不希望贝多芬成为你的邻居！”钢琴家幽默地比喻道。他对音色的控制和踏板的运用也是一绝，这似乎完全是一种与生俱来的魔力。指挥大师斯托科夫斯基一次听了他的音乐会后，给他写去一封热情洋溢的信，尤其盛赞他的踏板用法，称效果与当年自己要求费城交响乐团做到的效果如出一辙。
   
    对于独奏会节目的安排，科瓦塞维奇自有一套。早期，他经常挑选巴赫的三首《前奏曲与赋格》与贝多芬的《迪亚贝里变奏曲》作为搭配。这次，将与之出现在一场音乐会中的是舒伯特的《A大调奏鸣曲》（D.959）。众所周知，舒伯特的音乐有其独特的抒情性，这和贝多芬作品中所具有的强大的精神力量有所不同，这样的安排，既形成反差，也让这场独奏会更丰富。


[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-6 06:11 AM 编辑 ]

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作者: myzcj    时间: 2010-9-6 01:24 PM
又看到J兄的好碟推荐了，请教J兄，帕格尼尼主题狂想曲买的谁的比较好

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作者: J-M    时间: 2010-9-6 07:09 PM

原帖由 myzcj 于 2010-9-6 01:24 PM 发表
又看到J兄的好碟推荐了，请教J兄，帕格尼尼主题狂想曲买的谁的比较好

我买的是怀尔德的那套拉赫玛尼诺夫钢协全集，收录了帕格尼尼狂想曲。CHANDOS唱片

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作者: J-M    时间: 2010-9-6 07:14 PM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---鲁宾斯坦
RCA录制

这是首版的


鲁宾斯坦于1887年1月28出生在波兰(与肖邦是同乡)，自七岁开始学钢琴。 四年之后，面著名小提琴教育家姚阿幸之后，大师认为少年的宾斯坦才气纵横，遂将他收到门下学习音乐课程 　    　　　
　　他十三岁起就以优异的才华与柏林爱乐管弦乐团同台演出莫扎特和圣桑的钢琴协奏曲而令人啧啧称奇。
    1961远征西班牙时造就了一股旋风，两年之间席卷了整个西班牙乐坛，总共开了超过一百场的音乐会。
　　从那时起，西班牙不仅是鲁宾斯坦最喜欢的国家之一，同时西班牙乐曲也是他最拿手的私房曲目。由于西班牙的成功经验，引发了他前往南美洲发展的雄心。
　　2030年代之间，鲁宾斯坦跑遍了南美洲各国及西班牙，并挟着余威一路攻到人文荟萃的法国巴黎并风靡了所有的乐迷。
　　骨牌效应一到爆发第二次世界大战德军攻进花都巴黎为止。这时鲁宾斯坦的势力已经到达了澳洲。
　　因为大战的缘故，鲁宾斯坦举家迁徒至新大陆，并于1946年归化为美国公民。从那时起，鲁宾斯坦与美国RCA唱片公司之间建立起长久的录音合作关系，借由唱片把他推至音乐偶像的地位。
　　当重回久别20载的故乡波兰时，衣锦荣归的鲁宾斯坦在华沙获得泪流满面的观众一致起立鼓掌。
　　这种场面在华沙只有两次，第一次是发生在钢琴家德列夫斯基的演奏会上。
　　鲁宾斯坦的演奏生涯一直持续到1976年，由于视力衰退他不得不放弃了表演，他的最后一场演奏会是那年五月在伦敦。
　　他于1982年12月28日去世享年96岁

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作者: J-M    时间: 2010-9-6 07:19 PM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---阿劳，霍洛维茨，赛尔金
1903年诞生了3位伟大的钢琴家——阿劳、塞尔金和霍洛维兹。他们当中，霍洛维兹当然名气最大，但阿劳才是其中最全面的一位。巴伦伯英曾把阿劳当作自己的理想：“……对他的乐器有离奇的控制，拥有比过去和现在任何一位钢琴家都要广泛的曲目，还有在他的专业之外领域的巨大兴趣”。阿劳涉猎的曲目非常宽泛，他大部分录音都亦堪称经典，菲利普公司2003年推出的阿劳百年专集充分证实了这一点。

阿劳早年，是一个可怕炫技能手，并刻意保持这个形象。这个专集包括一个受到人们普遍尊敬的12首超技练习曲。很难想象，这是阿劳年过7旬时录音。他在1991年逝世前几个月录制的巴赫G大调帕蒂塔，琴声仍然像水晶一样透明。

对于阿劳来说，技巧是永无止境的。评论家马克思·哈里森把他演奏的李斯特第二钢琴协奏曲，看作是“一个把技巧放在一边的伟大钢琴家的特殊事件”。跟塞尔金一样，阿劳从来都是把自己演奏的音乐看做一个整体，从来不为迎合听众而对音乐进行肢解。内维尔·卡达斯曾描述阿劳“是他体验中的唯一的将肖邦作为一个完整的人、完整的艺术家介绍给听众的钢琴家”。  

舞台上的阿劳有能力弹出一个安静的、完美平衡的和声，让音乐厅最远的地方听到。在录音方面，阿劳的声音有时可能听起来过于有力，这种情况经常让听众产生误解。

我记得琼·奇塞尔描述阿劳的舒曼“总是深深地考虑和体验中，缺少一个很必需的狂喜暗示，”幽默曲是这样的一个例子。他演奏的夜曲，评论家一致认为要大大胜过吉列尔斯的版本。

阿劳早年也是一个狂热的舒伯特迷，尽管出于对作曲家后期作品中黑暗色彩的敬畏，他不经常安排演奏舒伯特这类作品。我承认，我是在一种被震撼的心情中聆听他的1978年C小调奏鸣曲录音的。我尽情地享受它，并饶有兴趣地阅读Jeremy Hayes精彩的封套说明，这是阿劳最受到欢迎的唱片。舒伯特的即兴曲也是阿劳的“专利“，我个人更喜欢他早期的录音版本

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-6 07:30 PM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-6 07:31 PM
标题: 赛尔金
鲁道夫·塞尔金（Rudolf Serkin，1903年3月28日—1991年5月8日），犹太人，奥地利钢琴家


美籍奥地利钢琴家，犹太人。9岁时到维也纳师从理查·罗伯特学钢琴，随勋伯格学作曲。12岁与维也纳爱乐乐团演奏钢琴协奏曲，开始了演奏生涯，17岁崭露头角。1935年与小提琴家布施的女儿结婚。他触键清晰、节奏平稳、声音纯正，不但是演奏巴赫作品的典范，而且是演奏莫扎特、贝多芬、舒伯特及勃拉姆斯作品的卓越代表。后到美国成为Malboro音乐节的艺术领导人。1926年在Basel音乐院任教，一直到1936年和托斯卡尼尼指挥的纽约交响乐团协作演奏协奏曲，才离开Basel在美定居，1939年入美籍并任柯蒂斯音乐学校钢琴系主任。 　　塞尔金演奏发音清晰明亮，线条层次分明，浑厚细致，光彩夺目。他演奏的深刻性可算是20世纪中叶钢琴家中的佼佼者。 　　其子彼得·塞尔金亦为知名钢琴家。


生平
　　鲁道夫·塞尔金1903年生于波西米亚的埃格尔（Eger），1991年逝于美国佛蒙特州的吉尔福德。早年在维也纳跟随罗伯特(Richard Robert)学琴，并与马克斯和荀白克学习作曲，十二岁在涅德巴尔指挥维也纳交响乐团协奏下首度公开演出。小提琴家布许在1920年发掘塞尔金后十分照顾他，两人展开数年室内乐演奏活动，主要活动范围从柏林、达姆施塔特到瑞士。塞尔金1936年在托斯卡尼尼指挥下演奏贝多芬第四号钢琴协奏曲和莫扎特二十七号钢琴协奏曲，这也是他首度在纽约登台。次年在卡内基音乐厅演出，1939年归化美国籍。塞尔金曾经在费城寇帝斯音乐院任教，1951年任马波罗音乐节与音乐学校音乐总监。此外，塞尔金每年维持约一百场演出，足迹遍及欧洲、北美、南美、以色列、澳洲与亚洲。塞尔金是当代最伟大的莫扎特、贝多芬、布拉姆斯和舒伯特诠释者之一，皆录制多张协奏曲和室内乐唱片。他最完美的曲目是贝多芬最后三首钢琴奏鸣曲；而他也选择这三作品作为生平最后一场演奏会(1987年4月于纽约)的曲目。 　　塞尔金双亲都是俄国人，父亲原是个男低音，后因家计改行。塞尔金很小就显露音乐才华，六岁能演奏舒伯特即兴曲，之后到维也纳跟随理查德·罗伯特学琴，同学有塞尔、弗尔曼和鲁道夫·平。塞尔金十二岁在维也纳交响乐团的协奏下初试啼声，曲目是门德尔松第一号钢琴协奏曲。塞尔金透过建筑师阿道夫·路斯的介绍向荀白克学习和声、对位与作曲。对塞尔金来说，跟随这位本世纪主要的音乐思想家学习的三年带给他莫大的帮助。如同他自己所说:「弹莫扎特钢琴奏鸣曲给荀白克听是件永无法取代的经验：他比任何人都懂这些!」尽管如此，塞尔金终究不愿成为无调性音乐的拥护者。他只在晚年偶而演奏一些巴尔托克和普罗高菲夫。显然地，塞尔金从年轻时期就明确认定他的天职是做传统欧洲主流音乐传统的代言人。 　　第一次世界大战结束后，塞尔金原本有机会前往巴黎拜师菲利浦并担任路斯的妻子阿特曼演出舞蹈时的伴奏，但塞尔金竟错过那班前往巴黎的火车。所谓塞翁失马焉知非福，事后塞尔金遇到了小提琴家布许。布许听过塞尔金演出后，便问后者是否有意与他一同前往柏林，他可以引介塞尔金向布梭尼学琴。塞尔金很高兴地答应了，而布许以超乎寻常的慷慨，替塞尔金解决物质困境。布许不只买给塞尔金前往柏林的火车票，还带他到自己家住。事实上，我们可以说布许收养了塞尔金，而塞尔金更在后来迎娶布许的女儿伊琳娜为妻，正式成为布许的「半子」。 　　塞尔金是找到了布梭尼，可是布梭尼认为塞尔金已过了做正式学徒的年龄，风格已成，而且认为塞尔金的演奏太干净，踏板用得太少。塞尔金在没有固定老师的情况下，一方面展开自己的演奏事业，一方面参加布许等人的室内乐演出。结果反倒是布许和他的友人成为影响塞尔金艺术的主要影响力。他们交替各种演奏组合，演出室内乐中的精华之作，而且对作品都是熟练到能背谱演奏;演出型式扩展到协奏曲时，他们彼此交换心得，探讨如何把演奏室内乐的美学观点，扩展到演出大编制作品上。塞尔金和布许一同切磋琢磨，最后也果然得到相辅相成的结果。 　　音乐界在二、三零年代不乏钢琴大师，但是对音乐的品味却急速变化。典雅的传统维也纳风传承者如绍尔、达贝特，甚至当时还在世的李斯特、莱彻帝茨基诸弟子，在后起之秀不断提高的技术水平挑战之下，很快就显得过气而被淘汰。这个新趋势的主要幕后推手之一就是霍洛维兹。塞尔金有次在艺术赞助家弗朗西斯可·封·门德尔松家听过霍洛维兹弹奏的肖邦第一号叙事曲后，深感未来的音乐领域光有「音乐性」和「内涵」是不够的，技巧更是一项重要因素。所以虽然塞尔金已有自己的成熟音乐风格，但仍发愿要努力不懈的苦练。这次和霍洛维兹的交会带给塞尔金一些良性影响，让塞尔金对钢琴硬功底有更高标准酌认知，但并没有带给他名家大师用华采安可曲夸耀炫技的习性。 　　塞尔金在技巧上的勤于琢磨，使他的演奏风格和曲目显现出一些特别而有趣的倾向。例如在演奏肖邦时，塞尔金宁可演奏一整套的练习曲。他终生喜爱里格的作品，尤其专精于他的协奏曲和「巴哈」和「泰勒曼」两部变奏曲。绚丽浮华的李斯特《光辉时代》、《勇气塔朗泰拉》变成他专精的炫技作品。塞尔金解释说这部作品的目的是用来「震撼听众」的。虽然塞尔金在现代技法上相当杰出，但晚期偶而会背弃他的新世纪音乐训练，而采用左手速度略稍超前右手的处理法，有点像前朝莱彻帝茨基学派之风，而不再是百分之百的「现代」钢琴大师。 　　《热情》奏鸣曲一直是塞尔金曲拿手曲目，也是他的第一部录音作品，从中显示诗意多过于火花，精致的第二乐章表现其以感性为中心的诠释理念。虽然塞尔金成熟期的狂暴风格并在此没有显现，但却是这位钢琴家成长上升过程的珍贵历史纪录。终乐章「快板，但不大快」与他所演奏的莫扎特第十四号钢琴协奏曲终乐章一样，都显示出清晰、精准的运指技术，而同被视为是塞尔金技术上登峰造极之作。 　　据塞尔金自己的说法，最后一位影响他最深远的人物是托斯卡尼尼。当塞尔金听过托斯卡尼尼指挥的布拉姆斯第二号交响曲后，惊叹「宛如是不可思议的天启!他用激情组成无比精密的架构。」音乐中「结构第一」的主导地位从此成为塞尔金的最高指导原则。1936年在托斯卡尼尼指挥下，塞尔金举行他的纽约首演，演出贝多芬第四号钢琴协奏曲和莫扎特二十七号钢琴协奏曲。虽然数年后为纪念这次历史事件，塞尔金曾将贝多芬第四号钢琴协奏曲录音并发行，但另一部莫扎特的珠玉之作就很可惜没有与托斯卡尼尼合作录制唱片的机会。其它脍炙人口的演出还包括与老同学塞尔合作、与奥曼第合作多部轰动乐坛的钢琴协奏曲，以及与小提琴家许奈德搭档的舞台演出……等。塞尔金告别录音事业的唱片则是与阿巴多、伦敦交响乐团合作莫扎特系列钢琴协奏曲。当然，晚年的技巧已不复青壮时期灵敏，但这套录音仍以丰富的细节著称，每个乐句的处理，轻重、倚音、装饰音……都出自大师长年的演出心得，堪称字字珠玑。 　　塞尔金1991年5月8日因癌症去世，但透过那些亲自指导培育的学生，或透过他的杰出录音作品，其影响力仍会长远流传下去。尤其在他主持的马波罗音乐节中，学生被他的艺术家精神潜移默化，就像当年他在布许家中被熏陶开导一样。塞尔金的强烈推广意图与使命感，在形成其艺术人格上占有关键地位。如同在那场最后的音乐会中，塞尔金的伟大心灵，带给听众一个宏观高远的视野，凌空透视贝多芬艺术中至高无极的境界。



最后一场演奏会
　　1987年4月8日星期三晚上，纽约卡内基音乐厅涌入爆满的听众，等着被视为当代仅存最伟大贝多芬诠释者出现。曲目是贝多芬最后三首钢琴奏鸣曲。塞尔金终于出现，缓缓走向舞台中央。虽然历经无数场演奏会的洗礼，塞尔金仍保持他一贯的腼腆、差怯，笨拙地向听众鞠躬。此时正在大声喝彩的听众马上悄然无声。塞尔金开始演奏，谨慎而自信，如同歌唱一般。随着第三十号钢琴奏鸣曲开头的起伏音程，塞尔金对作品特有的感悟和洞悉脉脉倾泄而出。当晚的听众永远不忘了自己曾经如何透过塞尔金的音符，体验到贝多芬作品中的狂喜与激亢。
[编辑本段]评价
　　塞尔金被认为是当代最伟大钢琴家之一。过去已有太多钢琴家专长于演奏海登、莫扎特、贝多芬、舒伯特和布拉姆斯。其中不少堪称系出名门、有的学富五车、见闻广博，有的更具备多种取悦听众的特殊技巧。塞尔金特别可贵而值得骄傲的特点则是，他对作曲家始终抱着坚贞忠实的态度，配上他超凡的演奏技巧及对音乐的热爱。 　　通常，所谓钢琴大师的外在形象是稳重、平和、高雅，当他们施展其音乐魅力时，应该显得谈笑自若、游刃有余。毕竟对他们来说，演奏一个奥林匹克级的颠峰之作该如同家常便饭般平易。但对塞尔金来说，他虽从年幼就崭露头角，而且拥有傲人的学习经历，但他却时时显露出认真、卖力演奏的模样。演奏技巧坚实准确是塞尔金理念中要求极其严格的一环，可以见到他费劲让钢琴发出所要的光采效果，还不时带点哼唱、作鬼脸、高潮段落用力顿足……等。有些反对者常对这点做文章，对他这种自我陶醉的表现不以为然。但实际上，塞尔金在演奏时，他的专注与激情通常能很好他结合在一起，让欣赏者得到相当大的满足。

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作者: J-M    时间: 2010-9-6 07:35 PM
标题: 霍洛维茨
弗拉基米尔·霍洛维茨（1903年10月1日——1989年11月5日）生于乌克兰基辅，1921年毕业于基辅音乐学院，同年在波兰哈尔科夫首次登台演奏。1928年后定居美国，娶了指挥大师托斯卡尼尼的女儿

40年代霍洛维茨与托斯卡尼尼合作录制的协奏曲唱片（RCA），迄今仍为爱乐者珍视。除1965和1968年两度于纽约卡内基大厅、80年代重返前苏联在莫斯科举行独奏音乐会外，自1953年起霍洛维茨基本上只为唱片录音而演奏。他是20世纪最令人瞩目的大钢琴家，技巧高超，举世无双


霍洛维茨的音乐演奏极其富有鲜明的个性，他的音乐是如此的独特，以至于只要聆听过其演奏的人，以后就可以轻易地将他的音乐与其他众多的钢琴演奏家区分开来；而从未领略他琴音魅力的人，是很难凭借经验来臆测的。我只能从一些细节来讲述我所听到了他与众不同的特性： 　　霍洛维茨是古典浪漫派钢琴的最后一个巨人。很多人都会将“浪漫”同“柔美”等同。然而在霍洛维茨面前，他们才会发觉这个理解上的错误是多么的想当然。他的演奏会让你豁然明了：原来浪漫的本质是“激情”。霍洛维茨的激情与他的音乐浑然天成。这和很多钢琴演奏者用形体的夸张动作表现出的激动有着云泥之别。尤其是在大师的晚年，演奏时的动作幅度已经很小。你千万不要以为这是老人的迟缓，这时的霍洛维茨已经步入举重若轻，举轻如重的化境中去了。不要忘了，他在年轻的时候，经常在演出中弹断琴弦，调音师时常面对被他弹的几乎散了架的斯坦威钢琴无可奈何。 　　霍洛维茨的琴音是灵动剔透的，但是同时，他有着使他获得“雷神”称号的左手。霍洛维茨一生自始至终都在强调左手的重要性。他不仅不认为左手是演奏中的附属，甚至称呼左手是钢琴演奏中的指挥。音色上，他左手在低音部的独特击键让他演奏的音乐丰满而又极富冲击力，具有很强的音响性。 　　霍洛维茨有着一双柔软的手，他甚至可以在其他四个手指击键的同时，将小指完全弯曲收起来。如果你用慢镜头来观看他的演奏，十个手指的收展、轮动显现出的优美姿态，会让你联想到飞鸟展动的羽翼。这双天赋的手加上钢铁般有力的肘腕，将音乐中的柔与刚，宁静与激烈完美地结合在一起。 　　霍洛维茨采用了一种完全个人化的平行触键手型去演奏钢琴，同钢琴教科书上要求手心虚空，指尖触键不一样的是，他将手掌平铺在键盘上，用每个手指的指肚去触键，每一个音不是击打出来的，几乎是就是用手指去按出来的。独特的手法可以产生出异乎寻常的柔美音色。（相似的，阿劳和古尔德的演奏手型都是比较平的。）为了追求音色的变化，霍洛维茨对手指接触琴键的部位也非常的考究。越是靠近琴键的根部触键，琴音越轻，音色越柔；越是接近琴键的末端触键，琴音越响，音色的弹跳性就越强。甚至有时在演奏延长音的过程中，他的手指会从琴键的一端滑向另外一端，以追求延长音音色的细微变化。在不同的琴键位置演奏，结合演奏时手指的力度和速度变化，使得霍洛维茨的钢琴音色像彩虹一样瑰丽多变，并且富有层次。霍洛维茨使用音色表现音乐的手段更加丰富。有的乐评家认为，他就如同一个画家，用七彩调制出不同的色调，从而表达各种各种的音乐情思。然而让霍洛维茨的琴声臻于完美之境地的，是他对钢琴踏板的绝妙使用。论对钢琴踏板的重视和理解之深，在20世纪的钢琴演奏家之中，霍洛维茨绝对是无人可比的大师。他一生中仅有的一部学术著作，就是关于钢琴踏板的使用。大师本人也讲过：作为一个钢琴演奏家，他的成就不在手上，而是在经常为人忽视的足底。 　　霍洛维茨的演奏技巧辉煌洒脱，很多演奏上难度艰深的作品，在他演奏起来都是那么的潇洒自在，像李斯特的《超技练习曲》、《拉赫马尼洛夫第三钢琴协奏曲》这样难度很大的作品，他的演奏都有一种攀险峰如履平川的轻松自如。让听者但觉音乐之动人而不虞其他。 　　霍洛维茨有着令人瞠目结舌的演奏技巧，他可以说是有录音以来最具备完美技巧的钢琴大师。对他来说，钢琴演奏似乎就不存在“技术上的难度”。如果你看过大师在1968年卡内基音乐厅演奏《卡门主题变奏曲》的情景，你会被他在键盘上电光火石般的神奇演奏惊得目瞪口呆。这部作品（《VARIATIONS ON A THEME FROM BIIET’S CARMEN》）是大师为自己创作的一部极具演奏难度的炫技作品。霍洛维茨在弹奏这部作品时，已然将钢琴演奏变化成为一种高度激烈的竞技运动：此起彼伏的大跨度跳跃击键，密如骤雨的琶音，左手与右手你追我赶的对抗。这时的大师已经完全成为一个键盘上的魔术师，给予欣赏者带来的是一个惊叹又一个惊叹。这部变奏曲的难度之大，以至于很少有钢琴家愿意去触碰。只有多年以后，才由天才钢琴少年ARCADI VOLODOS才在他的同名钢琴专辑唱片中尝试演奏。 　　但是霍洛维茨不只是一个技术唯上的钢琴演奏家。如果那样，霍洛维茨也不能成其为霍洛维茨了。他认为演奏者都应当用发自内心的感情去诠释作品。大师说：“一个演奏者应当是作品的再创者，（一个完美的演奏家）应当具备三个条件：训练有素、充满想象力的大脑，一颗自由慷慨的心和对乐器自如的控制能力。没有几个音乐家能够和谐地具备以上三个素质。这是一种很高的艺术境地，也是我毕生为之努力的目标。” 　　1936年，霍洛维茨以健康不佳为理由，首次离开舞台，宣布退隐，大师时年只有32岁。在退隐的宁静生活里，他专注于对音乐的思索和探寻。三年后复出。霍洛维茨已经由一个火爆的技术演奏家变成一个自省的成熟艺术家了。在以后的岁月里，大师又出于同一目的，分别于1953年、1970年二次退隐，最长一次隐退的时间达12年之久。每一次的退隐生活都使霍洛维茨在音乐上获得质的突破。正是凭借这样一种淡泊名利的勇气、对音乐从不懈怡的执着追求，使得大师最终步入完美。 　　身为一个钢琴家，霍洛维茨首先是个渊博的音乐家。他曾公开宣称最大的理想是成为一个作曲家。尽管除了上文提及的《卡门主题变奏曲》以外，大师鲜有自己的作品问世。但是作为安东·鲁宾斯坦的传承者和伟大指挥家托斯卡尼尼的快婿，霍洛维茨有着同侪难以比拟的综合音乐素养。霍洛维茨对很多音乐作品都有着自己独到的理解，他的演奏能够充分地展现出作品的神韵，而又不是盲目的恪守原作。难能可贵的是，他如同一位高明的辑编，能敏锐地发现作品中的瑕疵并加以修正，使作品变得完美无缺。霍洛维茨演奏的斯卡拉蒂的奏鸣曲，有着脱离尘俗的超然气质。没有霍洛维茨的演奏，这些动人作品不知道还要在乐谱架上沉睡多久。他演奏的克莱门蒂的作品一气呵成，极富戏剧性的音乐表情。奏演肖邦作品钢琴音色纤细优美，充份体现了肖邦文静沉思的诗人气质。 　　霍洛维茨晚年弹奏的舒曼《童年即景》（KINDERSZEN OP.15）是极受欢迎的演奏版本。他将这些分解和弦上的简单旋律弹的极富浓郁的怀旧气息，这种怀旧的色彩，正是一个老者对童年美好时光的追忆。在聆听的过程中，我们总会不由得忘形于音乐，让思绪翱翔于时空之外。1987年5月大师在维也纳演奏这部作品时，钢琴弱音的处理真是美妙地不可思议。 　　在同其他钢琴演奏家的比对中，越发能够体会到霍洛维茨在演奏时，对作品精神本质主动性的创造再现。霍洛维茨在弹奏莫扎特《土耳其进行曲》（SONATA NO.11，K331. 3RD MOVEMENT）时充分表现了对音乐内在节奏的控制力。他在1966年卡内基音乐厅的演奏版本，曲长四分零七秒，比布伦德尔此曲的演奏版本足足长了三分之一以上，但是与布伦德尔急冲冲的、行军式的弹奏相比起来，霍洛维茨弹地从容、流畅、紧凑，跳动的活泼节奏带有法国宫廷舞曲的优雅。 　　霍洛维茨的音乐是一种个性化的音乐。他天性具有浪漫的激情。他总是能在一部作品中攫取到最符合他性情的东西，并将之发扬光大。而往往正是这一部分闪烁的灵光，使他的听众如痴如醉。同霍洛维茨张扬性情的演奏相比，李赫特所谓精准和坚硬的弹奏变得是多么的僵硬和刻板。霍洛维茨在演奏时，经常会有一些意想不到的神来之笔。听众们喜爱这些美妙的创造，但是他经常不被乐评界理解。在20世纪的古典音乐大师中间，他可能是受到诘难最多的钢琴家了。他大量精彩的演奏没有被保守的古典音乐专家们认可。然而，霍洛维茨有两部音乐作品的诠释，是无可争议的经典之作：拉赫玛尼洛夫第三钢琴协奏曲和柴可夫斯基第一钢琴协奏曲
　　1989年，霍洛维茨带着他可谓空前绝后的音乐演奏天赋，在纽约的家中安然逝去。古典浪漫主义音乐的最后一丝气息在现实中永久的消散了。从那时起，钢琴的黄金时代结束了

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作者: J-M    时间: 2010-9-6 07:38 PM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---阿什肯纳齐


弗拉基米尔·阿什肯纳齐（Vladimir Ashkenazy，1937－），冰岛籍前苏联钢琴演奏家。 　　1937年7月6日生于莫斯科附近的高尔基（Gorki）。4岁开始学习钢琴。6岁时，他进入正规学习，7岁就能由学生管弦乐团协奏演出海顿的协奏曲，可以说得上是具有惊人才能的儿童。8岁在莫斯科公开演出，9岁进入莫斯科中央音乐学校，师从塞巴蒂安（Anaida Sumbatian）。 　　1955年，获第五届肖邦钢琴比赛第二名。（第一名是哈拉谢维茨，第三名是傅聪）当时就有评委提出异议，认为对阿什凯纳齐不公平，米凯兰杰利（Arturo Benedetti Michelangeli）等人甚至因此而辞去评委以示抗议。同年升入莫斯科音乐学院本科，师从钢琴家奥博林（Lev Oborin）。　　1956年，又获得比利时伊丽莎白女王钢琴比赛一等奖。随后赴比利时、东西德、美国、加拿大各地旅行演奏。英国EMI公司及苏联的旋律唱片公司都发行了他的唱片，这时的阿什凯纳齐已在国内外颇有名气，但他还是继续在莫斯科音乐院攻读。后来由于他表示了对在当时苏联被认为是离经叛道的现代派音乐、绘画的好感，被当局禁止出国3年。
1960年他从莫斯科音乐学院毕业，已经跻身国际著名钢琴家之列。不久，他与同班的冰岛留学生、曾参加过1958年第一届柴可夫斯基国际钢琴比赛的女钢琴家托伦（Thorunn Johannsdottir）结为伉俪。 　　1962年参加第二届柴可夫斯基钢琴比赛，与奥格登并列冠军。次年定居伦敦，不久移居冰岛。 　　1970年代后，开始活跃指挥台上，曾担任爱乐乐团首席客座指挥、皇家爱乐爱团音乐总监、克利夫兰乐团首席客座指挥和柏林德国交响乐团首席指挥和音乐总监等。此外以客席的身份指挥过许多知名乐团，包括柏林爱乐乐团、波士顿交响乐团、洛杉矶爱乐乐团、旧金山交响乐团、费城和阿姆斯特丹音乐厅管弦乐团等。 　　1978年移居瑞士的卢塞恩（Lucerne）。最后后定居英国，并加入英国国籍。 　　1998年出任捷克爱乐乐团首席指挥，后还兼任欧盟青年交响乐团的音乐总监、日本 NHK 交响乐团音乐总监。 　　1999-2000演出季正值“天鹅绒革命”十周年，在此期间，他和乐团出现在欧洲、日本、美国和南美，演出代表乐团历史和文化特征的保留曲目——从莫扎特、马勒到克拉萨、雅纳切克以及马丁努
　2000-2001演出季，他们继续了在全欧的广泛巡回演出，其中包括伦敦的巴比肯中心和逍遥音乐会，维也纳、鲁塞恩、德国和希腊。他曾5次以钢琴家或指挥家的身份访问中国。 　　阿什凯纳齐是俄罗斯钢琴学派的杰出代表，他的演奏音乐性细腻，音色华丽透明，乐句优雅流畅，处理细腻。人们从他所弹奏的技巧绝伦的钢琴练习曲中可以发现他那惊人的技艺和高深的造诣。他可称为能完满再现李斯特绝顶技巧的权威。他演奏的曲目范围很广，包括：柴可夫斯基、拉赫曼尼诺夫、斯克里亚宾、普罗科菲耶夫以及肖邦的钢琴曲。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-6 07:39 PM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-6 07:49 PM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---波利尼，阿尔戈里奇



毛里奇奥·波利尼 Maurizio Pollini（1942～ ）

　　如果要评选当今国际乐坛10位最伟大的钢琴家，毛里奇奥·波利尼(Maurizio Pollini)一定榜上有名。波利尼1942年出生在米兰。父亲是意大利著名建筑师，也是一位音乐素养颇高的出色小提琴手；母亲是一位业余歌唱家。

　　波利尼5岁起跟随卡罗·罗纳蒂学习钢琴，9岁在米兰举行了第一场个人独奏音乐会，被誉为音乐神童。进入米兰音乐学院之后，拜著名教授卡罗·维德索为师。波利尼1957年

　　在米兰举办的一场音乐会上演奏肖邦的练习曲，引起关注。翌年，15岁的波利尼参加日内瓦国际钢琴比赛，获得了第二名，当年第一名空缺。1959年波利尼以优异的成绩毕业，1960年参加了第六届肖邦国际钢琴大赛，在参赛的89名选手中，波利尼年龄最小。面对高手云集的肖邦大赛，波利尼以其出类拔萃的演奏荣获第一名。对此，比赛评委主席——钢琴大师阿图尔·鲁宾斯坦无比感慨地说道：“如果论技术，真不知我们在座的评委中有谁能弹得比他还好。”

　　波利尼籍此声名鹊起，世界各地的邀约纷至沓来，获奖同一年，他开始在欧美各国巡演。巡演中结识了一些世界著名的音乐大师，如卡尔·伯姆、卡拉扬、科林·戴维斯等，在与意大利指挥家克劳迪奥·阿巴多的合作中，阿巴多对他的演奏进行了深入的分析，使其受益匪浅。随即波利尼决定要淡出舞台、潜心苦练——退隐8年，多方求教，并拜在著名钢琴大师米凯朗基利门下重新学习手指触键等技法。

　　重返舞台的波利尼，演奏技艺达到了一个更高的层次，演奏曲目大大拓宽。1968年在伦敦伊丽莎白音乐厅演奏肖邦《24首前奏曲》轰动英国，大有中国武侠重出江湖、扫平天下之势。《经济时报》评论家说：“这是我平生听到的最伟大的演出。波利尼在隐退8年的刻苦训练中，技巧已炉火纯青。他的音乐不再是一面体现个性的镜子，而是一把能击中人心的利剑。”波利尼从此跻身于国际顶尖钢琴演奏家的行列之中。2006年参加第九届北京国际音乐节是他首度来华。

　　波利尼演奏曲目广泛而多样，演奏风格清晰明快，具有丰富的色彩变化和深厚的音乐涵养。从巴洛克、古典乐派、浪漫乐派，直到近现代作品均有涉猎，演奏的贝多芬、肖邦、李斯特、普罗科菲耶夫、斯特拉文斯基、巴托克、贝尔格、曼佐尼等作曲家的作品都深受好评。波利尼天生一双大手，微微张开就可以轻松地覆盖键盘上的八度音程，有人戏称“波利尼有11根手指”。

　　与很多当代钢琴大师一样，波利尼也是一位既弹琴又指挥的“双料音乐家”，自1978年首次指挥斯图加特广播交响乐团演出后，成功指挥过多场音乐会和歌剧的演出。波利尼还录制了大量的唱片，最经典的是肖邦《夜曲》全集，据说在波利尼之前，还没有一位意大利钢琴家演奏过肖邦《夜曲》全集。波利尼被誉为是演绎肖邦音乐的权威。不仅如此，波利尼也擅长演奏幅度、力度较强的作品，波利尼在演奏中总是在竭力追求音乐的最完美呈现


贝多芬第一第二钢琴协奏曲

阿格里奇（Martha Argerich,1941— ），阿根廷钢琴家，生于布宜诺斯艾利斯，5岁首次登台演出，8岁多次参加公开演出莫扎特、贝多芬的钢琴协奏曲。 　　1955-1957年，在维也纳师从古尔达，后又在日内瓦拜帕蒂夫人和马加洛夫为师。 　　1957年，16岁时在意大利波尔萨诺举行的布索尼国际钢琴比赛中获第一名，同年又在日内瓦国际钢琴比赛中获一等奖。1960年师从米凯朗杰里继续深造，1964年又跟阿什肯纳奇短期学习。 　　1965年在华沙第七届国际肖邦钢琴比赛中获第一名，波兰唱片公司在现场录制了她演奏的肖邦第一钢琴协奏曲的唱片，令其名扬全球。 　　1967年首次到美国演出，录制了肖邦b小调钢琴奏鸣曲。1968—1969年在阿巴多指挥下与柏林爱乐乐团和伦敦交响乐团协作，录制了普罗科菲耶夫第3钢琴协奏曲、拉威尔G大调钢琴协奏曲和李斯特bE大调钢琴协奏曲。1977—1978年德国唱片公司邀请她录制了多部作品。 　　阿格里希的演奏风格浪漫豪放，被人们称为“音乐的女大祭司”；虽然她的演奏充满吉普赛人的奔放热情，但有时也具有阴沉忧郁的格调，表现出一种内在、沉思的诗意。她的技巧过人，音色铿锵有力，光彩夺人，不愧为当代杰出的女钢琴家；她喜爱舒曼、肖邦的作品，同时也演奏现代作曲家巴托克、斯特拉文斯基等人的乐曲

1957年，年轻漂亮的女钢琴家玛尔塔·阿格里奇在几周之内，连续夺得了意大利和瑞士两个国际钢琴大赛的冠军，引起轰动，当时阿格里奇只有16岁。 　　从此之后，阿格里奇凭借她精湛卓绝的演奏逐渐成为名满世界的著名钢琴家，而阿格里奇独特的学琴经历，以及略显古怪的个性，更使得她具有了某种传奇色彩。 　　关于阿格里奇最初是为什么开始练钢琴的，一直有很多的说法，其中最为流行的一个是在上幼儿园的时候，一个会弹钢琴的小女孩总是很骄傲的对阿格里奇说你这也不会那也不会，导致小阿格里奇很生气，于是立志学习弹钢琴。但是按照阿格里奇自己的说法是，当她只有两岁八个月左右时，有一天她无意识的在钢琴上按了几个音符，结果使得旁边幼儿园的老师大吃一惊，因为阿格里奇随手按的已经很成调了，由此阿格里奇的音乐天分被发现了。 　　阿格里奇从三岁开始学琴，进步神速，不过当时毕竟是小孩子，练琴的枯燥有时也会让她非常憎恨钢琴。在阿格里奇八岁的时候，她的演奏技巧已经达到了独奏的水平。1949年六月，阿格里奇和布宜诺斯艾利斯管弦乐团合作莫扎特的《第二十钢琴协奏曲》，结果一鸣惊人，甚至惊动了当时阿根廷的总统。据说总统为了让这位神童接受更好的音乐教育，特别将阿格里奇的父亲派驻维也纳，在那里阿格里奇得以跟随钢琴家古尔达继续深造。 　　阿格里奇从小就显露出非凡的音乐天赋，当时著名的阿劳、鲁宾斯坦等钢琴大师在访问阿根廷的时候都听过小阿格里奇的演奏，并给予高度的评价。钢琴家吉泽金在听完阿格里奇的演奏后，还特别叮嘱她的父母亲说，不要对阿格里奇管束的太严，要多给她一些自由，否则很可能会毁掉一位天才的音乐家。在很多人的关怀呵护之下，阿格里奇的演奏技巧日臻成熟，同时她对与音乐也有了更多的理解。 　　1957年，阿格里奇参加了意大利布索尼国际钢琴比赛，在第一轮淘汰赛之后，阿格里奇问几位评委：是再见呢，还是永别？评委回答说，是再见。因为阿格里奇认为自己通不过第一轮比赛，所以根本没有准备第二轮的曲目，在听到评委的回答后，她才开始练习新的作品。最终，阿格里奇获得了这次比赛的冠军。初次参赛的获胜使得阿格里奇信心大增，几周之后，她报名参加瑞士日内瓦钢琴比赛，结果她不负众望，再拔头筹。 　　小时候，阿格里奇想当一个医生，长大后她又想当一个秘书，在业余的时间可以弹琴消遣消遣，她不想当一个职业演奏家，16岁成名之后的经历让她更加坚定了自己的想法，她不喜欢四处奔波，到处表演的生活。1960年，阿格里奇退出舞台，结婚生子，在1965年肖邦国际钢琴比赛之前，她甚至已经有三年没有练过琴了。后来在著名钢琴家阿什肯纳奇的妻子斯蒂芬的劝说和帮助之下，阿格里奇才又重新找到对于钢琴的热情，并再次拿下国际大赛的冠军。　　多年来，阿格里奇凭借她超凡的音乐天赋和精湛的演奏技巧成为了世界瞩目的钢琴家，同时她的我行我素的个性，也受到了人们的关注。据说阿格里奇有一个习惯，就是每次上台演出前一定要用随身携带的镊子，拔掉前额上几根多余的头发才能找到感觉。有一次，演出马上就要开始了，可是阿格里奇找来找去也找不到镊子，结果她一气之下就取消了迫在眉睫的音乐会。 　　阿格里奇临时取消演出的做法是出了名的，而她取消演出的原因也花样繁多，要不就是找不到镊子，要不就是想看一下取消演出的后果，要不就是怯场。还有一种情况她也会取消演出，就是找不到灵感。在阿格里奇心里，她希望每一次的演出都是完美的，甚至一首演奏过多次的曲子，她也不希望重复，而是要演绎出新的内涵。 　　阿格里奇生于阿根廷，14岁到欧洲接受正统的音乐教育，她的演奏独具个人魅力，又具有传统的风范。据说，阿格里奇是欧洲移民的后裔，她自己也说她的老家很可能就在克罗地亚，她的祖上很可能是条顿民族。或许正是由于这样的原因，当阿格里奇在演奏德奥作家激情热烈的作品时，也能淋漓尽致地表现出其中的情感，而不会显得有丝毫的隔膜。 　　阿格里奇的演奏技巧非常高超，而她最厉害的一招就是“快”。阿格里奇不仅读谱快，视奏快，而且她手指的弹奏速度也非常快。比如阿格里奇在演奏李斯特的奏鸣曲时，左手的八个八度，她用不到一秒钟就弹奏完毕。据说阿格里奇的速度要比老牌的钢琴快手霍洛维兹还要快上一筹。虽然阿格里奇的钢琴独奏深受人们的欢迎，但是到了20世纪80年代之后，阿格里奇很少举办独奏会，而是把重心转向了重奏曲上。 　　在阿格里奇的演奏生涯中，曾经有很多的前辈钢琴大师对她进行过指点和帮助，而近几年，阿格里奇也试图通过创立“阿格里奇钢琴奖”等方式，来帮助年轻的演奏家。曾有人问阿格里奇，要想成为一位成功的钢琴家，什么是最重要的？阿格里奇回答说，首先要热爱音乐，要感觉到和音乐在一起时的幸福，其次要有相当的技巧，因为声音是音乐里最本质的东西，而有些声音想要发出来就需要技巧。同时，要想成功，你还要做到与众不同。 　　许多钢琴家在年轻时总是激情四射，而随着年龄的增长，阅历的丰富，他们会变得越来越内省，但是阿格里奇不是这样，从她近几年录制的肖邦，柴科夫斯基的作品中，人们听到的是比以前更为狂放和具有气势的音响。虽然已经年过六旬，阿格里奇热烈的的个性似乎一直都没有改变，而她的琴声也一如她的人一样继续保持着通透率真的魅力。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-6 07:53 PM 编辑 ]

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作者: 音乐情迷    时间: 2010-9-6 08:10 PM

原帖由 J-M 于 2010-9-4 08:57 PM 发表
贝多芬《第五钢琴协奏曲》
柴可夫斯基《第一钢琴协奏曲》
拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》
李斯特《第一钢琴协奏曲》
舒曼《a小调钢琴协奏曲》

被称为五大钢琴协奏曲。这几部作品几乎被所有名家演了个遍，名演 ...

肖邦的钢协、莫扎特的钢协、格里格的钢协、圣桑的钢协、勃拉姆斯的钢协也应该摆在前十位吧

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作者: 音乐情迷    时间: 2010-9-6 08:14 PM

原帖由 J-M 于 2010-9-6 07:49 PM 发表
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毛里奇奥·波利尼 Maurizio Pollini（1942～ ）

　　如果要评选当今国际乐坛10位最伟大的钢琴家，毛里奇奥·波利尼(Maurizio Pollini)一定榜上有名。波利尼1942年出生在米兰。父亲是意大利著名建 ...

太全啦，辛苦楼主了。多谢多谢！

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作者: J-M    时间: 2010-9-7 04:00 AM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---古尔德
格伦·古尔德 （Glenn Gould,1932-1982）
　　相关文章中的介绍：
　　古尔德[Glenn Gould]，一个谜一般的名字，一段不朽的传奇。短短50年的一生中，他的双手在键盘上凿刻出了一个深邃、绚丽的音乐世界。
　　需要事先声明的是，任何试图仅用几千字对古尔德的一生进行哪怕是简略叙述的想法都是不实际的。当然，他首先是一位天才的钢琴家，他同时还是一位深沉的哲人，一个作品虽不多却也耐人寻味的作曲家，一个不可多得的传媒大师……仅就其钢琴演奏而言，在千万听众心目中他就是巴赫的最佳代言人，甚至他就是巴赫的化身。古尔德曾声明，巴赫的作品并不是他的最爱，然而他手下的巴赫却成为千万听众的最爱。事实上从文艺复兴时期的吉本斯到古典时期的贝多芬、莫扎特，从浪漫时期的门德尔松、瓦格纳到本世纪的欣德米特、勋伯格，古尔德无一不倾注过心血.
　　初出茅庐
　　1932年9月25曰，古尔德出生于加拿大多伦多和大多数音乐家一样，小古尔德有幸生在一个音乐气氛浓厚的家庭中：母亲佛洛伦斯是音乐教师，弹得一手好钢琴；父亲也是一名不错的业余小提琴手。家庭的音乐氛围使小古尔德在识字之前就先学会了识谱，并确立了绝对音高感。他和母亲常玩的游戏是，母亲弹出不同的和弦，每次小古尔德都能在房间的另一头凭听觉辨认无误。
　　有了母亲的悉心呵护和指导，小古尔德很快在键盘上找到了自己的理想。5岁的一天，他对父亲说：“我会是个音乐会钢琴家。”音乐对他来说有一种神秘的亲和感，因而学习音乐不是一种苦差，而是一种自然的需要。
　　10岁时，古尔德已完全掌握了巴赫《平均律钢琴曲集》的第一卷。他的父母感到继续教育儿子已力不从心，经过寻访，把他送到多伦多音乐学院的圭雷若教授门下。独具慧眼的教授很快发现这个孩子的独特之处，于是采取了不同寻常的教育方式：没有压制，没有强迫，在钢琴技术的具体问题上，教授允许古尔德与自己争辩甚至不从，师生之间总是去平的讨论、交流，这种富于创造和启发的教育方式对曰后古尔德那种独特的，甚至带有叛逆性的演奏风格的形成，产生了深远的影响。
　　除了钢琴，古尔德还系统的学习了管风琴、和声、对位和音乐分析。他个人认为，管风琴对他产生了重大影响，教会了他去注意低音线条的重要性，并培养了他对巴赫音乐的热爱—毕竟巴赫是音乐史上空前绝后的管风琴大师。当我们聆听古尔德的演奏时，就会发现管风琴带来的这种益处—清晰的低音线条。
　　1945年，多伦多伊顿音乐厅。13岁的古尔德举行了他一生中的第一次公开演出。这是一次管风琴独奏音乐会，巴赫的《g小调赋格》即是演奏曲目之一。他的出色演奏引来了传媒的如潮好评。当地报纸评论:“自始至终他的演奏显露出一个大师般的权威和控制……他从不发生错误。巴赫的《g小调赋格》中的低音踏板清晰如歌……不仅演奏技术令人惊叹，而且解释的深度已臻成熟。”就这样，古尔德的演艺生涯一炮打响了。
　　舞台生涯
　　19岁的古尔德开始了音乐会钢琴家的演出生涯。从家乡多伦多出发，温哥华、卡尔加里、斯特拉福德……年轻钢琴家的足迹踏遍了加拿大几千里国土，他带去的是一场场演绎别具一格的音乐会，留下的是一片片的掌声和赞誉。
　　一位美国乐评家在一次音乐会中停过古尔德的演奏的巴赫《哥德堡变奏曲》后惊叹：“你演奏巴赫的这种方式是从哪儿学的？”此后他在美国一份重要音乐期刊中发表一篇评论：“……听众很快会见到，一位与兰多芙斯卡和塞尔金相比毫不逊色的艺术家。”结果古尔德尚未在美国露面，就已经成了音乐界的新闻人物。
　　年轻的古尔德不失时机的进军美国，在华盛顿和纽约举行了两场独奏会，同样依靠自己无懈可击的演奏迅速打入了音乐圈的最高层。此外，纽约的那一场带给他一个意外的收获：观众席里的哥伦比亚唱片公司古典音乐部主任奥本海姆慧眼识英，与古尔德签约，开始了与他长达28年的合作，此是后话。
　　底特律、匹兹堡、达拉斯……成了名的古尔德穿梭于北美大陆的东西南北。巴赫、贝多芬、欣德米特……古尔德就像一个孜孜不倦的传教士，通过自己的演绎向千万听众进行布道，传达大师们的启示。挑剔的评论界一方面被他的技术和深度所折服，毫无保留的给了他高度的评价；另一方面又对古尔德漫不经心的舞台举止（或者说是怪癖）狻有微词：双手抄在口袋里上台、哼唱、左腿翘在右腿上演奏、左手“指挥”右手……尽管古尔德后来声明这些动作完全是下意识的，没有任何意义。
　　古尔德的名气很快从北美范围内传播到了整个世界。1957年，苏联方面邀请古尔德赴苏演出。他作为东西方之间第一批音乐使者，带去了巴赫《赋格的艺术》、《哥德堡变奏曲》、贝多芬的钢琴奏鸣曲等经典曲目，甚至还专场演奏了当时被苏联当局斥为“反动”的西方20世纪无调性音乐。出乎意料，在那里，等待他的是激动的近乎狂热的、持续鼓掌不肯散场的观众，古尔德则报之以一次次盛情难却的谢幕和马拉松式的返场加演。此后，他又征服了柏林和维也纳这两座音乐之都。
　　以后的几年，古尔德是在繁忙的演出中度过的，每年都要举行几十场音乐会。这样的生活开始变得枯燥，“躲开一会儿”对一个明星钢琴家来说已经成为一种奢侈。舆论越来越苛刻的对待他，特别是对他随意的举止，甚至说古尔德“已经不适合出现在公众舞台上”。同时古尔德本人也觉得，繁忙的演出已经使自己没有时间和精力去仔细思考音乐中更深层次的本质。他开始考虑退出激流勇退，离开舞台。 1962年以后，古尔德举办音乐会的次数明显的减少了。1964年4月10曰，当古尔德在洛杉矶鞠躬告别时，谁也不会想到，他再也没有回到公众舞台上来—古尔德彻底放弃了音乐会。

古尔德为什么能够成为巴赫在20世纪的最佳代言人？也许他们在气质上有狻多相似的神韵。

　　"一个人可以在丰富自己时代的同时并不属于这个时代；他可以向所有时代述说， 因为他不属于任何特定的时代这，是一种对个体主义的最终辩护。他声明，一个人可以创造自己的时间组合，拒绝接受时间规范所强加的任何限制。"古尔德这样评价作曲家理查德·施特劳斯，也许说这是古尔德对自己的评价更恰当些。"他与时代的每一种可能的潮流都背道而驰。" 古尔德这样评价巴赫。这也像是他的自嘲。

　　巴赫的晚年生活在心灵的孤独中。儿子称他为"老古董"，市民们沉醉于歌剧院里充满卖弄的咏叹调，雇主则用斥责回答他的天才……他无意于开创一个新的世界——他自知这不是他力所能及，这不是上帝给他的使命。他把一切余热用去修补那个即将随他逝去的旧世界，让它与自己一起完美的死去。古尔德的一生也生活在孤独中。无论在舞台上他能得到多少鲜花和掌声，无论他的唱片能买多少万张，他都厌倦，都孤独。因为世界上没有几个人能够完全理解他的哲学，就像世纪初的物理界无法理解爱因斯坦和他的相对论。总之他不属于这个时代。他自称是"最后一个清教徒"——声明自己属于过去。总之他不属于这个时代，他是个没有光环的先知——他属于未来。

　　尾声

　　长期劳累的音乐生活，孤独压抑的生活环境，营养不良和乱用药物……这一切都严重损害了古尔德的健康，使他的躯体未老先衰。1982年10月4曰，古尔德因脑溢血去世，享年50岁零9天。

　　在多伦多安乐山公墓，一块钢琴形状的花岗岩墓碑上刻著：格伦·古尔德 1932-1982

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-7 04:10 AM 编辑 ]

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2010-9-7 04:08 AM 上传

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作者: J-M    时间: 2010-9-7 04:10 AM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---古德

曾经获得留声机大奖的版本。古德和伊凡费沙尔合作。关于古德的介绍很少，不过，能获得大奖的唱片肯定是值得一听的

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-7 05:15 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-7 02:45 PM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---卡琴
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卡琴Julius Katchen 1926-1969

　　美国钢琴家，祖先是俄国移民，11岁在广播电台因演奏舒曼作品崭露头角，1941年入哈特福德学院，攻读哲学与英国文学。19岁毕业后得奖学金到巴黎留学，不久在联合国教科文组织举办的艺术节中，11天举办7场音乐会，轰动一时。卡琴是位学者型的钢琴家，对布拉姆斯的作品有独到的理解，他阐释的布拉姆斯钢琴作品全集具有经典意义，他与苏克、斯塔克组成三重奏团被称为“专家三重奏”，他演奏的布拉姆斯作品被公认为最符合作曲家的气质。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-7 03:29 PM 编辑 ]

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作者: TAOGE    时间: 2010-9-7 03:13 PM
谢谢楼主！

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作者: J-M    时间: 2010-9-7 09:19 PM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---基辛
叶普盖尼·基辛（Yevgeny Kissin,1971-）当代著名钢琴家，1971年10月10日生于莫斯科市南，与父母住在一套三居室的房子里。十一个月大就会哼唱出大人弹给他听的巴赫赋格，两岁开始学琴，四岁可以凭记忆弹出整首协奏曲（基辛十岁在学校弹奏莫扎特D小调第二十号钢琴协奏曲，十二岁在全莫斯科爱乐者面前演奏肖邦两首钢琴协奏曲），五岁在格涅辛音乐学校师从他第一个，也是唯一的老师安娜·帕弗洛芙娜·坎特尔，十岁首度在莫斯科与管弦乐团合作，1983年与莫斯科爱乐巡回演出肖邦两首钢琴协奏曲。基辛从来没有参加过大型国际钢琴比赛，但是1983年却应邀在莫斯科柴科夫斯基大赛开幕音乐会中演出。1986年到日本与西欧等地演出并广受好评，1989年开始在DG等唱片公司录制专辑。基辛经常应邀在世界各地举办独奏会并与知名的交响乐团合作，演奏曲目相当广泛，包括从海顿与肖斯塔柯维奇等人的作品。他的音乐以高超的技巧及微妙的情感变化让人留下深刻的印象。

〖演奏风格〗　　基辛属于风格华丽的年轻一代俄罗斯浪漫钢琴家。他技艺超群，对音乐作品的演绎具有权威性，体现出俄罗斯钢琴学派的传统，那是一种感受青春中体验成熟的激情。如同其他俄罗斯钢琴家一样，他也擅长演奏俄罗斯本民族作曲家的协奏曲，从柴科夫斯基到拉赫玛尼诺夫和普罗科菲耶夫的作品都是他经常演出的曲目，并且都已出版了唱片。此外，他的曲目还涵盖了德奥作曲家的大量作品，其中包括舒曼、舒伯特、莫扎特和贝多芬。他演奏的肖邦作品独具一格，在诗意中透出淡淡的忧郁，尤其为世人称道。在群星璀璨的俄罗斯钢琴家中，基辛是为数不多的几个没有在国际比赛中获过奖的人之一。然而，他的影响不在同代人、甚至老一辈音乐家之下，这一方面说明他继承了良好的音乐传统，另一方面也说明他以独特的风格开创新的演奏风格。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-7 09:35 PM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-7 09:38 PM
标题: 基辛的故事
〖传记1〗　　【前所未有的钢琴天才】
　　1971 年 10 月 10 日出生于莫斯科的钢琴家基辛（ Evgeny Kissin ），正是一位钢琴天才！他两岁开始弹奏钢琴， 1981 年（十岁）开始到苏联专责资赋优异儿童的机构上课，同样在那一年基辛在莫斯科举行首次协奏曲演出，隔一年又举行独奏会。 这样的神童，能不称他为天才吗？基辛的父亲是工程师，母亲是俄罗斯的钢琴家，家中有位大他十岁半同时也学钢琴的姐姐，原本母亲要基辛跟父亲一样当个工程师，没想到上帝却替他选择了人生的道路。 在钢琴上的表现超乎一般儿童的基辛，被「选上」送入Gnessin 机构中，与专研资赋优异儿童教育的 Anna Pavlovna Kantor 学琴， Kantor 女士就成为基辛最重要的启蒙老师，同时也是唯一的一位。 Kantor 在基辛成名之后依然扮演他演奏事业上重要的咨询者，她跟着基辛巡回、参与乐团彩排、并建议他钢琴音量与乐团的平衡度。
　　当年基辛学琴时，对一般儿童来说最困难的技巧，对他而言几乎从来不成问题，如何培养耐力长时间久坐在钢琴上，才是困难之处，毕竟小孩子的耐力不能与大人相比。 在俄罗斯钢琴学派系统化的教育下，练琴让基辛的童年时光与一般小孩大异其趣，失去不少欢乐岁月。 虽然目前他们一家人定居纽约，已成年的基辛仍然与家人同住，延续著俄罗斯重家庭的传统。 我们现在可以听到他在俄国境内的录音出自Melodiya 「俄罗斯钢琴学派」第十集， 1984/86 在莫斯科音乐院的现场录音，当时他才十三、十五岁，是被俄国人捧在手掌心的钢琴天才，其中第二十六轨还收录基辛自己创作的两创意曲。 这张录音无疑是基辛未踏出西方世界前的历史记录。
　　【与卡拉扬的缘份 】
　　十二岁的基辛已经有在同一个晚上演奏萧邦的两首协奏曲的记录，合作者是史毕瓦可夫与USSR 国立交响，地点是莫斯科音乐院。 这一场演出可以说是他音乐事业的起飞点，之後他便应邀前往到美国、德国演出， 1985/86 年更到东欧演出。之后，到德国 Gohre 博士的家里作私人演出，当晚他与 Gerhard Oppitz 合作舒伯特《钢琴二重奏幻想曲》的视谱演出，演出的录音带被寄给了卡拉扬，基辛因此被这位指挥帝王邀请到萨尔兹堡演出。 面对如此荣耀，他的老师 Anna Pavlovna Kantor 开始担心，她担心 基辛的准备不够，试图说服他还不应过早在卡拉扬面前曝光，但基辛显得信心十足、从容赴会。见了卡拉扬之后，基辛弹奏了萧邦的《幻想曲》，以及一些狂想曲之类的作品。 卡拉扬要求与他合作布拉姆斯《第二号钢琴协奏曲》，但是很可惜一直到卡拉扬过世他们都没机会过录那首作品。 不过，他们却们录了更精彩的柴可夫斯基《第一号钢琴协奏曲》，当时基辛才十七岁，但是辉煌的录音事业就此开始，西方世界开始惊讶于这颗新星的万丈光芒。 卡拉扬的「钦点」对基辛音乐事业的帮助，如同给老虎加上一对翅膀般， 1987 年柏林音乐节首演、 1992 年赢得葛莱美奖，没有参加大赛得过大奖的基辛凭借着优异的资赋平步青云。他的崛起可以说是一段活着的传奇，几乎没有一位钢琴家像他如此年轻就有这么大的成就与名气。 1989 年卡拉扬死后的纪念音乐会上，基辛弹奏当年第一次与他见面时相同的曲目，缅怀这位生命中的第二位贵人。 此后，基辛与同样被卡拉扬捧红的小提琴家慕特、竖笛家梅耶一样，必须以自己的实力找出路。
　　【俄罗斯钢琴学派 】
　　身为俄罗斯钢琴学派的一员，基辛自然对前辈们有许多想法，他认为自Felix Blumendeld 以降，到 Maria Tudina 、 Heinrich Neuhaus 等人，俄国钢琴家的情感相当丰富，俄罗斯有很好的萧邦传统。 德国钢琴家较重乐曲结构，俄国钢琴家则注重旋律的歌唱性，强调右手的力度，从安东鲁宾斯坦以降都是如此。 另外在共产制度下，资优生的挑选以及严格的教学方法、音色训练都是西方社会无法达成的。虽然当前政治制度瓦解，但音乐体系的传统依然维系着。 相对西方松散的教育体系，老师不允许苛责批评学生，俄国钢琴界面临的问题是人才（师资、演奏者）的出走。 在谈到李希特、吉利尔斯等知名前辈的影响，基辛亲自见过李希特三次，第一次是在音乐会中场，他询问其喜欢的作曲家为何？ 并得到「巴哈、萧邦」的答案。 之后李希特送给他萧邦、舒曼以及当代作曲家巴尔托克、兴德密特的乐谱。 基辛相当称许李希特每天全心投入钢琴弹奏八、九小时，既不教琴、也不指挥的态度。 他特别喜欢李希特弹的海顿、贝多芬、拉赫曼尼诺夫、普罗高飞夫。 的确，基辛的学习过程类似李希特，怪才李希特一直到二十四岁才与Heinrich Neuhaus 正式学琴。 早期基辛在 RCA 录过海顿、莫札特的钢琴协奏曲，您或许可拿来与李希特相比一番。 其实，他自认擅长的作品仍旧以浪漫作品为多，他的萧邦曾被李希特公开赞扬。 难怪基辛在卡内基音乐厅弹奏的两集萧邦作品（已经推出合辑），以及拉赫曼尼诺夫《第二、三号钢琴协奏曲》散发出一股魔力。
　　【大师俨然成形 】
　　基辛并不避讳谈其他钢琴家，说道最喜欢的，已过世的有：拉赫曼尼诺夫、鲁宾斯坦、李帕第、许纳贝尔、季雪金等人，仍活着的则有：齐玛曼、鲁普、布兰德尔、古尔达、阿格丽希。基于深厚的友谊， 基辛曾不只一次想与史毕瓦可夫、麦斯基、贝许梅等杰出的俄罗斯音乐家合作室内乐，可惜大伙都是大忙人，想要找到时间练习、录音并不是件易事。
　　曲目的广度不足一直是基辛为人诟病之处，但是从他近年来的新录音可以看出他逐步拓展中， 1996 年他发行舒曼《幻想曲》、李斯特《超技练习曲》 ， 1998 年则发行贝多芬《月光奏鸣曲》、法朗克《前奏、圣咏、赋格》，以及布拉姆斯《帕格尼尼主题变奏曲》。 其实以他的年纪的优势来论（纪辛今年 28 岁），他有很充裕的时间来慢慢琢磨准备。 自认为幸运不必参加大赛的煎熬即可成名的他，未来要克服的问题其实也不轻松，年龄与技巧都已不再是基辛的优势，音乐深度与内涵才是关键所在，唯有褪去天才的外壳，才有迈向大师之路的能量与动力，而基辛正在这条路上迈进。

〖传记2〗　　【星光璀璨】
　　叶甫根尼·基辛刚27岁，但大师的光环已降临在他头上，他不象他的同龄那样沉溺于青春的梦幻，他为音乐而生，并且看来注定要与音乐相伴终生。
　　1971年基辛出生在莫斯科一个普通知识分子家庭中，这是个生来就十分安静的孩子，没有给父母带来令人烦躁的啼闹。但是身为钢琴教师的母亲很快就发现，这孩子首先学会的是歌唱而不是语言，唯有音乐能使他得到满足。母亲当然希望他将来能成为一名职业钢琴家，不过这是一条充满艰辛的道路，又有多少人能顺利通过呢？最终母亲还是期望基辛能象他父亲那样，成为一名工程师。两岁多一点，基辛就把钢琴键盘当成了玩具，他那双小手几乎在琴键上生了根，津津有味地敲来敲去，那么高兴，那么专注，谁见了都会吃惊，从那以后，他的手指再也没有离开过键盘。在他看来，这是件十分有趣和容易做到的游戏，他天生能感受到很多东西，并不需要去理解什么，这对于一个孩子来说已经足够了。6岁时，基辛进入当时俄罗斯著名的莫斯科格里申专科音乐学院学习，在那里，他遇到了他的启蒙老师安娜·帕夫罗芙娜。事实证明安娜并未看错人，她把她所有的期望与梦想都投入到了这孩子身上，从那时起，就一直在他身边。1991年她随他流亡纽约，4年后与基辛一家定居伦敦。毫无疑问，帕夫罗芙娜对基辛的影响是巨大的，但不是决定性的。这好比那些奥斯卡奖的得主们，在他们成功的后面，还有很多不为人知的耕耘者。除了帕夫罗芙娜，基辛还有一位比他大10岁弹钢琴的姐姐，但是基辛很少提及自己的母亲和这位弹钢琴的姐姐，他甚至认为母亲并未在钢琴上给了他多少帮助。这倒不是说基辛醉心于人们给他的神童之称，他认为他之所以坐在钢琴旁演奏，完全是出于一种本能，一种不断从他心中涌出的冲动，是他的心在告诉他怎样演奏。与其他人不同的是，除了弗雷德里克·肖邦，在基辛心目中几乎没有什么偶像，这位感情细腻的钢琴家始终在基辛的心中有一种令人费解的亲合力，正是肖邦将他引向通往国际钢琴舞台的道路。13岁那年，他在莫斯科音乐学院音乐大厅演奏了肖邦的两部钢琴协奏曲，这是自本世纪初以来这两部协奏曲在此演奏所获得的最大成功，这次演出使得基辛从此登上国际乐坛，他的名气也开始传播开来。1985年他第一次出现在东柏林，随后是日本、西德、法国和英国。1988年，年迈的卡拉扬向他伸出了双手，他被邀参加了柏林爱乐当年举行的新年音乐会。第二年春天他去了萨尔茨堡，为卡拉扬的复活节音乐节助阵。两年后，基辛横渡大西洋，成功地在纽约举办了他在美国的首场音乐会，不久便与父母、姐姐和帕夫罗芙娜移居在这块新大陆上。基辛一家在纽约并未待多长时间，他母亲和那位始终不离开他的钢琴导师很快便厌烦了那里的生活，于是这一家子又打点行装，回到大西洋的另一边，在伦敦定居下来。对于这一点，基辛似乎不以为然，他对纽约并无恶感，在伦敦也感到非常自在，按他自己的说法，他会讲英语，在这两个国家他都不会遇到语言上的麻烦。更重要的是他是他们那个小圈子与外界联系的外交大使，而他的经理能够为他和他的家人弄到工作签证。在英国，他受到前保守党艺术委员会主席高里（Gowrie）爵士的大力帮助。在伦敦，市政厅财务官基辛勋爵发现自己与基辛一家有亲缘关系后，也向他们伸出了援助之手。他在维多利亚大街为基辛一家物色了一套公寓，高大的威斯敏斯特天主教堂就座落在一旁，在它的阴影下，这个俄国小圈子对外界更是充满了神秘感。毫无疑问，基辛是这个家庭的主角，也是我们这个时代的明星，他在全世界不停地演出，他的唱片一张接一张地被卖出，听众为他的演奏感到痴迷，每次演出结束都闹嚷嚷地吵着要他再次出场，有时这种难堪的局面多达十四五次。当然这当中主要是年轻人，他们都把他看作是自己心目中的偶像。除此之外，音乐评论界也普遍认为，基辛的演奏是独一无二的，他将钢琴技艺融合到音乐灵感之中，他使你想起本世纪那些令人敬畏的钢琴泰斗们，诸如：霍罗维兹、里赫特、米开朗杰利、波利尼等。
　　不过，现实中的基辛却与上面提到的形象正好相反，要是你看着他用近似僵硬的步子走进圣詹姆斯宫的拱门，你怎么也不会想到他就是我们这个时代的明星，他机械的动作，一头拖布般的卷发缺乏明星的生气，他的举止平庸而拘谨，说话慢条斯理，这与他宽广、生动自如的琴风形成鲜明的对比，他对肖邦、勃拉姆斯、拉赫曼尼诺夫、舒曼等浪漫派大师钢琴作品的诠释充满了激情，谁也无法理解这相互矛盾之间的联系。这就是基辛，在他漠然的外表后面，总是隐藏着神秘不可知的东西，就连他那弹钢琴的姐姐，也对她这位年轻弟弟的超人才华感到莫名其妙。
　　夜幕降临，各式各样的社交娱乐活动纷纷登场，而基辛却爱在这样的黄金时刻坐在圣詹姆斯宫饭店内接受采访，回答采访者们那些异想天开的提问，问题从他每天的训练时间一直到他的个人信仰，几乎无奇不有。最后还要他站在那儿，穿着他那件棕色的夹克，系着花领带，让摄影师摆弄好一阵子。这个时候的基辛看上去象个无所事事的人，一个毫无感情的人，然而在他内心却装着无边无际的音乐世界。我们还能要求他什么呢，他的音乐对公众来说已经足够了，而且对他来说也是同样如此。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-7 09:41 PM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-7 10:07 PM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---齐默尔曼


克里斯蒂安·齐默尔曼（KrystianZimerman）出生于波兰的扎布热市。自幼跟随父亲学习钢琴。1973年获得波兰全国钢琴比赛第一名，翌年获得波兰普罗克菲耶夫钢琴大赛的金奖。1975年，19岁的Zimermann获得了第九届肖邦国际钢琴比赛第一名，也由此正式步入世界性演出生涯。1976年签约DG，成为该公司专属演奏家。在其他作品方面，Zimermann灌录的德彪西《前奏曲全集》获得了1994年度《留声机》优秀唱片大奖、1995年《爱迪生大奖》中器乐独奏奖。

克里斯蒂安·齐默尔曼（KrystianZimerman）， 1956年出生于波兰扎布热，早年由父亲启蒙开始学习钢琴，1963年在卡托维治音乐院师从杨辛斯基（他也是齐默尔曼唯一的老师），19克里斯蒂安·齐默尔曼 作品75年赢得肖邦国际钢琴大赛第一名（他是一百一十八名参赛者中年纪最小的一位）后开始在世界各地演出。1976年，阿图·鲁宾斯坦邀请齐默尔曼到他位于巴黎的寓所给予宝贵的个人指导，对于齐默尔曼未来的事业影响很大。没多久齐默尔曼就得到与柏林爱乐及阿姆斯特丹大会堂管弦乐团合作的机会，1977年首在伦敦登台，1978年第一次赴美国明尼亚波里斯演出，曲目是肖邦第一号钢琴协奏曲。齐默尔曼于同年在洛杉矶演出肖邦第二号钢琴协奏曲后，被当地乐评人与年轻时期的约瑟夫·霍夫曼相提并论。齐默尔曼在DG留下不少录音，包括独奏与协奏曲，与他合作过的指挥包括卡拉扬与伯恩斯坦。齐默尔曼以诠演古典、浪漫时期的作品最受好评，他擅长演奏舒伯特、贝多芬、肖邦、格里格、勃拉姆斯与李斯特的作品。不过，齐默尔曼近年也把曲目扩展到德彪西、斯特拉文斯基、齐玛诺夫斯基与鲁托斯拉夫斯基等二十世纪作曲家的作品。克里斯蒂安·齐默尔曼的音乐生涯有许多值得注意的阶段，而从这些阶段正可看出一位年轻艺术家如何摸索出适合自己的道路。从早期录音室录音，甚至1975年华沙肖邦大赛实况来看，早年齐默尔曼的音乐诠释都以纯粹钢琴语言为基础，追求技巧精确、音色清晰无瑕。这种情形很容易造成只重视技巧而忽略内涵的印象（虽然齐默尔曼的音乐不完全只靠超人的技巧）。如果看法没有错，一知半解或一味追求音色是不值得鼓励的。从录音来审视齐默尔曼各阶段的变化不是件容易的事，不过却很有意义。　 　　不断自我鞭策是克里斯蒂安·齐默尔曼之所以能在世界各地不断有演出机会与录制唱片的主因，他的行事都经过事前缜密的规画，并且在严格的自我要求下，广博涉猎各领域的艺术风格。原则上，齐默尔曼不同于那些号称随时拿得出三十首协奏曲、十五场独奏会曲目的钢琴家，相反的，不管何种情况，克里斯蒂安·齐默尔曼对每年的演出场次都有一定节制，他要求每场都是最高水平，每首乐曲都经过精心准备，虽然曲目范围会因此无可避免地变的比较狭窄。在自己工作室练琴时，追求完美的克里斯蒂安·齐默尔曼常用摄影机来监督自己（包括影与音）。他用现代科技帮助自己，通过自我反省检讨，使其艺术更臻完美，并借着内心自发的艺术目标使自己能更精确掌握对乐曲的诠释。　 　　在维也纳音乐会现场录制的两首勃拉姆斯钢琴协奏曲里，克里斯蒂安·齐默尔曼的诠释相当小心谨慎，音色有如水晶般透明清澈，在塑造乐曲坚实结构的前提下，审慎投入庄重的活力。演出并录制这两首协奏曲前，克里斯蒂安·齐默尔曼才刚与伯恩斯坦合作录制贝多芬第三、四、五号钢琴协奏曲（也是现场实况录音）。不幸的是，伯恩斯坦在1990年猝逝，两人不及完成全套贝多芬钢琴协克里斯蒂安·齐默尔曼作品奏曲录音工作，而两位艺术家惺惺相惜的友情也因此被迫结束。克里斯蒂安·齐默尔曼先前没有尝试过指挥，但似乎受到伯恩斯坦逝世的影响，他毅然决定由自己担任指挥兼独奏，与维也纳爱乐完成贝多芬五首钢琴协奏曲录音。在齐默尔曼自任指挥的一、二号钢琴协奏曲中，他熟练地掌控钢琴弹奏技巧，展现令人惊异的才能（1991年12月，齐默尔曼时年三十五岁）。这两首协奏曲的录音是为了“纪念伦尼”（伯恩斯坦名字“雷奥纳德”的昵称）。指挥方面，克里斯蒂安·齐默尔曼有意延续伯恩斯坦一贯的风格，呈现与三首后期协奏曲同样的热情与张力，乐句间也特意地加入较多的弹性与即兴。　 　　在伯恩斯坦指挥下，克里斯蒂安·齐默尔曼的勃拉姆斯第二号钢琴协奏曲也有同样的效果。该曲于1984年10月在维也纳录制，同样也是现场实况录音。这次录音可为齐默尔曼如何恣意挥洒弹奏技巧提供左证。克里斯蒂安·齐默尔曼的掌幅极宽，不但能无碍的弹奏出乐谱所要求的繁复音符，更能以优雅的方式让音符吟唱出来，这些正是他最擅长的。更令人赞叹的是，克里斯蒂安·齐默尔曼在弹奏快速的双音阶乐句时，同样也能将它们处理得很好。这次录音从一开场齐默尔曼对法国号精确的响应开始，就显示出克里斯蒂安·齐默尔曼是个既能与乐团融合、又具有主导能力的勃拉姆斯诠释者；这种至高的演奏境界过去不曾在钢琴协奏曲中出现过，尤其是在现场听众面前。

不管是从个别的音符、和声间精巧的平衡，乃至精准的音色控制来总体评析，可以把克里斯蒂安·齐默尔曼的琴艺与意大利钢琴家米开兰杰利相提并论。他们两人都有极度敏感的个性，曲目选舍与诠释上也有许多相通之处。例如：德彪西二十四首前奏曲、肖邦F小调幻想曲和李斯特《死之舞》中流露的能量和气质。无论从其表现的乐曲细节或整体演奏格局，克里斯蒂安·齐默尔曼的肖邦F小调幻想曲似乎想制造一个立即的整体印象。李斯特《死之舞》和德彪西前奏曲（两册作品精选集）的演奏音色则是完美无瑕的，淋漓尽致地表现出乐曲所有细节，让每位听众印象深刻。 　　天性和气质使克里斯蒂安·齐默尔曼演奏李斯特辉煌技巧的〈神怒之日〉主题克里斯蒂安·齐默尔曼作品时，并不会像祈弗拉一样为讨好聆听者的感官而演奏出炫人耳目的火热。克里斯蒂安·齐默尔曼把李斯特这部变奏曲诠释成接连的哲学思考，款款描述关于人世的冷与热、历史的光明与黑暗以及难逃毁灭的人类宿命，并把这些要素塑造成强大的音乐张力。 　　音乐中的图像性、气息和温度都在克里斯蒂安·齐默尔曼的音乐逻辑性下被中和了，但音乐却毫不因为移除乐曲中的火爆气质而降低说服力。他的每一款录音几乎都是对作品的典范演绎，比如贝多芬的全部钢琴协奏曲、肖邦的钢琴协奏曲（2000版）、勃拉姆斯的第一钢琴协奏曲（2005版）和拉赫玛尼诺夫的作品都堪称极品。郑京和与钢琴家克里斯蒂安·齐默尔曼合作，录制了室内乐的里程碑之作：雷斯皮基和理查施特劳斯的奏鸣曲，这张唱片获得了1990年留声机奖，由DG公司在“画廊”系列中再版发行。 　　在德彪西的《前奏曲》中，也可以观察到类似的情形。克里斯蒂安·齐默尔曼并没有被《特耳菲的舞姬们》或淘气的《精灵之舞》迷昏了理智，也没有被最后一曲《烟火》弄得目眩神驰。齐默尔曼演奏时的清晰哲学理念在演奏印象派音乐时也是占上风的。齐默尔曼的演奏艺术告诉人们，如何将勤奋不懈的工作转变成不朽的艺术成果。相形之下，他那些才华平庸的同辈一开始就企盼不切实际的至高境界，到头来却只停留在平庸等级。　谈到克里斯蒂安·齐默尔曼的勃拉姆斯钢琴协奏曲唱片的同时，也必须提到他早期无瑕、智能且富含年轻节制力的降E小调诙谐曲Op.4。DG在1982年展开一项庞大的勃拉姆斯作品录音计划，时年二十六岁的齐默尔曼受托负责演奏三首勃拉姆斯钢琴奏鸣曲、叙事曲Op.10、为左手写的改编《夏康舞曲》、勃拉姆斯自己改写的弦乐六重奏Op.18第二乐章钢琴版。显然地，克里斯蒂安·齐默尔曼在诠释这部表情丰富、尖锐激烈的诙谐曲时，既不妥协也不特意夸张。当年克里斯蒂安·齐默尔曼演奏肖邦时，年轻而严谨的特质同样发散在这部作品中。

克里斯蒂安·齐默尔曼以演奏肖邦得到音乐生涯的真正突破，也就是在华沙肖邦钢琴大赛中赢得首奖，虽然赛前他就已被普遍看好。他那光辉灿烂的技巧、令人折服的说服力和自然度，以及他在舞台上明朗可亲的人格，都极其杰出。然而他却永远谦虚而自信，发出不凡的智慧光采。克里斯蒂安·齐默尔曼的每一款录音几乎都是对作品的典范演绎，比如贝多芬的全部钢琴协奏曲、肖邦的钢琴协奏曲（2000版）、勃拉姆斯的第一钢琴协奏曲（2005版）和拉赫玛尼诺夫的作品都堪称极品。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-7 10:12 PM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-7 11:28 PM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---普雷特涅夫

米哈伊尔·普雷特涅夫（MikhailVasilievichPletnev，МихаилВасильевичПлетнев）1957年4月14日出生于俄国阿甘折（Arkhangelsk），双亲均为音乐家，从小便展露不凡的音乐天分。13岁时进入莫斯科音乐学院(MoscowConservatory)，在名师弗利尔（YakovFlier）与弗拉先科（LevVlasenko）门下学习。1978年，年仅21岁的普雷特涅夫在第六届柴科夫斯基大赛中赢得金牌，让之前已受苏联乐界瞩目的他，进一步受到国际乐界的注意与肯定。 普雷特涅夫与戈巴契夫间的友谊让他有机会在1990年的历史性时刻实现多年的梦想，创办一个完全独立于政府管辖的管弦乐团。在普雷特涅夫声名以及他对未来俄罗斯表演事业型态的眼光吸引下，许多俄罗斯一流的音乐家加入，俄罗斯国家管弦乐团于是诞生。从俄罗斯国家管弦乐团创办开始，普雷特涅夫一直担任乐团音乐总监与首席指挥，并把乐团带入世界一流乐团的领域。当普雷特涅夫把指挥事业全力集中在俄罗斯国家管弦乐团时，他也经常应该担任爱乐管弦乐团、伦敦交响乐团、伯明罕市立交响乐团与洛杉矶交响乐团等一流乐团的客席指挥。从1999年9月起，普雷特涅夫成为俄罗斯国家管弦乐团荣誉指挥，并继续与该团在俄国、世界各地合作与录制唱片。  米哈伊尔·普雷特涅夫作品
　　确立当代最杰出的钢琴家之一的地位后，普雷特涅夫继续定期在欧洲各大重要音乐重镇与音乐节，及亚洲、俄罗斯等地担任独奏与举办独奏会。过去他曾以指挥家身份，带领俄罗斯国家管弦乐团在美国各地演出。而在千禧年里，普雷特涅夫将以钢琴家的身份回到美国，2000年11月在芝加哥、纽约卡内基音乐厅举办独奏会，接着会与克里夫兰交响乐团及史拉特金、美国国家交响乐团合作，并到欧洲各地巡回演出。 　　普雷特涅夫还与史毕瓦科夫、俄罗斯国家管弦乐团在2001年赴美合作庆祝乐团创办十周年系列音乐会。普雷特涅夫曾经与海汀克、夏伊、桑德林、肯特长野、葛济耶夫、贾维、布隆斯泰特及旧金山交响乐团、马捷尔与巴伐利亚广播交响乐团、提勒曼及以色列爱乐、加提与罗马圣塞西利亚音乐院管弦乐团、培希克与捷克爱乐、朱里尼和欧洲室内乐团合作，并与阿巴多、柏林爱乐在1997年柏林爱乐除夕音乐会中携手合作。普雷特涅夫定期受邀与爱乐管弦乐合作，并在阿巴多指挥柏林爱乐下，于1997年除夕音乐会、2000年在柏林爱乐厅举行的著名“欧洲音乐会”上合作，透过电视向全世界转播。普雷特涅夫是爱乐管弦乐团定期合作的客座音乐家，一九九九年在皇家节庆厅与史拉特金、阿胥肯纳吉合作，2000年5月与该团合作得到极度好评的柴科夫斯基钢琴与管弦乐团作品全集音乐会。 　　普雷特涅夫的录音与音乐会演出曲目非常广泛，他为钢琴所改编柴科夫斯基《胡桃钳》与《睡美人》钢琴组曲（这两部作品也都留有管弦乐录音）以及柴科夫斯基第二号钢琴协奏曲、《季节》在1998年被选入飞利浦出版的首批“20世纪伟大钢琴家”系列中；史卡拉第键盘奏鸣曲集（EMI-VirginClassics）则得到1996年留声机唱片大奖。英国BBC音乐杂志称这套专辑“钢琴演奏极为杰出……这套唱片无疑已能确立普雷特涅夫是所知中最伟大的钢琴家之一。”普雷特涅夫于1997年发行在DG的第一张钢琴独奏专辑时，著名乐评人凯泽（JoachimKaiser）表示：“普雷特涅夫对萧邦的不凡诠释令人惊讶到近乎震惊……这是本年度最佳专辑”普雷特涅夫的独奏专辑“向拉赫曼尼诺夫致敬”是1998年在拉赫曼尼诺夫位于瑞士的别墅中，以作曲家所有的史坦威录制而成。这个事件以及普雷特涅夫与俄罗斯国家管弦乐团所诠释的拉赫曼尼诺夫，被收入在帕尔马（TonyPalmer）的纪录片“拉赫曼尼诺夫—回忆”（NVCArts）中。接下来得到高度评价的专辑是由DG在1998年所发行的李斯特B小调奏鸣曲与《但丁》奏鸣曲。普雷特涅夫的录音还有极富想象力与创造性的C·P·E·巴赫键盘乐器奏鸣曲集、葛利格钢琴作品集（包括世界首度录音、七首赋格）。
编辑本段作品评价
　　往前溯源，再看看普雷特涅夫这个人，这位以悬殊差距赢得1978年国际柴可夫斯基大赛首奖的胜利者，举手投足之间并未露出一般艺术家蓄长发、身着奇装的古怪气息，期望看到这种典型的人恐怕要失望了。当普雷特涅夫步上舞台，我们看到一个冷酷严峻、泰然自若而专注地将眼前任务完成的人，用最实际的方式  米哈伊尔·普雷特涅夫作品
演奏：不管是开始的鞠躬或是结尾的掌声，他始终用最简洁的方式与听众交流。地呈现的是艺术个体在社会主义体制下，受到整个系统的隐密控制：不能反应喜怒哀乐的感受，也不能借着音乐表达个人的情感，不难归纳出普雷特涅夫因为整个大环境的限制，不得不“演练”他的专业：无庸置疑地，所有公开的会面及谈话，也全被蒙在意识型态帘幕的背后。我们拿获得1974年国际柴可夫斯基大赛首奖的加里洛夫与他相比，他显然像是个不易亲近的战略者；而加里洛夫则像是个燃了血的战士，在他的演奏里到处听得到夹杂各种极端个性的激烈撞合；下台时．普雷特涅夫一副趾高气晶且滴汗不流的模样：加里洛夫则是精疲力尽却也玩得痛快。随便一眼也认得出他们两位在他们专精领域里不同的音乐张力，但普雷特涅夫的部份都是经过冷静算计的，如此能将他的音乐效果推至一种崭新而独立的次元。在组织完美的技巧、对困难乐句的掌握与旋律对位的冷静分析之外，他拥有对音乐的一股热情，这部分来得更是浑然天成，因为它不用经过装饰。 　　普雷特涅夫并不改写，而是精准地描绘出音乐的本质，他精准而冷冽地检视主题旋律结构的面面观，在时间上达到天衣无缝的密合：不仅如此，他结合不同轮廓，加上听觉的立体感，使得听者也能够享受到对作品结构的一番巡礼。这也正是让我们感受到音乐动荡之处：他理性的架构、对整体的测量，转化成纯粹的热情，如同在冰原上燃起熊熊巨火。这有点像顾尔德在他重实验性质的巴哈作品，例如《平均律》与晚期的《郭德堡变奏曲》里，以完全令人不自在、甚至是不安的方式，达到音乐的精华。普雷特涅夫的庄严与  米哈伊尔·普雷特涅夫
谦逊，表现出音乐的透明，再以专注于想象力的流畅、毫不失误的合弦与直达音乐中心的意念，结合出热力四射的成品。也将焦点放在音乐本身，为了就是使其散发活力，不管在音乐厅或是唱片里，都能将它变为主体，所谓人们热切地讨论“诠释即为再创造的开始”，它牵涉到读谱的正确性、完全服从作曲家意愿、以及按照谱上的记号表现，同时心里尽可能晓通相关的音乐史或美学知识、如此不断累积，演奏者在诠释上才能浮现新颖的自由度，即使是柴可夫斯基利用气候相对应地表达情感的《四季》组曲里，普雷特涅夫的自制与冷酷，是他诠释时展现Z由度的先决条件，同样的状况到了二流钢琴家手中便会流于任性。 　　他的演奏特质，明显可以在柴可夫斯基《第二号钢琴协奏曲》里发现，听起来因此少掉乐曲中某些杂乱的蔓延与喧噪的部分。这并不是说他必须为了这首听众接受度较抵的曲子里负责些什么，在柴氏三首钢琴协奏曲里，《第一号》已经成为通往大师的必备曲目，其中含有最好的曲调，指的是有电影配乐或民谣手法的生动；而《第二号》难在还得流转于强烈的庄严、似芭蕃的嬉游曲与室内乐式的亲昵之间。普雷特涅夫将这些冗长的乐句予以伸缩自如的活力，持绩灿烂的和弦延伸出清新的气息，不只在几个小节而已，整首作品呈现了如呼吸般的韵律感与平衡度。即使是第一乐章的装饰奏，也并未出现比例不均的危险。他知道如何从复杂的和声结构里，带出音乐的讯息，同时完满地表达抒情的美感，即使在发挥高度技巧的段落也能保证如此。多亏超凡的技巧与宏观的审视，即使在慢板段落，他都能抓住音乐张力的弧线，精细微妙的强调分节音、调性记号与桨句的转折，直到乐句的终点。
编辑本段个人评价
　　雷特涅夫是个多才多艺的音乐家，在过去几年来，他一直致力于成为优异的国际性指挥家，也自己建立了俄罗斯国家管弦乐团，显示了他不畏艰难的热情与决心。这方面他和匈牙利钢琴家柯西斯互相激荡，柯西斯在几年前设立布达佩斯节庆交响乐团，和指挥伊凡．费雪合作推广匈牙利音乐。如此的冲击对于艺术团体，尤其是缺乏排练时间与集体官僚心态的大乐团来说，有很大的好处。  米哈伊尔·普雷特涅夫
身为钢琴家的普雷特涅夫，不管是现场演奏会或是唱片目录，他的宝藏一样令人目炫，总结其诠释在许多视野上，他都是个特殊主义者。他最近为DG录制的唱片显现他在肖邦方面的唯美主义，极尽冒险展现出色调与气氛的极端性，就如同不间断地分析贝多芬作品里，最富细致音乐价值的小曲及变奏曲集，和普罗高菲夫里端庄的戏刻变化，在技巧上总能平衡地掌握每首曲子的特殊之处。与其称之为特殊主义，说他会认真看待他所演奏过的曲目远比较正确点。此外，在准备阶段和演奏的霎时，作曲家与作品间的交流正是他所关注的。有时候您会发现有些演奏者在事前声称自己对演奏的内容十分了解，但在演奏当时却转而追求自我的表现，放弃真正能达到完美的境界，这在普雷特涅夫的演奏会上是绝对不会出现的。  米哈伊尔·普雷特涅夫作品
　　他是个彻头彻尾的柴可夫斯基演奏家：以往柴可夫斯基许多钢琴小品都被误以为是感性的沙龙音乐，这并非因为演奏者缺乏对音乐本质的领会，而是因为被情绪化地、技巧不足地演奏所致。普雷特涅夫将其中每个小段落视为小宇宙，将之平衡在具像幻影与徘徊于不可知之间。他把柴可夫斯基《胡桃钳》与《睡美人》的部分乐段改编为钢琴版，也同样蕴含这种张力，当他在柴可夫斯基大赛获胜后不久所录下的《胡桃钳》选曲，其中活泼的进行曲旋律，与引起快意的华尔兹节奏，在1970年代后期曾引起不小的骚动；十年后的《睡美人》选曲依然如此。我们不应该将之视为独立的作曲，而是一个借着十指传达整个乐团份量的钢琴浓缩版。同样地，在这里有着无比的综合性、聪颖的组织能力、在庄严之际展现高度情感，与强烈的旋律。能够控制演奏时的冷静，最后将芭蕾世界的故事转由钢琴娓娓道出，这是具有舞蹈艺术的钢琴家才做得到的事。
编辑本段个人影响
　　不管是钢琴或是指挥，普雷特涅夫的录音或是现场演出，都展现了也是一位优异的柴可夫斯基演绎者。身为钢琴家的敏锐分析能丰富地在指挥时能看透整个作品，而身为指挥家的他则能帮助地在演奏钢琴时展现管弦乐般的色彩。 在许多方面，普雷特涅夫的独特艺术面貌，在近代钢琴史土占有特殊的地位，他是一位接受严谨的训练与准备之后，能在弹奏霎时毫不保留地展现主观意识的演奏者。不同于其它音乐家，他挟着近乎冷酷的从容，迫使我们同意他富原创力的观点，即使人们早已认同其它诠释模式。在精准分析与热力沸腾之间，他能在演奏质量上带来充满魅力的逻辑性，产生独特的声响：而作品本身则以最美好的感觉，散发其生命。

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作者: J-M    时间: 2010-9-7 11:48 PM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---弗莱舍
里昂·弗莱谢尔（Leon Fleisher 1928- ）




美国钢琴家、指挥家
弗莱谢尔师承奥地利钢琴家施纳贝尔十年之久，因此他的演奏与其他美国钢琴家相比，具
有更多的德奥钢琴学派风范。弗莱谢尔的演奏风格综合了知识的力量、热情的情感、优雅
的品位和神秘的美感等多种因素。他认为演奏技巧与个人的音乐观念有关，技术是发出声
音时所有的动作。
弗莱谢尔以自己的卓越才能和高超技艺在众多美国钢琴家中独树一帜。他在音乐的处理方
面有着与众不同的见解，并努力追求音乐中亲切、朴实和纯粹的美，为了实现这一理想目
标，即使右手因病不能弹奏，仍然坚持用左手演奏拉威尔等人专为左手写的作品。他的精
彩演奏倍受音乐界人士的推崇，尤其是他录制的许多唱片更使他当之无愧地进入20世纪著
名钢琴家的行列。

音樂演奏和運動競賽在對於生理條件的需求上，其實相當類似。音樂家們透過自己的手指、手腕、手臂等等的運作，透過樂器轉化為優美的音符，其精密的程度，和運動選手相比甚至有過之而無不及，也因此所謂的「運動傷害」對於一位選手能帶來的衝擊與傷害，也可能發生在音樂家的身上。
1964年，當時在樂壇聲望正如日中天的年輕鋼琴家佛萊雪（Leon Fleisher）在一場音樂會後，發現自己的右手略感不適，本以為稍事休息就能復原，沒想到卻越來越惡化。求診於醫生後，發現他患了局部肌張力不全症（Focal dystonia），在不到一年的時間裡，他就完全喪失了右手彈奏鋼琴的能力。
在受傷之前，佛萊雪被認為是當時世界上最頂尖的鋼琴家之一，他在1952年獲得伊莉莎白皇后大賽的首獎，是第一位獲此殊榮的美國人。佛萊雪的音樂生涯開始很早，他四歲學琴，八歲首次登台，十六歲時就在蒙都（Pierre Monteux）指揮紐約愛樂的伴奏下，演出鋼琴協奏曲。蒙都驚訝於這位年輕演奏家出色的表現，曾稱他是「這個世紀鋼琴界最偉大的發現」，而他和另一位指揮塞爾（George Szell）以及克里夫蘭交響樂團所合作的一系列錄音，至今仍是許多後繼者所參考學習的範例。
佛萊雪師承十九至二十世紀初最偉大的鋼琴大師許奈貝爾（Arthur Schnabel），並深得其真傳。許奈貝爾是公認詮釋德奧派音樂作品如貝多芬、舒伯特、布拉姆斯等人的權威，他在技巧之外，更重視音樂性的呈現，曾留下這麼一段話：「彈奏樂曲中的那些音符，有許多鋼琴家都比我還優秀。但在音與音之間的間隔中，才是藝術真正的存在之地。」而佛萊雪也承襲了老師的音樂理念，即便是在年輕時，就已成為一位技巧與內涵並重的音樂家。

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作者: J-M    时间: 2010-9-8 04:38 AM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---李赫特
贝三
贝3，舒曼钢协
贝四贝五
贝一

20世纪钢琴艺术圣殿的大师级人物大多成名于二战之前。从施纳贝尔、吉泽金到阿劳、米开朗杰里，他们的赫赫之名都是因长年的舞台实践而铸就的。这些大师以自己鲜明的艺术个性耸立在乐迷心中。1995年意大利钢琴家米开朗杰里逝世后，英国一位乐评专家撰文指出：“钢琴艺术万神殿现在只有李赫特这一位大师健在。”1997年8月，李赫特因心脏病在莫斯科离开了人间，自此，钢琴艺术的大师时代宣告结束。李赫特是一位出道较晚的钢琴家。他1915年3月20日出生在乌克兰，双亲都是德国人，而且都是音乐工作者。父亲是管风琴师兼作曲家。

李赫特最初的钢琴技术都是自学的。他曾担任奥德萨歌剧院的合唱指导教师，并立志成为作曲家。1966年他对采访他的记者说：“我在20岁之前及时终止了作曲，而且发誓永远不在众人面前演奏自己的音乐。” 　　19岁时，李赫特举行了首场独奏音乐会，曲目均为肖邦作品。1937年，22岁的李赫特开始接受正规的钢琴教育。这一年，他考入莫斯科音乐学院，师从海恩里希．涅高兹。涅高兹曾培养了一大批钢琴人才，其中包括吉列尔斯、扎克、马里宁等人。 　　在音乐学院，李赫特还与普罗科菲耶夫一起工作，并在1942年首演了他的《第6奏鸣曲》。此后，李赫特还首演了普氏的第7和第9奏鸣曲。1952年，罗斯特罗波维奇在莫斯科首演普罗科菲耶夫的《交响协奏曲》时，李赫特担任客串乐队指挥。 　　1945年李赫特获得苏联钢琴比赛第一名，1949年获斯大林奖金。50年代他在苏联和东欧举行巡回演出，有时一年要演出120场。 　　李赫特40年代开始录唱片。他的唱片量是同代钢琴家中最多的。李赫特本人不喜欢在录音室里演奏。与他共事达37年之久的演出经理杰奎斯．莱萨尔介绍：“在录音室李赫特感到很不自然，因此他的唱片实况录音较多。即使在舞台上录音，他仍要求不要让他感觉到麦克风的存在，录音师们不得不把录音话筒藏在舞台前面的花丛中。 　　李赫特的演出曲目非常庞大，从巴赫的《平均律钢琴曲集》到肖斯塔科维奇的前奏曲无所不包。他的演奏将精湛的技巧和丰富的想象力融合在一起。乐评家们认为李赫特对钢琴音色的控制力是无人可比的。 　　李赫特性情忧郁，生活中的他常常陷入沉思当中。为准备一场音乐会他常常要连续练习10几个小时。 　　由于不习惯坐飞机，直到1960年45岁的李赫特才首次赴美国演出。这次演出引起了轰动。在美国他曾与莱纳指挥的芝加哥交响乐团合作演出。真正使美国人感到惊奇的还是他在卡耐基音乐厅的5场独奏音乐会。第一场他演奏了5首贝多芬奏鸣曲。《纽约时报》评论说：“纽约音乐界的头面人物都出席了这场音乐会，音乐厅在开演前10分钟就已经座无虚席。 　　“音乐会开始时，许多人还对这位苏联钢琴家的实力抱怀疑态度，但10分钟后，这些人都变成了李赫特的崇拜者。人们发现舞台上的李赫特是一位举止高雅，演奏富于诗的意境，并具有高超技巧的钢琴家。” 　　1965年和1970年，李赫特又两次访问美国。1970年4月他与小提琴家大卫．奥伊斯特拉赫联手在卡耐基举行音乐会。不幸的是，这次演出被当地的犹太人因抗议苏联当局虐待犹太人行经所举行的示威所破坏。当时示威者狂叫着涌入音乐厅，冲向舞台。 　　杰奎斯．莱萨尔回忆说：“这场骚乱大大伤害了李赫特的感情，他不是犹太人，而奥伊斯特拉赫是犹太血统。李赫特认为示威者要求大卫反对自己的国家太过分了。”此后，尽管美国音乐界一再发出邀请，但李赫特再也没有去美国演出。 　　李赫特与苏联领导人的关系长期不明朗。他不属于持不同政见者行列，尽管1960年他曾在受到批判的作家帕斯捷尔纳克的葬礼上演奏，以表示对死者的哀悼。这种行为在当时是需要勇气的。此后几年间，李赫特在美英等国的一系列演出计划被取消，其中包括1962年出席伦敦爱丁堡音乐节。苏联文化部门提出的理由是：李赫特身体欠佳。 　　乐评家舒恩堡在探到他对1960年5场音乐会的总体印象时说：“在吉泽金之后，没有人像李赫特那样将拉威尔的作品演奏得如此迷人。他（李赫特）既有非凡的技巧，又可以在钢琴上营造出辉煌的气氛，但他的演奏基本上是内省、沉思型的。” 　　《格罗夫音乐辞典》对李赫特有这样的记载：“他的完美技术，使他有充分自由在音乐中表达自己的创造力。他演奏中的色彩变化与众不同，每一首乐曲从头至尾都有他的个性存在。” 　　李赫特身体很壮，有一双大手。他在上台时经常不理会热烈的掌声，直奔钢琴，并迅速沉浸在音乐中。 　　李赫特是一位博学的艺术家，他能流利地讲法语和德语。收集艺术品和装饰物是他的一大爱好。他存有不少俄罗斯画家的真迹。李赫特自己也是一位业余画家，其画作颇有印象派特征。 　　晚年，李赫特常与朋友们一起进行沙龙式的演奏。他的音乐生涯直到1995年他进行心脏手术后才真正停止。对有才华的青年演奏家给予忠告，但他对钢琴教学没有兴趣。1963年，李赫特曾对记者说：“琴技巧我只学了一点皮毛，那有资格去教别人呢？”

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作者: J-M    时间: 2010-9-8 04:48 AM
标题: 贝多芬第五钢琴协奏曲---范 克莱本


范·克莱本（Uan·Cliburn1934-）美国钢琴家。克莱本一生充满了传奇式的浪漫色彩，四岁即登台演出，十三岁实在德克萨斯州的钢琴比赛上获奖后受聘于休斯敦交响乐团担任钢琴独奏。1958年参加莫斯科柴科夫斯基国际钢琴比赛，荣获一等奖，蜚声国际乐坛。因为他是在苏联发射第一颗人造卫星后第一个美国人在苏联获得如此巨大的成就，因而成为美国的宠儿，在他回到纽约时，像凯旋归来的英雄一样受到市民的夹道欢迎和总统接见。克莱本在青年时期就掌握了扎实的演奏技巧，具有简朴热情的演奏风格，在他演奏的黄金时期，有着高妙无暇的技术、如诉如歌的音色和出神入化的音乐表现力，擅长演奏浪漫派的作品。而遗憾的是，到60年代中期他的演奏没有进一步的发展和提高，失去了新鲜感，往往单凭直觉而又矫揉造作，声音也变得粗糙，以至他的本人的演奏，似乎只是昙花一现已成了历史陈迹。1962年在德克萨斯州沃恩堡创立了以他名字命名的克莱恩国际钢琴比赛

克莱本的母亲是位钢琴教师，曾经跟随阿图．弗利德海姆（李斯特的学生）学琴。克莱本十二岁在美国国家钢琴大赛青少年组获奖，三年后进入纽约茱丽亚音乐院师从名师罗西娜．列文涅，1954年以柴可夫斯基第一号钢琴协奏曲(密特罗普罗斯指择)首度在卡内基音乐厅演出。由于美苏间持续冷战，当克莱本于1958年得到莫斯科第一届柴可夫斯基钢琴大赛冠军后，立刻成为美国人民心目中的「人民英雄」。接下来的几年里，克莱本的生活都是演奏与录音，也使他成为名闻全球的钢琴家。七○年代中期，克莱本忽然从音乐会舞台上引退，1987年在白宫欢迎弋巴契夫的场合上演出后，克莱本成功的在莫斯科与列宁格勒举办音乐会，1994年开始中断长达十八年之久的巡回演出。克莱本的技巧精湛，在事业全盛时期，他最擅长以如歌的方式演奏浪漫派乐曲，特别是柴可夫斯基与拉赫曼尼诺夫的作品。

虽然克莱本在1954年赢得列文屈特大赛后立刻与美国最大的经纪公司签约，他的传奇故事却是从俄罗斯开始。1958年，二十四岁的克莱本到莫斯科参加第一届柴可夫斯基国际钢琴大赛。带着金牌回到美国时，克莱本立刻受到美国人民英雄式欢迎。自从林白1927年首度完成单人横渡大西洋不着陆飞行，或是麦克阿瑟被杜鲁门解职后，美国人的情绪已经好久没有那么激动了。 　　赢得比赛后，克莱本不再只是个单纯的钢琴家，他成了美国在冷战时期超越苏联的象征之一。就在克莱本获奖前一个月，苏联发射全球第一颗人造卫星「史普尼克」。当然，克莱本的获奖不只有政治意义，他是个优秀的钢琴家，除了技巧扎实、诠释富有想象力，「弹琴」对他而言并不是老套的例行公事。克莱本早期的音乐倾向浪漫温文，有如在音乐中飘荡着一股清新的微风。获胜归国后，克莱本成为举世闻名的钢琴家，从美国堪萨斯首府托皮卡到日本东京，他举办上百场音乐会，而他录制的柴可夫斯基第一号钢琴协奏曲也是首张销售突破上百万张的古典专辑。

　克莱本在1978年忽然退出乐坛，主要的理由是他想充份休息并享受生活。在这之前，他已经不间断地演出二十年了！克莱本一退隐就是十年，「我知道迟早有一天，我得为自己休息一下。」克莱本回忆道：「甚至赴俄国比赛前我就说过：『我知道往后一生都会很忙录，但是我想在中途好好休息一会儿，因为我明白再来的日子会比先前更艰难。』忙于演奏时，你会有很多事想做却找不到时间完成。我想听更多歌剧、欣赏更多好友的音乐会，我希望能轻松自在的旅行而没有演奏的压力，我还希望享受生活。不过说实话，我自己也没想到这个『中场休息』居然会长达十年。我想，最主要的原因或许是我喜欢这样轻松简单的生活，在这段期间，我总会被类似『范．克莱本隐居』这类的文章吓到。而我总是说：『哎呀！他们根本不了解我，我的生活离隐居可差远了。我喜欢社交，我喜欢接近人群，而我认为他们也喜欢我。大家还是可以经常看到我，只不过我没有上台演出罢了。」 　　1987年，美国总统里根为了在白宫接待戈尔巴乔夫，特地邀请克莱本到白宫演出这时，克莱本觉得他已经可以随时再度步上舞台。「事实上，」他说:「我已经备妥一阵子了。我总是弹给自己听，但是直到(重回舞台)前一年，我才正开始认真练习，我想，我是在等待重返舞台的好时机，这场白宫音乐会。……记得那天晚上，所有事情都是那么温暖体贴而又让人兴奋，当我向众人鞠躬时，戈尔巴乔夫对着我微笑，让我忐忑不安的心一下子轻松不

第二天，克莱本为戈尔巴乔夫演奏的录像带立刻传遍全球各地，但偍他仍然没有立刻全心投入音乐会演出。1989年，戈尔巴乔夫夫人邀请克莱本到俄国为她支持的慈善机关演出。克莱本欣然同意并于1989年夏天到俄国与费城管弦团合作柴可夫斯基与李斯特的钢琴协奏曲。 　　克莱本的生涯再度达到高峰，他的风格比以前更大胆、自信而且华丽。如果要回顾克莱本早年的丰采与成就，一定得提到他在1994年逝世的母亲瑞尔蒂亚。她是克莱本第一位钢琴老师，克莱本总是称呼母亲是「激励我演奏的人」。 　　瑞尔蒂亚曾经跟随阿图．弗利德海姆(李斯特的学生)学琴，也是她决定让克莱本进入纽约茱丽亚音乐院师从资深钢琴名师罗西娜．列文涅。克莱本1934年7月12日出生于美国路易斯安那的士里波特，四岁第一次登台演出，克莱本表示:「母亲希望我能传承俄罗斯演奏传统。记得吗?弗利德海姆第一位钢琴老师就是安东．鲁宾斯坦。他同时受到鲁斯坦与李斯特两系的熏陶。母亲听闻列文涅夫人与她的先生约瑟夫大名已久，她十分钦佩列文涅夫人，她爱她，她觉得只有列文涅夫人才有资格当我的老师。」是列文涅夫力劝克莱本到莫斯科参赛，「我觉得他们会喜欢你的演出。」她告诉他。从俄罗斯凯旋胜利回到美国后，克莱本录下他最拿手的柴可夫斯基第一号与拉赫曼尼诺夫第三号钢琴协奏曲，指挥都是孔德拉辛。孔德拉辛不但是克莱本在莫斯科参赛时最后一轮协奏曲的指挥，回到美国后，他在卡内基音乐举办的音乐会也是由孔德拉辛指挥。「拉赫曼尼诺夫的协奏曲是音乐会实况录音，」克莱本说：「而柴可夫斯基的协奏曲是几天后某个下午在四十二街一栋很大、曾经是舞厅的房子里录音。不过，录音并不顺利，所以我说：『我们到卡内基吧！』卡内基只有当晚有空，而孔德拉辛和我都是夜猫子，因此我们从半夜一直录到凌晨四点。这段时间正适合（我们）工作。」

俄国演奏
　　当克莱本在1960年回到我俄国演奏时，他的音乐艺术已经相当成熟。他在俄国弹奏拉赫曼尼诺夫第二号钢琴鸣曲。这首作品完成于1913年，由于结构杂，它被称为是一首「没有乐团的协奏曲」。拉赫曼尼诺夫对这部作品并不满意，同年又把它修改比较没有那复杂的新版本。然而，克莱本在这里却大部份采用原始版本，只有少部份变更为他认为更贴近拉赫曼尼诺夫原意的第二版。两版合并的结果，全曲更加洋溢着克莱本式的浪漫。 　　约在七○年代早期，克莱本在位于纽约的RCA录音室录下多首柴可夫斯基与拉赫曼尼诺夫的作品。他挑选八首拉赫曼尼诺夫的前奏曲、一首《图画练习曲》(们作品三十九)。除此之外，他还从柴可夫斯基迷人的钢琴小品《季节》中选出两首。这些录音仍然充满克莱式的热情，而在拉赫曼尼夫著名的升C小调前奏曲(选自作品三)中，克莱本的演出有如莫斯科的钟声，色彩十分丰富。

彼得堡演出
　　1989年回到莫斯科与彼得堡演出后，克莱本并没有再度退隐。现在，他每年至少会举办十二场以上的音乐会，演出地点从美国广至日本。对克莱本而言，生活似乎变得愉快多了。除了再振声名，他终于在德州佛特沃斯定居下来，而这里也正是每四年举办一次的范．克莱本国际钢琴大赛大本营。 　　现在，克莱本住在一栋三层楼高的宅邸，屋内可以眺望整座城市，房子周围铺满草坪，除了温室，还有奥运标准尺寸的游泳池。「就像神带我到这儿，并让我找到这栋房子。我像一只储存东西习性的狐尾大林鼠，我的东西都是散落在家中，我没有扔过任何一件东西，因此住在纽约的时候，得有十五间旅馆房间才够装下我所有的东西。朋友说，要我出门实在很难，他们说的没错，我的个性是有些孩子气，朋友都知道我每年都等不及就想动手拆掉圣诞节的装饰品。每年我得(向朋友)保证，一定会在情人节过后才拆除，不过我很少遵守承诺。这也是我拒绝长大的例子之一。」

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-8 04:49 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-8 04:54 AM
标题: 贝多芬钢琴协奏曲---哈斯基尔
http://www.douban.com/group/topic/3836994/


贝多芬第三第四钢琴协奏曲

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-8 05:11 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-8 05:12 AM
标题: 贝多芬第五钢琴协奏曲----傅聪


1934年生于上海，8岁半开始学习钢琴，9岁师从意大利钢琴家梅百器。1954年赴波兰留学。1955年3月获“第五届肖邦国际钢琴比赛”第三名和“玛祖卡”最优奖。1959年起为了艺术叛国出走，轰动一时，此后浪迹五大洲，只身驰骋于国际音乐舞台，获得“钢琴诗人”之美名
钢琴，是傅聪的终身“情人”；音乐，是他灵魂的避难所。早年傅聪前往波兰学习时，父亲傅雷临别赠言说：“做人第一，其次才是做艺术家，再其次做音乐家，最后才是做钢琴家。”50年后，傅聪正朝着父亲的意愿走来。他的身上，有着中国文人的傲骨和音乐家的悲情

过去，对时间一向吝啬的傅聪，每天近11个小时与钢琴“促膝谈心”，而且绝不允许任何人打扰。上了年纪后，他逐渐把练习时间缩短为6小时。他说，自己天生手硬，从小童子功又没练好，所以一日不练就不行。弹琴时，傅聪常常自得其乐，“这是上天给我事业的一种特殊眷顾！”对音乐，他像基督教徒对待《圣经》般虔诚。 　　年届70，傅聪依然出现在世界各国的知名音乐厅里、大师班上。这个享有世界声誉的钢琴家说：“我是钢琴的奴隶，更确切地说是音乐的传教士，人生的大半辈子消磨在琴上，太辛苦了！但我还没有退休的计划。”与上海音乐学院签了3年合约后，傅聪定期给钢琴大师班授课。如今“傅爷”的尊称，已在校园内传开。老师与学生都喜欢听他上课。“傅爷”诠释的肖邦、莫扎特、德彪西，有一种让人难以捉摸的深度和古典美。 　　傅聪在国际乐坛受尊敬的程度，远远胜于其他大师。上世纪六七十年代，他曾是美国《时代周刊》以及许多重要音乐杂志的封面人物；直到现在，世界上很多钢琴家仍常常向他求教；世界重要的国际钢琴大赛，他是理所当然的评委。傅聪说：“只要我多活一天，就越发现音乐的高深。我觉得，60岁以后才真正懂得音乐！”

傅聪的情感世界，孤独而多彩，但永远对外人封闭。不过，朋友还是透露了他的一个小秘密。在傅聪卧室的床头，挂着一幅初恋女友的素描画像。那是早年傅聪前往波兰学习时，女友亲笔画好后送给他的。没想到，这幅素描画像竟成了他一生美丽的记忆。1959年，其父傅雷被划为右派。女友偷偷写信将发生的一切告诉傅聪，并告诫他不要回来，否则他的艺术就完了！正是这封信，促使傅聪出走，爱他，就放他远走高飞，这就是那个时代悲剧。而傅聪因此成为一个世界级的钢琴大家。 　　虽然傅聪没有证实这个“秘密”，但他还是解释了当时出走的原因：“我出走的时候，心情很复杂，因为那时候国内没有艺术，而我离开艺术就没法活下来！”去国千里，傅聪将思国之情与无奈悲哀，全部融化在他弹奏的肖邦乐曲中。1960年，他的音乐感动了诺贝尔文学奖得主赫尔曼·黑赛，黑赛写下一篇名为《致一位音乐家》的文章，还亲自把文章印了一百多份分发给朋友。 　　浪漫、唯美的天性让傅聪经历了3次婚姻生活。后来，在钢琴家鲁普的介绍下，傅聪结识了在香港长大的钢琴家卓一龙，两人结婚后，傅聪漂泊的“航船”，才停靠进了平静的港湾。现在，一家四口生活在伦敦，其乐融融。遗憾的是他的两个儿子尽管非常喜欢音乐，却没有继承他的“衣钵”。

谈到傅聪，很难回避《傅雷家书》。“我觉得许多人老是问我家书的事，好像我还是个小孩子似的。我已经不再是‘家书’中的小孩子喽，老夫望七了！”傅聪说。 　　当我们还在捧读《傅雷家书》时，傅聪已经渐行渐远，自成一“家”———一个性格独特、博学多才、愤世嫉俗的世界闻名的大钢琴家。他的身上，有着鲜明的双重叠影：音乐的傅聪和人文的傅聪。音乐的傅聪，充满着诗情画意和幻想，被称为“钢琴诗人”。他的琴声中，有一种纯净、质朴以及神幻般的古典美；而作为人文傅聪，他对中国传统文化涉猎甚广，他学识渊博，且直言不讳。他的身上，有着矛盾的两重性：叛逆和顺从；细腻和粗犷；正直与宽容；诗情与悲壮。

幸运与痛苦常常是一对形影相随的孪生子。２０岁的傅聪，是令人羡慕以至嫉妒不已的幸运儿。连音乐学院的大门都未曾进去过的他，硬是凭着自聘导师指点，靠着汗湿琴凳苦苦练习拼出来的；何况，在１９５４年出国留学如同稀有元素，只有尖子中的尖子才有这样的希望。他，居然被文化部选中，派往波兰深造。 当时，他正处初恋之中。离别，给他带来无穷无尽的思念。他回首往事时，曾用这样一句话，表达自己对于初恋的感情：“只有初恋，才是真正的爱情！”青梅竹马，那种纯真的爱，永远给他留下“美丽的回忆”。 傅雷知道儿子在波兰刻苦练琴之余，陷入了感情的痛苦之中。确实，知子莫若父。而傅雷正是以自己在爱情上的深刻教训，为儿子指点迷津。傅雷如此告诫儿子：“热情是一朵美丽的火花，美则美矣，奈何不能持久。”“世界上很少如火如荼的情人能成为美满的、白头偕老的夫妇的。” 　　不久，命运的旋律急转直下，父子俩同遭厄运，无暇再讨论恋爱观问题了。傅雷，蒙受历史的误会，被错划为“右派”；傅聪，因女友的信，从波兰出走英国，与家中断绝音信。有国难回。傅聪只好从此侨居英国伦敦，以琴艺谋生。“云山万重隔，音信千里绝。”。失去了祖国，失去了家书，失去了恋人，傅聪陷入深深的孤寂之中。幸亏，由于周恩来总理和外交部长陈毅的关怀，让傅雷继续与傅聪保持通信。傅聪从家书中得到慰藉，略解相思相忆之渴。
　以世界作为舞台，傅聪“跑码头”，在一个又一个国家登台献艺。他结识了许多著名音乐家，并常同台演出。美国小提琴家梅纽因的琴声，使傅聪倾倒。他的坦率、幽默和高深的音乐修养，使他们结下忘年交。 　　同时，傅聪也跟这位著名的小提琴家的家庭，有了不寻常的关系。他，爱上了梅纽因前妻诺拉的女儿弥拉。在来到伦敦１年零８个月时，傅聪在家书中向父母透露了喜讯，顿时使傅雷夫妇说不出的欢喜和兴奋。 傅雷，这位充满父爱、对儿子关怀备至的翻译家，放下手头的笔耕，给傅聪写去长信，告诉他应当如何选择终身伴侣： “深思熟虑，然后决定，切勿单凭一时冲动”；“我觉得最主要的还是本质的善良，天性的温厚，开阔的胸襟。有了这三样，其他都可以逐渐培养”；“对方把你作为她整个的世界固然很危险，但也很宝贵”三个多月后，２６岁的傅聪和２１岁的弥拉举行婚礼。 　　小两口最初的共同生活是甜蜜的。弥拉是一位阅世不深、单纯天真的姑娘，就是脾气有点急躁。傅聪辛勤地练琴，忙于演出，往往使她感到孤独。 婚后三年多，弥拉有喜了。孩子尚未出世，傅雷便已给孩子取好名字——生男孩叫凌霄，生女孩叫凌云。凌霄是一种艳丽的黄花，傅雷非常喜爱。傅雷夫人则忙着给未来的小孙子（小孙女）织毛线衣。一个中西混血儿出世了。小家伙给小家庭带来了欢乐。 　　傅雷夫妇盼望着有朝一日与未曾谋面的儿媳妇、小孙子骨肉团聚。他们常常梦见弥拉、凌霄忽然出现在上海江苏路家中。 “文革”撕碎了一切梦。1966年9月3日凌晨，傅雷夫妇戴着沉重的精神镣铐，自杀离开了这个世界，团聚之梦化为泡影。两个多月后，傅聪从一位法国朋友那里得知噩耗，天旋地转，热泪纵横

十多年后，傅聪和弥拉的家庭破裂了。用傅聪的话来说，缘由是“终因东、西方人秉性差异太大”。傅聪在极度的苦闷之中，有过一次草率婚姻。他选择了一位东方女性——南朝鲜驻摩洛哥大使的女儿。傅聪的第二次婚姻很不幸。用他自己的话来说：“我们结婚３个月便无法共同生活了……３个月，短暂的婚姻。” 仓促的结合，导致迅速的离异。 他，又成了形单影只的独行者，在人生的道路上踽踽而行。 终于，一位中国女性的琴声，引起他心中的共鸣。 她，卓一龙，一位出生在“琴岛”——厦门鼓浪屿的女钢琴家。她是一位从小便在琴声中长大的女性。她的父亲是当地富商，曾任亚细亚石油公司经理代理人。母亲叫周默士。后来她随父母去香港，仍不断练琴。她终于获得了奖学金，到英国皇家音乐学院和巴黎音乐学院深造。琴为媒，同为钢琴家，同为炎黄子孙，傅聪和卓一龙相爱了。他们开始了共同的生活。１９７４年，她和傅聪有了第二个儿子。傅聪无法再请父亲为儿子取名，就用当年父亲“备用”的另一个名字——凌云，作为第二个儿子的大名。 　　傅聪四口之家，生活在伦敦。１９７９年，在祖国挣脱“文革”噩梦之后，傅聪回到了上海，出席了上海文联、上海作家协会为傅雷夫妇举行的追悼会。１９８２年，傅聪带着夫人卓一龙、次子凌云从英国来到北京。岁月飞逝。如今，傅聪年近花甲，和卓一龙一起住在伦敦一幢三层小楼里。他在弹琴之余，喜欢看网球。他为两个儿子的成长感到欣喜。遗憾的是，在琴声中长大的两个儿子，没有一个继承他的衣钵

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-8 05:16 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-8 05:28 AM
贝多芬的钢协是我最喜欢的作品。因此花了比较多的篇幅。以上提到的演奏者，也演奏了其他一些著名的钢协，后面将会逐一提到。

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作者: myzcj    时间: 2010-9-8 02:48 PM

原帖由 J-M 于 2010-9-6 07:09 PM 发表


我买的是怀尔德的那套拉赫玛尼诺夫钢协全集，收录了帕格尼尼狂想曲。CHANDOS唱片

谢谢答疑了

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作者: J-M    时间: 2010-9-10 05:42 AM
C大调第一钢琴协奏曲


　　C大调第一号钢琴协奏曲,作品完成于1798年，并于当年在布拉格首演。虽名为《第一号》钢琴协奏曲，却比他的《降 B大调第二号钢琴协奏曲》的完成要晚三年，只是由于前者出版早而被定为第一号。从作品本身来看，第一号比第二号要成熟许多，在管弦乐法上，本曲已加入了单簧管、小号与定音鼓等乐器。这部作品是贝多芬年轻时代的代表作之一。

　　全曲共分三个乐章：

　　第一乐章 灿烂的快板，C大调，4/4拍子，协奏风奏鸣曲形式。音乐意气风发， 主部主题坚定有力，副部主题优雅柔美。 整个乐章旋律虽然平稳，但渐渐装饰得异常华丽，主奏钢琴的技巧性很强。

　　第二乐章 最缓板，降A大调，2/2拍子，三段体。 曲调抒情、柔美，平缓如歌的主题平和、安宁，充满希望。

　　第三乐章 诙谐的快板，C大调，2/4拍子，回旋曲形式。主奏钢琴若无其事地奏出了回旋主题，显得非常轻快，错落有致的节奏显得朝气蓬勃。随后是管弦乐充满气势的反复，主奏钢琴在发展部分，充分体现出作者日趋成熟的作曲技巧。最后，在一种排山倒海的气势之下，全曲结束。


c小调第三钢琴协奏曲

　　c小调，第三号钢琴协奏曲，本曲是贝多芬最早发挥其创作潜力的作品， 而他本人对此曲也充满自信。与贝多芬以前的作品相比，此曲的管弦乐部分已逐渐具有交响曲的韵味，主奏钢琴也能发挥出钢琴本身独特的风格，这两者浑然融合，构成宏伟的协奏曲。在这首作品中，他以往的钢琴协奏曲里的柔弱、单薄已荡然无存，全曲洋溢着年青力壮的粗犷男性的作风。这首《第三号钢琴协奏曲》，显示出贝多芬的作曲手法已"更上一层楼"。而贝多芬的交响曲世界，也因此而向前迈出了一大步。

　　全曲共分三个乐章：

　　第一乐章 灿烂的快板，c小调，2/2拍子，协奏风格的奏鸣曲形式。 整个乐章的第一主题，由木管部分奏出，然后才由全体管弦乐合奏发展；第二主题由第一小提琴与单簧管演奏，主奏钢琴随后出现，与管弦乐互相展开对话式的发展，显得威风堂堂（片段1）。

　　第二乐章 最缓板，E大调，3/8拍子，三段体形式。 乐章主题由主奏钢琴静静地呈示，如祈祷般复杂、深沉的情绪回荡其间，更有醇厚的和弦来加强乐曲气氛（片段2）。

　　第三乐章 快板，c小调，2/4拍子，回旋曲形式。 乐章主题首先由主奏钢琴呈现，给人以疾步攀登山坡般的急促感觉，继而由双簧管予以反复和发展（片段3）。 乐章在进入回旋主题后，作为终结部的基础，灿烂地结束全曲。


贝多芬的《第四钢琴协奏曲》于1808年12月22日首演于维也纳，由作曲家本人担任独奏。同时上演的曲目还有他的第五(《命运》)、第六(《田园》)交响曲，《合唱幻想曲》《C小调弥撒》的片断，及一首即兴创作的《键盘幻想曲》和一首咏叹调——Ah!Perfido。这首协奏曲的非公开首演时间应前推至1807年3月。
《第四协奏曲》或许是贝多芬那一时期最为庄严的钢琴作品。末乐章音乐从一个“错误”和弦——C大调主三和弦上展开。这恰是一记妙语!它在贝多芬另外一首作品——《拉苏莫夫斯基四重奏》(OP·59之2e小调)中也有体现。借用这个“错误”和弦，作曲家得以顺畅转调，从而使音乐在整个乐章间展开，并最终循环回归主题。一个最初呈示的、深具潜力的乐思，在乐队全奏与演奏家独奏的轮回中，爆发出内在潜藏的弦力，给人以极大的精神享受。第二主题，贝多芬最大程度地发挥了那个时期钢琴的持续踏板，使有限的音乐素材与整个乐队织体产生共鸣，将外在的热烈与内在的热情恰到好处地融为一体

第五钢琴协奏曲

《降E大调第五钢琴协奏曲》又名《皇帝协奏曲》。“皇帝”的标题，不是贝多芬自己起的，是因为乐曲本身组织庞大，壮丽宏伟，使人联想到皇帝的威仪，令人肃然起敬，因此被世人称为《皇帝协奏曲》。

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作者: J-M    时间: 2010-9-10 01:36 PM
标题: 柴可夫斯基钢琴协奏曲
柴可夫斯基創作了三首鋼琴協奏曲，以1874年的第一號降B小調最受歡迎。它的創作過程和音樂本身一樣充滿戲劇性，這首鋼協對我而言仿若柴可夫斯基一生的縮影。這協奏曲交織了許多令人秉息的美麗弦律與和聲，它的偉大在於它的真誠感人。相較於當時國民樂派的時代背景，它卻追隨十九世紀的浪漫風格。基本上，這就是柴可夫斯基的靈魂。他說﹕"我之所以創作，乃因為經由音樂我可以充分宣洩我的情感和感受。"他一生固執他想表達的，最能讓他用音符捕捉情感的形式就是他的題材，是古典也好；是浪漫也行。鋼協一號問世的過程十分坎坷。原先柴可夫斯基欲將此曲獻給當代偉大的鋼琴家 -- 尼可拉斯˙魯賓斯坦，未料魯賓斯坦閱過樂譜後卻給予無情的貶抑。大鋼琴家認為這是一首無法演奏的樂曲，批評它的結構鬆散內容貧乏。柴可夫斯基盛怒之下撤銷給魯賓斯坦的呈獻；完成管弦樂部份；轉而獻給德國大鋼琴家 -- Hans von Bulow。1875年Hans von Bulow 在美國波斯頓完成首演並大獲成功。挾其威嚇國際的聲名再回到俄國，令本土音樂界眼睛為之一亮。尼可拉斯˙魯賓斯坦也坦承誤判之謬。而今爾後，柴可夫斯基的第一號降B小調鋼琴協奏曲則是所向披靡。

對我而言，柴可夫斯基不若馬勒 -- 借著音樂闡述生命的哲思；也不像布魯克納--傳遞對上帝的虔敬。音樂是柴可夫斯基抒發個人情懷的管道，或許因為他讓人直接接觸他最隱密的空間，或許他的音樂未曾足夠揭露他個人蛻變的過程，所以在音樂史學上，有些學者認為他的音樂雖美，但他的創作格局卻不夠恢宏。如附在CD的說明冊頁所言，這首鋼協並非純鋼琴的炫技而已；悉心精緻的管絃樂部份緊貼著鋼琴獨奏，忽而潛行，忽而與鋼琴合而為一 優美淒切的弦律與圓潤的和聲交融化成絕美的詩篇，結構上它是古典的；它取材自俄羅斯民間的歌謠；情感的堆疊則是個人主義的浪漫樂風；這樣縝密的結合基是柴可夫斯基的創作靈魂。三個樂章由快慢快組成，快版樂章是龐大的奏鳴曲式，崔光宙先生的著作"名曲的創生"裡 "生命活力與童話幻想的合奏 --柴可夫斯基第一號鋼琴協奏去的創作與內涵" 精闢分析了樂章的形式，值得深入閱讀。

[紅酒相隨，音韻猶存]
那張1963年Deutsche Grammophon所錄製，由卡拉楊指揮維也那愛樂和李希特的鋼琴演奏應該是帶我重溫舊夢的最佳選擇，然而我卻挑了波哥瑞利奇的錄音演奏來作為我與老朋友重逢的橋樑。這不是最令大部份人稱許的演奏，與其他錄音如李希特、阿格麗希等人相比，波哥瑞利奇的琴聲略嫌壓抑不夠奔放。似乎當一觸及發之際，他則緊緊按納衝動強行控制，最引我著迷的正是此種矛盾的感覺。而他處理慢版樂段時貫用的人聲抒情唱法則收放自如，那獨白裡隱藏若有若無的孤寂令人心醉。我一向喜歡喝咖啡領受浪漫派音樂，這張錄音則讓我領略紅酒入口後的暈眩。

第一樂章
法國號以宏闊無比的氣勢掀起巨浪，接著鋼琴主奏挾壯碩的降D大調和弦呼應交響樂團奏起的弦律。昂揚的弦律由鋼琴再次發展，這漫漫一百多個小節的主題其實只是樂章的序奏，樂段結束後沒有再出現過。高潮迭起的序奏後降B小調(主調)的第一主題才逐漸展開。跳躍的節奏交錯於鋼琴和樂團間，旋即鋼琴獨吟抒情陰鬱的第二主題，這兩道主題繁複地貫穿。除了鋼琴不斷歌唱外，多起由長笛法國號雙簧單簧管擔綱的音韻更是不遑多讓，處處顯現柴可夫斯基敘事的本領。波哥瑞利奇的強勢作風在眾多鋼琴獨奏片段裡可清晰感受，他拖延音與音的距離，像極喝紅酒前先小心翼翼的聞香，再慢慢品嘗好酒的濃洌。

第二樂章
焦躁的靈魂在這個安祥的夜曲主題裡當能得到安慰。弦樂撥奏而起，悠揚的長笛該是夜鶯的詠嘆。中間的快版像在繁華的宮廷舞會裡，音群輕快的旋轉。

第三樂章
狂野的樂章幾近粗暴，在三拍的節奏裡，重音落在屬於弱音節的第二拍。波哥瑞利奇犀利精準的節奏與樂團相互熱烈的回應。樂章結尾浩蕩無比，鋼琴與樂團釋放凜然的氣勢將情緒帶至最高點，我的體內開始發酵既溫柔又緊繃的蠢動。

柴可夫斯基的音樂裡一直有魅惑人心的美，一些沉鬱情調，浪漫情挑，一點不切實際的幻想.. 嗯，這正是我幾杯紅酒下肚後微醺的寫照。

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作者: J-M    时间: 2010-9-10 01:39 PM
标题: 柴可夫斯基钢琴协奏曲---Victoria Postnikova
第一和第三号钢协
第二号钢协

这套唱片非常难得。一来是全集，然后又是DECCA著名的ADRM录音，最重要的是演绎也是非常精彩的

作曲家：柴可夫斯基
演  奏：Victoria Postnikova
指  挥：Gennadi Rozhdesvensky
乐  团：维也纳爱乐乐团
类  型：DDD 2CD
发  行：DECCA 410 113-2 410112-2

波丝特尼柯娃（Viktoria Postnikova）：俄罗斯女钢琴家，1967年毕业于莫斯科音乐学院，期间师从雅可夫·弗利尔教授攻读研究生课程。1965年在国际肖邦比赛中获奖，其后在英国、葡萄牙及俄罗斯的重要比赛中也获得了奖项。波丝特尼柯娃善于演奏各国古典作品及俄罗斯传统钢琴作品，其最卓越的成就在于录制了柴可夫斯基的钢琴作品全集。她与丈夫、俄罗斯指挥家根纳季·罗杰斯特文斯基一道参与了许多音乐会、独奏会演出及录音工作。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-10 01:50 PM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-11 05:22 AM
标题: 柴可夫斯基钢琴协奏曲全集----EMI
EMI的双子星。这个并不是很有名

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-11 05:25 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-11 05:27 AM
标题: 柴可夫斯基钢琴协奏曲全集----NAXOS

这个版本的录音相对来说算是比较清新的，没有DG那么厚重。作为全集收藏的话，性价比很好，尤其是第二和第三协奏曲的录音很少。

NAXOS好像对柴可夫斯基的作品比较偏爱，钢协全集都录了两次。演奏者是不同的！


又是一个俄罗斯钢琴家的演绎。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-11 05:35 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-11 06:01 AM
标题: 非全集的柴钢协唱片
李赫特演奏的柴一，另外收录了拉赫玛尼诺夫的五首前奏曲

基辛与卡拉扬合作的柴一

鲁宾斯坦老版的柴一


历史录音，吉列尔斯演奏的柴一，大卫奥伊斯特拉赫演奏的柴小协，祖斌梅塔指挥
柴一钢协，柴小协，吉列尔斯，祖克曼

阿巴多与阿格里奇合作的柴一和胡桃夹子组曲精选

经典唱片，录音超绝。阿格里奇柴一普罗科菲耶夫第三钢协

这个很少见，格雷里奇，阿巴多指挥柴一钢协

天使版的第一第三钢协

老录音，霍洛维茨，图画展览会，柴一。虽然是历史录音，仍然可以感受到霍洛维茨的力度。

泰拉克公司出品的柴一，圣桑第二钢协。圣桑的钢协也是很不错的，尤其以第二著名。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-12 03:46 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-12 03:52 AM
标题: 拉赫玛尼诺夫钢琴协奏曲
不得不提的一张唱片，以前全是单张出版，后来有了这个小双张。阿什肯纳齐演奏，普列文指挥

阿什肯纳齐的1997年出版的这套拉氏钢琴全集，被认为是所有版本中最出色的，英国权威《企鹅唱片指南》将这套唱片评为最高的“三星带花”名片。阿什肯纳齐的演奏极富诗意，音色明亮华丽，并且自然是充满了俄罗斯的气息。普烈文指挥的伦敦交响乐团也被焕发出亮丽的色泽，既富气势又不喧宾夺主，与阿什肯纳齐的钢琴互为衬托。特别是第二钢琴曲，听了几乎会让人落泪。
谢尔盖·瓦西里耶维奇·拉赫玛尼诺夫（Sergei Vassilievitch Rachmaninoff ，1873－1943），俄国著名作曲家、钢琴家和指挥家，晚期浪漫主义音乐代表之一。出生于富贵家庭，曾就学于莫斯科音乐学院，二十岁就一举成名。在音乐史上，像他这样顺利的音乐家是少见的。但是，拉赫玛尼诺夫在政治上并不是守旧派，同当时的很多的俄罗斯知识分子一样，他对于十九世纪末到二十世纪初的俄国社会现实是不满的。1905年，俄国爆发了资产阶级民主革命，虽然最终遭到失败，但其影响深远。此后一直到1918年“二月革命”，这一时期成为拉赫玛尼诺夫创作力最为旺盛的阶段。他的创作深受柴科夫斯基影响，有深厚的民族音乐基础，旋律丰富，擅长史诗式状阔的音乐风格。先后作有《钢琴协奏曲》四首、《帕格尼尼主题狂想曲》、二十四首《前奏曲》、《音画练习曲》、歌剧《阿莱科》、《利米尼的法兰契斯卡》和《第二交响曲》、管弦乐《死之岛》、《钟》以及浪漫曲等著名作品。后从事指挥，介绍了不少俄罗斯作曲家的作品。1918年移居美国后，创作上充满了不协和与悲剧性，成为二十世纪上半叶重要的钢琴演奏家。
拉赫玛尼诺夫一生共著有四部钢琴协奏曲。其中当属《第二钢琴协奏曲》最为动听和著名，乐曲开头象“钟声”般的主题，恐怕是古典音乐中最令人难忘的声音了。《第一钢琴协奏曲》与《第四钢琴协奏曲》熟悉的人很少，而《第二钢琴协奏曲》和《第三钢琴协奏曲》所具有的高度艺术水平和取得的巨大成就，大大超过了拉赫玛尼诺夫后期在国外的一些创作，和柴科夫斯基著名的《第一钢琴协奏曲》一样，这两首钢琴协奏曲也可以称作为钢琴和管弦乐队而写的交响曲。
《第一号钢琴协奏曲》是拉赫玛尼诺夫在莫斯科音乐学院学生时代的作品，那时的他一心想着写出可以继承柴科夫斯基精神的俄国作品，但是这首曲子的完成定稿却在他的第二、第三钢琴协奏曲之后，同时也是他告别俄国前最后完成的作品。
《c 小调第二号钢琴协奏曲》被公认为是拉赫玛尼诺夫的“最高杰作”，广受世人的喜爱和欢迎。在所有俄罗斯作曲家所作的钢琴协奏曲中，本曲为首屈一指的名作。本曲除了在构造上的完满妥善之外，同时充分发挥了钢琴化的效果，艺术形象特别丰富，它兼备严峻的戏剧性和明朗而奋激的抒情性，而且把这些作了绝佳的统一。这种对比用两组不同的音乐形象来体现：其中一个是充满意志力的主题，它的节奏明晰，但饰有阴暗而严厉的色调；另一个则是情绪激昂、宽广自由地流转的歌曲性旋律。尤其是本曲中的几个旋律充满了浪漫性情趣，因此不是经常被附上各种歌词竞相演唱，就是被世人编成爵士乐，广为流传。
1892年，拉赫玛尼诺夫荣获钢琴金奖，同年他从莫斯科音乐院毕业之后，就已经颇有声望了。这时候他受托作一首钢琴协奏曲，于是在1899年开始着手创作。然而不久后，他患了严重的神经衰弱症，直至1900年五月才逐渐痊愈，所以《C小调第二号钢琴协奏曲》实际完成于1901年。有些人认为这一协奏曲所拥有的忧郁性格，就是从拉赫玛尼诺夫这一段病情而来。其实不尽如此，从本曲宏大的气势来看，倒不如说它是拉赫玛尼诺夫完全恢复健康后，创作欲横溢时的优秀作品。
全曲共分三个乐章：
第一乐章：中板，C小调，2／2拍子，奏鸣曲形式，也是整部作品中最有戏剧性的一章。乐章从一段简短的引子开始，主奏钢琴从倍弱一直发展到倍强弹出八小节像是钟声一样灰暗而沉重的和弦，缓慢、均匀而庄严，具有号召性的力量。之后，钢琴以其沸腾般的波浪音型充作背景，出现管弦乐的充满力量且气息宽广的C小调第一主题，旋律的进行从容不迫，从中可以感受到傲然的欢呼、史诗般刚毅的性格、不可战胜的力量和奋激的热潮。不多久，音乐的色彩逐渐转趋明朗，节奏重音也减弱了，随后在中提琴的引导下，出现了由钢琴主奏的降E大调第二主题。这个主题开始时单独由钢琴奏出，接着乐队才用轻描淡写的乐句随伴着它。和前一主题一样，第二主题也是歌唱性的，其中同样可以感受到俄罗斯的平原之辽阔，充满了甜美的伤感，这一抒情形象在这个乐章中具有相当重要的意义，它甚至统御着整个乐章，被认为是“最有拉赫玛尼诺夫特色”的旋律之一。
第二乐章：肃穆而舒缓的三部曲式。这一乐章在听者的想象中展示出一幅俄罗斯大自然的画面，同时也深刻地提示出人的感情世界。乐章一开始时出现一些悠缓、流畅的和弦，由带弱音器的弦乐器奏出，这些和弦同随后的钢琴的一些从容不迫的音型，奠定了这一乐章凝重的气氛。乐章的基本主题就在这一背景上由长笛奏出，音响柔和，气息宽广，融合着幻想、希望和生活的欢乐。开始的主题是从第一乐章抒情的副部主题派生而来的，带有深思的乐念，与主部主题形成鲜明的对比。逐渐地音乐的性格发生了变化。明朗的幻想被热切、欢乐的激情所代替，在乐章中段，乐队只出现一些基本主题的回声，独奏钢琴的一些活跃的音型跃居第一位，像是一首轻快诙谐的钢琴练习曲，然后就以光辉有力的华彩乐段作为结束。在乐章的最后一段，基本主题的再现有所压缩，它又唤回了听者对那深思的回忆，这种情绪即使在乐章的简短结尾中仍然没有消失。
第三乐章：诙谐的快板，C大调，2／2拍子，近乎于回旋曲。当弦乐的长引子告一段落之后，钢琴雄纠纠地奏出第一主题，并将此主题加以充分地发展，充满着热力、生机和欢乐，它以其简洁有力的音调、丰富的节奏、不可遏制的进行和钢琴明亮清脆的音响而征服听众－－这一主题的轮廓是在引子中逐渐形成的，它的完整的形貌最初在钢琴上呈现，没有乐队的撑持。接着，由双簧管和中提琴绵绵地唱出了第二个主题，旋律的进行柔和、流畅，富有宽广如歌的抒情特点，与第一个主题形成了极明显的对比。乐章结尾，钢琴以强音对旋律加以装饰，逐渐加快速度，最后在钢琴与全乐队合奏的强奏中结束全曲。
《d小调第三号钢琴协奏曲》是为访美之行而作的，亦不象大名鼎鼎“拉2”般的流行，要不是因为电影《闪亮的风采》红极一时，恐怕很多人会与之失之交臂的。其实第三钢琴曲优美程度一点都不欠奉。首乐章一上来就是钢琴美丽的歌唱，旋律线很长，在一个极狭窄的音域里蜿蜒，带着俄罗斯民族特有的忧郁，琴音却异常明快、轻盈和超然，使那歌唱性的宽广气息不因这层忧郁而滞涩，听起来楚楚动人。稍懂钢琴的人都知道，这首作品的难度之高令人抓狂。由于写得精炼细腻，钢琴家必须在完成高难度技巧的同时，还要做出极细致甜美的表情。对任何一位训练有素的演奏者而言，能弹到不漏音、不错音已经很不容易了，还要精准和营造音色可就是难上另难了。
《第四号钢琴协奏曲》是拉赫玛尼诺夫流亡国外时所作，献给同样流亡欧洲的俄罗斯著名钢琴家尼古拉·梅纳特。
演奏家与乐队介绍
弗拉基米尔·阿什肯纳齐（Vladimir Ashkenazy，1937－），英籍前苏联钢琴演奏家。1937年7月6日出生于前苏联的高尔基城，父亲是位演奏流行音乐的艺人，专门在电视台为综艺节目伴奏。阿什肯纳齐自幼在莫斯科中心音乐学校学习，后入莫斯科音乐学院。1954年获肖邦国际钢琴比赛二等奖，1956年在布鲁塞尔伊丽莎白女皇国际钢琴比赛中获金质奖章。1962年曾并列莫斯科柴科夫斯基国际钢琴比赛第一名。次年定居冰岛，现住英国。1989年他被聘为柏林广播交响乐团（后改名为柏林德意志交响乐团）的首席指挥，他也是伦敦皇家爱乐乐团的音乐总监，和他们演奏以萧斯塔科维奇和柴科夫斯基为主的俄国音乐；他也是克里夫兰管弦乐团的客席指挥；也指挥阿姆斯特丹皇家大会堂管弦乐团，这是他当初完成拉赫玛尼诺夫交响曲全集的乐团；他的莫扎特钢琴协奏曲、西贝柳斯和贝多芬的交响曲则是和英国爱乐管弦乐团合作完成的。阿什肯纳齐的演奏风格以诗意的情调和细腻的技巧为特点，在自己的风格里融入了很多伦敦派所特有的意识美。人们从他所弹奏的技巧绝伦的钢琴练习曲中可以发现他那惊人的技艺和高深的造诣之价值所在，他可称为能完满再现李斯特那绝顶技巧的权威。他演奏的曲目范围很广，弹奏前苏联作曲家谢尔盖 ·普罗柯菲耶夫（Sergei Prokofier，1891－1953）的第三、第四钢琴协奏曲不同凡响；演奏俄罗斯作曲家、斯克里亚宾（1871－1915）的作品，可与美国最负盛名的钢琴家之一霍洛维兹（1904－1989）媲美。录制唱片之多在同代钢琴家中也是少见的。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-12 04:06 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-12 04:10 AM
标题: 帕格尼尼主题狂想曲
上面这张唱片唯一的遗憾就是没有收录帕格尼尼主题狂想曲

这张唱片就收录了全部钢协和狂想曲。因此是3CD

拉赫玛尼诺夫：帕格尼尼主题狂想曲
RACHMANINOV: Rhapsody on a Theme of Paganini
    这首为钢琴与乐队而作的狂想曲，OP.43.
    狂想曲是这样一种曲式：它以烈焰般的激情歌颂狂傲不羁的英雄气概，用饱满的热情表现民族精神。狂想曲不是从古典时期继承来的形式，它是十九世纪浪漫主义音乐家的激情锻造出的曲式，音乐内容一气贯通的单乐章作品。
    拉赫玛尼诺夫写的这部《帕格尼尼主题狂想曲》也可以称之“帕格尼尼主题变奏”，音乐取材于帕格尼尼的第24首小提琴随想曲，在一个音乐主题上展开24个变奏，铺衍成一部气势辉煌的大型作品。这24个变奏前后分成三组，很像是不间断连续演奏的协奏曲的三个乐章，而且独奏钢琴与乐队展开炫技性的竞奏，又很符合协奏曲。但是从音乐狂热的激情和艰深的技巧看，还是应该按照作曲家自己的标题理解为狂想曲。主题选自帕格尼尼第二十四首随想曲（A小调），共24段变奏。序奏为活泼的快板，24段分别为：1.乐队单纯的节奏，小提琴表现主题。2.速度相同，在圆号，长号伴奏下，钢琴表现主题。3.速度相同，小提琴、长笛交互奏16分音符音型主题片段，钢琴奏对位。4.活泼地，钢琴表现主题，木管与弦乐表现片断。5.如前速，钢琴强有力变奏，弦乐、木管以断奏伴奏。6.速度相同，钢琴以华丽技巧奏主题变奏，英国管优美地奏两次主题片段。7.不太快的中板，钢琴奏《未日经》旋律，低音管、大提琴、低音提琴表现主题。8.原速度，钢琴断奏主题。9.原速度，乐队以三连音符伴奏，钢琴穿梭于伴奏之间。10.稍有力地，钢琴再出现《末日经》旋律，乐队奏主题片断，彼此呼应。11.中板，钢琴以华彩表现主题，竖琴滑奏有显著效果。12.小步舞曲速度，以木管表现为主。13.快板，主题在乐队，钢琴奏和弦。14.原速度，先乐队后钢琴，以强有力表现进行曲型变奏。15.更活泼地谐谑地，钢琴活泼的变奏加入弦乐与木管。16.小快板，双簧管奏优美旋律，钢琴奏主题片断。17.在乐队背景上，钢琴作自由变奏。 18.如歌似的行板，钢琴加入弦乐与木管。19.原速度，在弦乐断奏上，钢琴奏三连音符。20.稍微活泼一点，在小提琴细致音型上，钢琴奏主题变奏。21.稍活泼一点，钢琴以断奏奏三连音符。22.稍活泼一点，进行曲风格始，弦乐出现主题片断，钢琴奏和弦，变为三连音符音群。弦乐再出现主题片断，钢琴装饰。23.原速，钢琴奏主题片断，乐队承接后，钢琴奏华彩。24.原速，钢琴奏三连音符，木管出现主题，钢琴接替。最后是终结部，更活泼地，华丽地到达顶点后，乐队奏《末日经》，钢琴奏主题片断而结束。
    《帕格尼尼主题狂想曲》是拉赫玛尼诺夫最重要的作品之一，假如拉赫玛尼诺夫所有的音乐都被世界遗忘了，最后剩下的也会是《帕格尼尼主题狂想曲》，很多音乐爱好者通过这部作品认识拉赫玛尼诺夫，后来才接触他的其它作品，如《第二钢琴协奏曲》、《交响舞曲》等等。
     《帕格尼尼主题狂想曲》写于1934年，此时世界乐坛正在发生着很大的变化，传统的调性体系、曲式、节奏等惯用的音乐法则被抛弃，代之而起的是流派纷呈的“新音乐”，无调性音乐、表现主义、后浪漫主义、新古典主义、十二音列等等相继出现，“求异响于新声”是欧美音乐的时代潮流，而拉赫玛尼诺夫不为所动，仍然在十九世纪的风格和形式里寻求个性的表现。《帕格尼尼主题狂想曲》取材于一百多年前帕格尼尼的《24首小提琴随想曲》，利用其中第24首随想曲的音乐主题，写成单乐章的钢琴与乐队曲，技巧复杂精深、气势辉煌，成为十九世纪浪漫主义音乐炫技一派的绝响。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-12 04:22 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-12 04:33 AM
标题: 拉赫玛尼诺夫钢琴协奏曲--怀尔德
这张全集以前是CHESKY公司的经典唱片，后来被CHANDOS买断后，出了这么一个双张的合集
对于怀尔德的拉2和主题狂想曲，我个人非常佩服的。整张唱片的录音非常平衡，钢琴声有如排山倒海一般，异常壮观


厄尔·怀尔德1915年出生于美国匹兹堡，住在俄亥俄州。怀尔德六岁进入匹兹堡音乐学校跟随沃克学习钢琴，后来分别向詹森、佩特里与多古劳学习，音乐风格深受霍夫曼、列文涅与拉赫曼尼诺夫的影响。1936年以前，怀尔德都在匹兹堡交响乐团担任键盘乐手，后来转到NBC交响乐团。

个人简介
　　托斯卡尼尼于1942年11月1日举办个人第一场全美国作品音乐会时，他要求乐团键盘手怀尔德演出盖希文《蓝色狂想曲》。怀尔德因为这场音乐会声名大噪并被视为盖希文专家，但是这对他来说并不公平。后来怀尔德进入美国广播公司工作二十二年，而他也在这些年里建立成功的个人独奏事业，并到世界各地巡回演出，创下连续到白宫为六任美国总统演出的记录，1986年得到匈牙利李斯特奖章，1983年起成为卡内基麦伦大学驻校艺术家。
生平经历
　　很多十九、二十世纪著名钢琴家都喜欢把声乐、小提琴、大键琴、管风琴、弦乐四重奏或管弦乐曲改编成钢琴曲，歌剧场景与选粹也是改编曲的一大来源。一些改编者在改编的  厄尔·怀尔德作品
同时会尽量尊重原作，不过，我们也发现很多改编者会大胆的向原作挑战。他们改编的理由都是来自对钢琴的热爱，以及渴望探索钢琴所能表现的各种效果。长久以来，怀尔德的盖希文、柴可夫斯基与拉赫曼尼诺夫作品改编曲就一直吸引爱乐者的目光。虽然怀尔德以改编李斯特等浪漫派作曲家的作品闻名，但是他也录制过许多风格迥异的作品，如:亨德密特、梅诺第、亨策与梅特纳等。　 　　不用说，少有钢琴家胆敢在音乐会中全部排上改编曲。除了曲目搜集不易，如何兼顾与克服各个改编者的不同风格与技巧也是一大难题。不过1981年11月1日，怀尔德在纽约卡内基音乐厅演出历史上第一场全部改编曲的独奏会，怀尔德从在匹兹堡的学生时期就对这些正统钢琴曲目以外迷人有趣的「分枝」大感兴越，当时他的老师是詹森。詹森是卡伦纽、夏尔温卡与达贝特的学生，个人拥有大量手抄谱。「他常常让我看这些谱，如果我感兴趣，他会让我把谱带出去，」怀尔德在1989年接受拉宾诺维兹访问时表示:「当我自己开始改编管弦乐的时候，这些改编曲对我来说很有吸引力。 　　我也把它们当成技巧练习曲，因为这些曲子都不很简单。我喜欢经常演奏改编曲，它们总会出现我必须克服的技巧问题，其它曲子则很少出现这种情形。当我六十五岁的时候，我决定全面朝这个方向发展，所以在卡内基音乐厅办了一场改编曲独奏会。当晚的听众包括不少知名音乐家--比平常还多，所以我很高兴能举办这样的音乐会。」但是怀尔德也知道有不少严肃的听众与乐评人对于这种看法大感愤怒。「我知道自己在做什么，因为我已经为这个问题和不少乐评人做过激烈的争论。很多人认为这是个糟透了的错误，也有人认为它不能列入正统曲目里。通常做这些事以前，我都会打电话给朋友，告诉他们我未来可能会读到什么样的可怕文章(来反对我)。如果这些文章真的出现，反正事前我自己都已经说过一遍，它们对我的影响也不会太大。」 　　从这个角度出发，怀尔德与乐评人荀白克谈话时也提到:「我喜欢演奏改编曲，因为它让钢琴家有更多Z由空间，我也可以自己创作改编曲。它不像贝多芬奏鸣曲般已经有无法改变的固定概念，演奏改编曲的乐趣就在乐曲本身。」怀尔德形容改编曲是「好玩、有趣、多彩多姿，有丰富与各种不同的声音。现在，我想这样的曲目安排已经能在标准曲目之外也受到喜爱。」怀尔德在1981年个人第一场音乐会排上一些已经被染上浪漫色彩的十八世纪作品，第一首是由李斯特的学生斯甘巴第改编自葛路克作品的《奥菲欧的歌调》。许多钢琴家，如:拉赫曼尼诺夫、列维茨基、诺瓦埃斯也录过这首如歌般的曲子，并经常在安可曲中演奏。「键盘佛佗」戈多夫斯基出版过十六首巴洛克时期大键琴改编曲，曲集标题是「文艺复兴」。在拉摩三首作品里，戈多夫斯基更进一步的加上对位与和声，创造出一首适合钢琴弹奏的珍品而且几乎和原曲间已经没有任何关联。巴哈为管风琴所写的《D小调触技曲与赋格》已经有太多钢琴改编版本，其中最普遍的是李斯特的学生陶西格与在梭尼改编版。同样是使用现代钢琴，两种版本以不同方法来表现管风琴的声音，而怀尔德认为陶西格版是「最优秀」的。
艺术生涯
　　至于浪漫时期，怀尔德选择的曲目是莫什科夫斯基版的华格纳《爱之死》(选自歌剧《崔斯坦与伊索德》)，不是一般人所熟即的李斯特改编版。有趣的是，莫什科夫斯基的乐谱出版时，上面还题有献给李斯特的字样。怀尔德在音乐会上半场还演奏三首拉赫曼尼诺夫极其优秀的孟德尔颂、林姆斯基一高沙可夫管弦乐改编曲，以及改编自克莱斯勒小提琴曲的作品。这三首曲子部是拉赫曼尼诺夫为自己而改编(通常当做安可曲)。从这些乐曲中可窥见拉赫曼尼诺夫个人化的作曲技法，特别是他改编自朋友、同事与伙伴克莱斯勒作品所流露出的乡愁情怀。 　　独奏会曲目还包括一首李斯特昔日对手塔尔贝格的作品。塔尔贝格不是根据歌剧里的某一曲调来改编(就像莫什科夫斯基的华格纳《伊索德的爱之死》)，而是从罗西尼歌剧里  厄尔·怀尔德作品
挑出三段主题，经过修改装饰后成为这首巧妙的歌剧《塞米拉蜜德》大幻想曲。塔尔贝格利用这种手法成功的改编过不少歌剧，收录的《唐巴斯瓜雷》幻想曲(录音室录音)就是另一个例子。 　　萧邦对于李斯特改编他六首波兰歌曲的意见已经无从得知。这些歌曲直到萧邦逝世前八年部没有出版，李斯特则是在1861年开始着手改编。在《我的欢乐》这首曲子里，李斯特的改编颇有萧邦的味道，令人好奇原曲的面貌不即为何。 　　怀尔德自己也改编乐曲，而且无论在品质或数量上都很优秀，就像柴可夫斯基《天鹅湖》小天鹅之舞。怀尔德的改编相当淘气机敏，恰如其份的传达出乐曲的气质。 　　波兰作曲家与钢琴家舒尔兹--艾弗勒写过很多变奏曲、八度练习曲与钢琴曲，但是最著名的只有他改编自约翰．史特劳斯《美丽的蓝色多瑙河》的《阿拉贝斯克演奏曲》。更早的时候，陶西格也曾经把约翰．史特劳斯的圆舞曲改编成钢琴曲，舒尔兹--艾弗勒无疑是受到陶西格的影响。早年演奏这首曲子最著名的是约瑟夫．列文涅。可惜的是，列文涅在录音的时候有稍做删减；怀尔德在独奏会里则是演出完整的版本。 　　巴拉基列夫在1869年完成的炫技曲《伊斯拉美》是一首展现钢琴家扎实技巧的作品，而他根据葛令卡歌剧《为沙皇献身》改编的幻想曲则可视为《伊斯拉美》的前身。 　　1830年代，巴黎许多钢琴家都以沙龙为演出根据地，赫兹是其中最主要的钢琴家之一。他的《灰姑娘》主题变奏使用各种不同艰难的演奏技巧。 　　在维也纳的时候(第一次世界大战爆发前)，戈多夫斯基根据约翰·史特劳斯的圆舞曲写成《艺术家的生涯》交响变奏曲，把改编曲的概念带往史无前例的高峰。这首乐曲的结构成熟，和声美到令人沉醉。除此以外，戈多夫斯基还把史特劳斯的旋律与对位结合在一起。这首《艺术家的生涯》交响变奏曲有独特的力量，对于演奏家而言也是一大挑战。 　　收录的怀尔德改编自盖希文歌曲的《七首名家练习曲》。怀尔德早年以演出盖希文的钢琴与管弦乐曲闻名，他把这七首盖希文最著名的歌曲旋律巧妙的改编成兼具技巧与想象力的钢琴浪漫曲，砚今已经有许多钢琴家演奏怀尔德这部作品。
个人评价
　　怀尔德无疑应该被选入伟大钢琴家之林，但是专辑还不能完全代表他对改编曲的拥护，也无法听出他在过去三世纪其它原创的独奏曲、室内乐与协奏曲上的表现，然而，不费吹灰之力的技巧、智能与个人观点是他音乐的特点。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-12 04:37 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-12 04:40 AM
标题: 拉赫玛尼诺夫钢琴协奏曲---霍夫
斯蒂芬 霍夫演奏的拉钢协全集
对霍夫的认识是从CHANDOS公司出品的胡梅尔钢琴协奏曲开始的。但要是真正听过了他的拉赫钢协，才会明白他的实力

“斯蒂芬·贺夫是英国当今最红的钢琴巨星！” BBC音乐杂志说：“他是钢琴色彩的魔术师，对细节具有难以置信的眼光，对复苏古老演奏学派曲目的兴趣值得赞赏，他在纽约被捧上天！斯蒂芬·贺夫非凡的艺术想象力超越了音乐的流行风尚和趋势，这使他在2001年获得了颇赋盛名的“麦克阿瑟奖”，值得一提的是，参与此奖的选者都是来自各个领域卓越的科学家、作家以及为当代生活做出特殊贡献的人。这更加使世人认识了他在钢琴演奏方面的卓越成就。
1961年，斯蒂芬·贺夫会出生在英国的柴郡，在曼彻斯特的北方音乐学院毕业后，他来到美国的朱利亚音乐学院学习。在成为独奏音乐家后，与他合作过的指挥可谓众星云集——阿巴多、阿什肯纳齐、多南伊、迪图瓦、捷吉耶夫、马泽尔等等。斯蒂芬在世界各地的著名音乐厅都有固定的演出计划，并时常出现在世界各大音乐节，如欧洲的萨尔茨堡、爱丁堡以及奥尔德堡音乐节、以及美国的莫扎特音乐节（纽约）、阿斯本音乐节、拉维尼亚音乐节、坦格伍德音乐节、好莱坞露天剧院音乐节、布罗瑟姆音乐节等。此外，他还曾不下10次登上伦敦BBC音乐会上的舞台。
斯蒂芬·贺夫定期与主流的欧美乐团演出，如纽约爱乐乐团，波士顿交响乐团，伦敦交响乐团、伦敦爱乐乐团、以及底特律、辛辛那提、多伦多和休斯敦乐团。在 2006-2007音乐季，他与克利夫兰、明尼苏达以及旧金山、圣路易斯、蒙特利尔交响乐团，并在西蒙 拉特的指挥下与柏林爱乐合作。斯蒂芬贺夫曾录制过40张唱片，其中的许多张唱片都曾获奖，他是个不折不扣的“得奖大王”。贺夫曾在1996年至2003年之间，7次获得留声机杂志评选的唱片大奖，其中包含最高殊荣“年度唱片奖”。此外，他的唱片还曾获得“德国唱片大奖”，“法国音叉唱片奖”，以及法国音乐杂志《音乐世界》评选的最佳唱片奖和若干项著名的“格莱美大奖”。在2005年，斯蒂芬与达拉斯交响乐团以及安德鲁立顿合作现场录制的《拉赫玛尼诺夫钢琴协奏曲》，成为了海伯利安唱片公司有史以来最畅销的唱片，而在1987年录制的《胡美儿协奏曲》也成为了山多斯唱片公司迄今为止最为畅销的唱片。他与塔卡克斯四重奏合作录制的《勃拉姆斯五重奏》于2007年发行。在未来的唱片录制计划中，斯蒂芬会和明尼苏达交响乐团合作录制柴可夫斯基的所有钢琴作品和交响乐作品，此外还有一些莫扎特和肖邦的钢琴独奏作品。
作为酷爱创作的作家以及作曲家，斯蒂芬写过许多唱片类的介绍手册以及大量与音乐相关的文章。此外，他对神学有浓厚的兴趣，并于2007年春天在英国出版了一本神学方面的书——The Bible As Prayer。
斯蒂芬与约瑟夫·韦恩伯格公司合作出版了许多原创音乐作品和手抄本，2007年3月，由他亲自指挥，与史蒂文·伊索利斯和皇家利物浦爱乐乐团合作演出了他的大提琴协奏曲《最孤独的荒野》的世界首演。同年，他的两首弥撒：《天真和体验弥撒》以及《神奇弥撒》分别在在威斯敏斯特修道院和威斯敏斯特大教堂进行首演。
斯蒂芬·贺夫还对当代音乐的发展做出了强有力的推动，乔治·桑塔吉斯、洛厄尔·利波曼恩以及詹姆斯·麦克米兰这些当代作曲家中的几位就曾为他写过作品，或是将要为他创作新的协奏曲。
在结束了与费城交响乐团、芝加哥交响乐团，以及洛杉矶爱乐乐团合作演出与弗莱米尔·朱若斯基指挥的俄罗斯国家交响乐团进行的美国巡演后，今年，斯蒂芬贺夫开始他的澳大利亚演出之旅，之后他在美国的阿斯本音乐节、卡内基音乐厅以及吉尔摩尔国际音乐节开办个人钢琴独奏音乐会。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-12 04:43 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-13 04:47 AM
标题: 米凯兰杰利的一张唱片
除了贝多芬第五钢琴协奏曲外，我最喜欢的就是这张明盘，拉威尔钢协和拉4

当然，我更喜欢大师演奏的拉威尔钢协。第二乐章的意境，可能没有谁能像大师那样表现的如此深远悠长。拉威尔这个自身充满矛盾的人的作品，在大师演奏下竟然如此和谐，即使后来的齐默尔曼的演奏也算上乘，但是始终感觉在理解上不像米大师那样细腻。
再加上大师演奏的拉4，实在没有理由拒绝这张三星带花的唱片


[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-13 04:52 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-13 04:57 AM
标题: 拉赫玛尼诺夫钢协---其他零散版本
最好的拉3，霍洛维茨 新版

TAS榜上有名，拉2，主题狂想曲



贾尼斯演奏的拉1和拉3

贾尼斯在水星录制的拉2和拉3

SACD

齐默尔曼，拉1和拉2

帕格尼尼主题狂想曲经典明盘，拉赫玛尼诺夫交响舞曲（上榜碟）

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-13 05:09 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-13 05:11 AM
标题: 拉赫玛尼诺夫钢协
齐博丝坦

齐柏丝坦(Lilya Zilberstein)在中国的知名度与她的琴艺相当不成比例。这位1965年出生在莫斯科的女钢琴家，目前是前苏联钢琴学派的主要人物，她六岁就进入格尼辛音乐院（Gnessin Institute, 季辛是她的学弟），先后师从名师陶布（Ada Traub）和萨兹（Alexander Satz）。她具有很高的钢琴天份，小的时候从来不需要练习音阶，而且她有极佳的视觉记忆，很多乐谱看过一遍就能记住，所以可以特别专注在弹奏技巧的练习。然而她日后的学习、演奏生涯却因为她的犹太血统遭遇很大的阻碍。上世纪80年代前苏联正经历一场巨大的反犹太浪潮，齐柏丝坦由于她的姓氏是传统的犹太姓氏，而且没有加入共产党，无法进入莫斯科音乐院就读，也一直无法代表苏联出国参加音乐比赛。直到1987年，才有第一次机会参加布梭尼钢琴大赛（Busoni Competition）。她在大赛的准决赛中排出舒伯特“B大调钢琴奏鸣曲”、勃拉姆斯“帕格尼尼主题变奏曲”、德彪西“意象”第一册、肖斯塔科维奇“第一号钢琴奏鸣曲”四部风格全异的大作，又在决赛弹奏普罗柯菲耶夫“第三号钢琴协奏曲”（这些对一个年轻女性钢琴家是多难想象啊），结果拿下首奖，一举成名。而且在齐柏丝坦之后，连续四届的布梭尼大赛首奖都从缺，乐坛都称此传奇为“齐柏丝坦障碍”。尽管齐柏丝坦在世界各地大放异彩，但她的政治祖国对她还是不友善，她自1990年至今从未在莫斯科开过独奏会。齐柏丝坦的录音不多，她喜爱现场演奏（所以很多唱片也都是现场录音），近年经常参加阿格丽希与朋友的音乐会。她认为自己是个以家庭而不是演奏事业为重的人，现居于德国汉堡，育有两子。
本张的两首协奏曲收录自1991和1993年的音乐会现场（不带掌声），协奏对象是阿巴多指挥的柏林爱乐。这也是柏林爱乐至今（修正为1999年）“唯一的”拉赫玛尼诺夫第三号钢琴协奏曲唱片，拉赫玛尼诺夫第三号钢琴协奏曲的管弦乐部分极其华丽，回到钢琴弹奏的主题，齐柏丝坦是少数挑战拉赫玛尼诺夫钢琴协奏曲的女性演奏家，由于技巧对她从来不是难处，你可以听到她的演奏特别自然、轻松，她并不对乐曲做刻意的雕琢，或者太强调力量的部分，反之，这份演奏非常细腻，更难能可贵的是阿巴多的指挥也细腻无比而且能配合她的演奏




朗朗拉2，主题狂想曲。

DG的小双张，拉钢协全集

飞利浦小双张的全集

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-13 05:15 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-14 09:06 PM
标题: 柴一和拉赫的一些组合
范克莱本柴一拉2
李赫特著名的版本柴一拉2
日版，鲁宾斯坦柴一拉2
阿格里奇，柴一，拉3（呵呵，女性弹拉3的确需要勇气啊）
阿什肯纳齐，DECCA传奇录音
阿格里奇现场版的柴一舒曼钢协
博列特柴一，舒曼A小调

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-14 09:12 PM 编辑 ]

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作者: 中国爱乐人    时间: 2010-9-15 12:02 AM
介绍钢协的又一参考指南音乐帖子，非常全、详细、有价值，除了以上所列五大钢协外，还有音乐迷情版补充的几大钢协也都可以介绍一下。

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作者: J-M    时间: 2010-9-15 01:58 PM
陆续还有哦，呵呵。钢协的内容比小提琴庞大很多了。大提琴更是没法比。现在正在整理资料中

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作者: myzcj    时间: 2010-9-15 05:48 PM
钢协的示范帖，J兄的知识帖每天学习下

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作者: J-M    时间: 2010-9-15 08:30 PM
标题: 舒曼钢琴A小调钢琴协奏曲
舒曼A小调《钢琴协奏曲》是他唯一的钢琴协奏曲，倾注了他火热的心和高度的热情，是“世界五大钢琴协奏曲”之一。

作品背景
　　作品完成于1845年。1841年舒曼试图改变传统钢琴协奏曲的写法，作了《钢琴主奏a小调幻想曲》的单乐章钢琴协奏曲，但被出版社退稿。后来舒曼不得不另外新作了两个乐章。该作品是在舒曼一生中最幸福的年代完成的，当时，他和克拉拉的爱情冲破重重阻力而取得成功，创作也随之出现高潮。乐曲主题鲜明，表现了作者的生活理想以及为之而斗争的信念。虽然在外表上与古典的协奏曲相比并不显得新颖，但实质上这是一首极具浪漫主义特色的钢琴协奏曲。

　　作品共分三个乐章。
第一乐章
　　热情而有感情的快板，a小调，4/4拍子，奏鸣曲形式。 乐章的第一主题在a小调上，显得压抑、痛苦。 第二主题则在明亮的C大调上展开，光明，富有幻想色彩。这两个主题的发展时而痛苦哀叹，时而浮想联翩；时而冥想苦想，时而慷慨激昂。表现了坚韧的斗争精神。
第二乐章
　　间奏曲，优雅的行板，F大调，2/4拍子，三段体。这个乐章充满着极为甜美的感情，简直像一首浪漫温和的协奏型牧歌。乐曲在开始时，弦乐与钢琴优美的对答，柔和地展开主题。这种醉人的气氛，在以往的协奏曲中是找不到的。有人认为这里是在描写克拉拉动人的形象。乐章结束后不停留地直接进入第三乐章。
第三乐章
　　活泼的快板，A大调，3/4拍子，奏鸣曲形式。钢琴辉煌地奏出了第一乐章第一主题的乐思，弦乐器以闪耀般的音阶性上升加了进来。主题舞蹈性旋律棱角分明，有一种向一切鄙俗势力宣战的气势。这一乐章的结尾由钢琴奏出了绚烂的旋律,充满热情和信心地形成高潮而华丽地结束乐曲

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作者: J-M    时间: 2010-9-15 08:42 PM
标题: 格里格钢琴协奏曲
格里格：A小调钢琴协奏曲：
格里格是一位代表挪威浪漫派、民族乐派的作曲家，他自幼就十分喜爱莫扎特、韦伯、肖邦等大师的名作，尤其倾倒于肖邦。他的很多作品深受肖邦的影响，因而被誉为“北欧的肖邦”。格里格的钢琴协奏曲虽然只有这一部，但是却与他的《培尔·金特》组曲一样，为不朽的名作。这首乐曲具备格里格音乐的一切魅力，诸如饱含挪威民谣风格的清纯旋律，以及新奇的和弦、轻妙的节奏等。乐曲素材新颖，生气蓬勃而洋溢着青春的活力。作者本身就是钢琴高手，因此充分发挥了这一乐器的性能，形成了十分自由奔放而多彩多姿的风格，在钢琴技巧上则接近李斯特。本曲虽然在曲式方面因循传统，但在许多细微末节处，却有各种新颖的创意，在第三乐章内更可以看到相当自由的发展。全曲的基调属于典型的浪漫性质，充满了北欧大自然中苍郁而森林茂密的群山所孕育出来的清丽脱俗、色泽深浓的“斯堪第纳维亚情调”。

全曲共分三个乐章：
第一乐章中庸的快板，a小调，4/4拍子，奏鸣曲形式。主奏钢琴一开始便活跃地将呈示部的轮廓完整地展现出来（片段1）。接下来的主题清纯而朴实，富于北欧民谣情调，而且充满了对未来的憧憬之情，是作者浪漫派艺术风格的完整体现（片段2），将格里格音乐的个性发挥得淋漓尽致。

第二乐章慢板，降D大调，3/8拍子，复合三段体。第一段由装上弱音器的弦乐器柔和地奏出沉静的冥想性主题。第二段由主奏钢琴以精细的华彩弹出优美的快速音群化旋律，后半段则愈加华丽与技巧化（片段3）。不久，乐曲节奏由急速趋于平静，缓慢地逐渐消失。乐曲不间断地进入第三乐章。

第三乐章加强的极中庸的快板，a小调，2/4拍子，回旋奏鸣曲形式为基础的自由构想。主奏钢琴那急切的速度如挪威的民间舞曲般热情、奔放（片段4），构成了宽广、壮丽的史诗。乐章在热烈欢腾的气氛中结束


1867年，格里格带着已经成为他妻子的表妹尼娜和刚出生不久的女儿一起到丹麦的哥本哈根附近的乡村度假，就在这一年的夏天，格里格完成了著名的《a小调钢琴协奏曲》。 1869年4月3日，这首协奏曲在哥本哈根由作曲家的好友纽帕特独奏首演了，并受到丹麦评论界一致好评。10年以后在哥本哈根的一场由皇室资助的音乐会上，格里格亲自演奏了自己的《a小调钢琴协奏曲》，盛况空前。一个世纪以来，人们已经把这首协奏曲和肖邦的《第一钢琴协奏曲》、舒曼的《a小调钢琴协奏曲》一起视为浪漫派最重要的三部钢琴协奏曲。
    格里格这首唯一的钢琴协奏曲以其民歌风格的优美旋律成为钢琴协奏曲中的名品，很多人熟悉格里格都是从他这首钢琴协奏曲开始的，也许越是耳熟能详的作品，越容易见仁见智、莫衷一是。这部钢琴协奏曲因其色彩绚烂、清新脱俗、优美感人而令不少钢琴演奏家频频涉“手”，版本之多真可谓百花齐放、争奇斗艳。然而，迟至今日，由利帕蒂演奏，加莱拉指挥爱乐乐团1947年的录音版本(唱片编号：EMI767163-2)依然是一骑绝尘，难以逾越。让现在仍然盘踞在各种发烧榜单中录音出色的演奏家们捶胸顿足，望而却步。利帕蒂的演奏为我们确立了一个用钢琴去吟咏音乐化的抒情诗的典范，如果说肖邦的阴柔抑郁是树叶中的暗影，那格里格就是其中斑驳的阳光，显然明亮健康许多，但格里格同时也不乏肖邦式的浓郁的诗意，以致格里格被称为“北欧的肖邦”。利帕蒂的演奏给人一种轻快、顺手拈来的流畅感觉，他独特的音色里弥漫着一种恍如隔世般的浪漫气息，优美的琴音飘动闪烁着，使我们不由自主的随他一起流连忘返于北欧的自然风光和民俗风情中。第二乐章利帕蒂的钢琴进入的时候更是精妙绝伦，有如神助，格里格那内在温情连缀而成的美妙主题在利帕蒂的指下恣肆涌流，一颗颗琴音简直就是一串串优美绝伦的音乐珍珠，利帕蒂在此所表现出来的天然神韵也许将是“后无来者”的。难怪波兰钢琴大师鲁宾斯坦感叹说“利帕蒂在演奏，我们就实在没法混了，可以卷铺盖回家了。”

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作者: J-M    时间: 2010-9-15 08:44 PM
舒曼和格里格的钢协通常都是在一张唱片里的。虽然格里格的钢协未能入五大，但是排名只是个虚名，好听的音乐本身不需要排名

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作者: J-M    时间: 2010-9-15 08:48 PM
标题: 舒曼格里格，先来点绝版唱片
这个绝对绝版。之前有一张2手，我没有狠心拿下，现在感觉好可惜

海布勒弹奏的舒伯特我很喜欢，舒曼的我也没听过

李赫特演奏的舒曼和格里格
这张能找到？

哈斯基尔


阿列谢耶夫，不是很有名，不过想买也买不到了

席夫这张不好找了

这是科瓦塞维奇演奏的舒曼格里格钢协三星带花唱片最老的一个版本，绝对买不到了
现在都换成了DECCA版
五十周年纪念版，说不定还能找到，看运气吧

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-15 09:05 PM 编辑 ]

李赫特舒曼格里格.jpg (33.36 KB, 下载次数: 472)

下载附件

2010-9-15 09:05 PM 上传

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作者: J-M    时间: 2010-9-17 06:54 AM
标题: 舒曼钢琴协奏曲
这是一张很有名的唱片，阿格里奇弹奏的舒曼一直有很高的评价，同时还收录了克雷默演奏的舒曼小提琴协奏曲，曲目非常经典，再加上哈农库特的指挥，这个是收集舒曼作品的必备唱片


波利尼和阿巴多合作的舒曼作品，前者的曲目比较杂，我更喜欢后面那首交响练习曲

大禾花版，童年情景

米凯兰杰利舒曼钢协，德彪西意象

皮雷斯与阿巴多

齐默尔曼卡拉扬，童年情景

阿巴多与佩拉西亚
科林戴维斯在RCA的指挥录音，应该是在日本发行的

NAXOS，勃拉姆斯第一钢琴协奏曲，舒曼A小调

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-17 07:11 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-18 03:55 AM
标题: 舒曼钢琴协奏曲
基辛演奏，朱里尼指挥

范克莱本演奏的舒曼和贝多芬第五钢琴协奏曲

舒曼的一个大合集

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-18 04:01 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-18 04:04 AM
标题: 舒曼与格里格 钢琴协奏曲
阿劳的绝版唱片
舒曼与格里格，日版，鲁宾斯坦，这个有美版
鲁普演奏舒曼与格里格，老版
DECCA传奇系列，便宜版
舒曼与格里格，佩拉西亚

安达演奏的舒曼与格里格，库贝利可指挥，这个也是不错的版本哦

赛尔金的版本

SONY报纸版

雪莱在CHANDOS的录音竟然有三首钢协，雪莱的演奏在英国评价也是很高的，我之前也是听了他演奏的胡梅尔一系列的钢琴协奏曲才对他印象深刻，他还在CHANDOS公司录制了门德尔松的钢琴协奏曲

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-18 04:19 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-19 04:37 AM
标题: 李斯特钢琴协奏曲-NO.1
李斯特共作有两首钢琴协奏曲，第一号，降E大调，作于1839年，1855年2月17日在魏玛的宫廷演奏会上，由李斯特演奏钢琴，柏辽兹指挥首演。共4个乐章


第一乐章
庄严的快板，降E大调，自由的奏鸣曲式。一开始就由乐队的华彩强有力地奏第一主题，钢琴以富于华丽的乐句承接。自颤音起以音阶方式急速上升而结束华彩后，小提琴又重现第一主题，钢琴承接。单簧管优美的旋律引出第二主题，双簧管承接，接着是钢琴与小提琴对话展开主题。发展部，乐队强有力地奏第一主题，钢琴以这个主题动机作华丽而有效的半音阶性下降。主题在管乐器有一段华彩后，改由弦乐又有一段华彩。再现部钢琴以琶音纠缠，不再现第二主题，直接以钢琴半音阶性上升而结束。

第二乐章
稍似慢板，B大调，低音弦乐装上弱音器，充满表情地表现这个乐章的主要旋律片断，装弱音器的第一小提琴予以反复。钢琴展开夜曲型的旋律，发展成华彩，弦乐然后又是大提琴接替，钢琴与大提琴有应答。然后钢琴华彩，长笛吹出优美的副主题，由单簧管、双簧管、大提琴、单簧管传递

第三乐章
活泼的快板，降E大调，相当于谐谑乐章。这一乐章巧妙地使用了三角铃，所以有“三角铃协奏曲”的名声，先是三角铃与弦乐应对，钢琴以谐谑的随想加进来，长笛以颤音动机纠缠。然后钢琴华彩，转为生气勃勃的快板

第四乐章
生气勃勃、雄壮的快板，降E大调，以木管乐器为主体，雄壮地奏出这个乐章的主题，铜管有力地奏第二乐章的大提琴动机，钢琴给予华丽的应对。双簧管在钢琴动态上奏长笛在第二乐章中展示的主题。木管乐器重新发展这个乐章的主题，钢琴以谐谑方式加入后提高速度，进入更快再进入急板而结束。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-19 04:43 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-19 04:44 AM
标题: 李斯特钢琴协奏曲-NO.2
“钢琴之王”李斯特的两首钢琴协奏曲，第一号是华丽、辉煌的，第二号是抒情而充满诗意的，狂想曲型的。

这首协奏曲，A大调，作于1839年，此曲献给李斯特的弟子布隆沙特（Hans Von Bronsart，1830－1913），1857年1月7日在魏玛宫廷剧院，由李斯特指挥首演，布隆沙特钢琴

1．确实始终不变的慢板，A大凋　　，由木管乐器先柔和又带神秘地奏第一主题，钢琴给予优雅的琶音，弦乐和长笛给予变奏，钢琴继续给予变奏并增加华丽色彩。圆号与双簧管奏新的旋律片断后，钢琴呈示D小调第二主题。这个主题由管弦乐变奏处理，钢琴精彩地发展到极端，半音阶急速下降。
2．确实激动的快板，降D大调，　　弦乐强有力音型为伴奏，钢琴奏出有力的新主题，管弦乐有力地奏另一个新的主题。由降B小调转为E大调，加入钢琴，乐队与钢琴融合在一起激动地发展这个主题，最后只剩下钢琴的琶音华彩。
3．中庸的快板，E大调　　，弦乐柔和，表情十足地呈示新主题，它其实是第二部分那个新主题的变形，低音弦乐以对位加入。钢琴以华丽的华彩，在大提琴陪衬下，又奏出富有憧憬性的新主题，与大提琴优美地纠缠。双簧管在钢琴的优美动态上奏出这个部分新主题的变形，长笛承接后，变成钢琴的华彩而结束。
4．断然的快板，降D大调。　　在钢琴的强奏下，低音管与圆号，然后是中提琴与大提琴、小提琴，发展第一部分的第二主题，形成高潮后钢琴介入，边暗示进行曲的节奏，边愈加增强，以迈向下一部分。
5．雄壮而不太快的快板，A大调　　，类似于进行曲。铜管为旋律主体，钢琴的加入增添了华丽气氛，速度逐渐加快，最后是钢琴单独的华彩。
6．生气勃勃的快板，A大调，　　是全曲的顶峰。先是木管乐器与钢琴纠缠，经过短笛的活泼与钢琴以急速上行下行之后，双簧管紧密进行，再传递给各乐器，钢琴进入，最后以回想第五部分进行曲的节奏而告终。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-19 04:47 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-19 04:49 AM
标题: 李斯特钢琴协奏曲---李赫特
SOLO版
50周年纪念版
首版

这是飞利普唱片目录上的最佳类比录音之一，于1961年的伦敦，由鬼才罗伯特·范恩(Robert Fine)用三咪式摆位，35mm胶片的录音。这同时也是里赫特最出色的演奏之一，音乐的力量，势若万马千军；无敌的指法，快如闪光、劲若电殛。听者肯定会震慑于大师之神威。指挥康德拉辛把乐谱视为最具艺术价值的巨作般处理，至今亦未听过第二位指挥家有如此认真细致、一丝不苟的李斯特钢琴协奏曲演出。伦敦交响乐团的演出亦是光采耀目，成果斐然。录音像近距离特写，毫无保留地呈现在听者眼前。堪称李斯特钢琴协奏曲中的皇牌唱片。最接近他们的是马舒尔 (Kurt Masur)与贝罗夫(Michel Beroef)的EMI版本，但独奏者贝罗夫与里赫特始终不是同一等级的演出。

李斯特 (1811~1886)是当时最有魅力的演奏家，也是最复杂、最世故的人物，被当代人士视为浮士德与魔鬼的化身。他终其一生未婚，但曾与许多女人同居，包括达古尔特伯爵夫人(Countess Marie d’Agoult)、莎恩薇根丝坦公主、杜普蕾西丝(Marie Duplessis)。他终身信仰天主教，在1865年接受教会的四项圣职，从此便被众人称为李斯特神父。

李斯特的【降E大调第一钢琴协奏曲】和他许多作品一样，都经过一段漫长时日的酝酿发展，才告定型。这首作品从1830年开始动笔，李斯特当时还不到20岁，1839年至1840年，李斯特为乐曲添加了一些素材，然而直到1849年，李斯特从公开演奏生涯隐退后，此曲初稿才化成一部形式宛然的作品；在这之后，他又将此曲搁置了四年，到 1853年才动手修订，又再过两年才首演，1856年总谱付印之前，李斯特又作了进一步的修订。

意外的是：李斯特如此不厌其烦地惨淡经营，却成就了一部惊世骇俗之作。独奏部分出色之处，不仅在于它热力四射、纵横于八度音程与旋风似的分解和弦之中，也在于较不炫技的片段的特色与表情变化里。此曲空前独创的结构，值得大书特写，李斯特一定是经过一番苦功才琢磨出来的。

首先，李斯特将四乐章的设计压缩成三乐章的格局。谐谑曲直接连结慢板乐章(并且师法贝多芬【第五交响曲】直贯终乐章)，其间处处有主题上的连贯。谐谑曲与终乐章都回顾前面乐章的素材，因此整部作品看起来像首大规模的奏鸣曲，表现出单一乐章主题上的统一。李斯特对形式革命性的循环式处理，最淋漓尽致的表现是在【b小调钢琴奏鸣曲】。第一钢琴协奏曲虽然没有那么严丝合缝，但作为钢琴炫技曲的典范，在主题的探索上，以及在大规模结构上，此曲都很成功。

开场的小节堂皇富丽，极尽排场而不逾矩，而且活力充沛，令人确信：等这几小节过去后，管弦乐与钢琴都还有话要说——这几小节也会使人误以为管弦乐与钢琴之间会互别苗头，彼此对立。结果，钢琴在第十小节处以一段装饰奏将管弦乐团收服，双方从此密切合作，相得益彰。第一乐章其余部分时而戏剧性十足，时而充满狂想风味，独奏钢琴则大展身手，精神抖擞，精致细腻，兼而有之。

B大调慢板乐章随后登场，以柔和的、咏叹调似的旋律开场，钢琴配合弦乐颤音突如其来的宣叙调，打破沉思的气氛，但乐章这时已渐入佳境，结尾较开头更美，遥启李斯特晚期风格，和其钢琴独奏曲【艾斯特山庄的喷泉】(Les jeux d’eau a la villa d’Este)的细致效果。第二乐章的谐谑曲部分在三角铁戏虚的叮当声中悄悄登场，带有几分装神弄鬼的意味，磷光四射的钢琴自始至终活跃参与。谐谑曲趋近结束之际，第一乐章宏伟的召唤再度出现。

宏伟、喧闹而绝对炫技的终乐章，基本上是根据前几章的素材变形而来，其中有典型的李斯特式主题蜕变。木管所宣示的进行曲主题，是将第二乐章的咏叹调加速而成，而第一乐章与谐谑曲乐章的主题也陆续以新面貌再现。另外，李斯特又将节奏加快成到令人晕眩的急板，使作品最后两个八度带来惊诧与乐趣。
此曲于1855年2月17日在魏玛首演，李斯特亲自弹奏钢琴，指挥台上站的是五天前才拿到总谱的柏辽兹。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-19 05:07 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-19 05:10 AM
标题: 李斯特钢琴协奏曲---齐默尔曼

李斯特是浪漫主义时期独奏音乐会的钢琴王子，以令人眩晕的演奏、
即兴式的创作和自由而夸张的浪漫主义风格独具魅力。他的创作把钢琴的技巧发挥到极限。李斯特被人们誉为钢琴之王实不为过。本专辑收录了李斯特的钢琴作品中的精华之作：第一、第二钢琴协奏曲以为钢琴和乐队而作的死之舞。由齐默尔曼演奏钢琴，小泽征尔指挥。齐默尔曼的表现极其清刚矫健，富于古典气质。钢琴与指挥的合作把李斯特那种色彩鲜明对比强烈所造成的效果发挥得淋漓尽致，小泽征尔忘我的投入，激发出炽热之情与齐默尔曼的化千斤力为绕指柔的演奏相互辉映，让人觉得这音乐不能再被演奏成其它样子——当然这就是伟大演奏的特征。这版录音在各方面都很出色，被企鹅评鉴三星带花，是当前这个曲目的首选版本。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-19 05:22 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-21 05:23 AM
标题: 李斯特钢琴协奏曲--鲁宾斯坦



[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-21 05:26 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-21 05:35 AM
标题: 李斯特钢琴协奏曲----范克莱本
很划算的一张唱片，除了有李斯特第一第二钢协，还有格里格的钢琴协奏曲

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-21 05:38 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-21 05:41 AM
标题: 李斯特钢琴协奏曲
贾尼斯，水星唱片，现场，第一第二钢协

贝尔曼的DG画廊，第一第二钢协

比列特的李斯特

左尔坦 克西斯
1952年出生于布达佩斯，三岁开始弹奏钢琴，五岁正式拜师。1964年到68年间，柯西斯在布达佩斯巴尔托克音乐院学习钢琴与作曲，后来转到李斯特音乐院。1970年首次匈牙利境内巡回演出，同年鸁得匈牙利广播电台所举办的贝多芬大赛。柯西斯第一次到国外演出是在1971年，地点在德勒斯登，随后带着巴尔托克第一号钢琴协奏曲到美国巡回演出。从此以后，柯西斯每年在欧美等地至少有六十场以上的演出，并曾和李特搭档演出双钢琴。柯西斯从1976年起任教于布达佩斯李斯特音乐院，并定期与布达佩斯节庆管弦乐团合作〈有时候同时身兼钢琴独奏与指挥〉。他的唱片以巴尔托克的作品为大宗〈柯西斯被公认是诠释匈牙利音乐的大家〉，还有莫札特、李斯特、拉威尔与拉赫曼尼诺夫等人的作品。柯西斯相当重视仔细研读乐谱，而他带给乐迷最大的印象就是明亮的音乐动态以及杰出的演奏技巧。
追寻文化素养与政Z勇气
无论业余音乐爱好者或是职业音乐家常会有以下的困惑：芸芸众生里，为什么天才总是诞生在特殊的时间、地点与文化背景？这绝对不是偶发的巧合，而是某种神秘力量让这样的例子一再出现。当然，很多人对这个问题都会有许看似合理的答案，如：优秀教师的影响。但是城市的文化牵涉层面太广，因此父母常常无法找到同时适合自己与孩子成长的环境。这让我想起一则关于匈牙利小提琴家、指挥家魏格早年的轶事。为了进入李斯特音乐院，魏格在二０年代从家乡特兰夕法尼亚搬到布达佩斯时，几乎全部得*自己的能力谋生。
布达佩斯是一个大都市，而它在二十世纪更因三位钢琴天才而散发出耀眼的光芒，他们就是兰基、柯西斯与席夫。这三位天才都出身自李斯特音乐院，同样师从卡多萨，而在匈牙利现代钢琴家中，佐尔坦．柯西斯是最能感染人心并具多方才艺的一位。他的音乐具有高度的智性及解析力，少年时期就被公认是一位完美无缺的独奏家与室内乐演奏家，曾与李希特在奥地利弗拉尔伯格省搭档演出双钢琴并到法国巡回。李希特回到苏联后，柯西斯立刻成为匈牙利家喻户晓并引起热烈讨论的争议人物，而他在这样的环境却依然坚持自己的理念，八０年代更积极的与指挥家伊凡．费雪一同创办布达佩斯节庆管弦乐团。这是一很勇敢的决定，为匈牙利及布达佩斯的音乐环境带来正面的影响。
第一次和柯西斯见面是在七０年代中期的布达佩斯。由于前一晚才刚结束录音工作，他不断抱怨录音室糟透了的设备与环境，但是对于最近在音乐上的新发现却显得兴致高昂，像个任性的孩子与无私的成年人。这是柯西斯时繁忙的工作情形，他不断地探索、筛选与整理归纳自己，同时扮演钢琴家、教师、编曲家、作曲家、指挥家、唱片制作人、评论家、音乐学者等各种角色的点点滴滴。感谢上帝，他能够把这些角色兼顾的很好；而更重要的是，他能把自己的信念带进音乐当中。

我永远忘不了七０年代中期在萨尔兹堡的某次机会里，柯西斯在我家中那架老旧的直立钢琴上弹奏拉赫曼尼诺夫第四号钢琴协奏曲终乐章。这时，一连串不可思议的音符从破旧的键盘中流泄出来，柯西斯掌握了拉赫曼尼诺夫音乐中的每一个细节，包括「作曲家拉赫曼尼诺夫」与「钢琴家拉赫曼尼诺夫』。他还凭记忆弹出第二号交响曲片段，在所有人都对他的演奏吃惊不己。柯西斯对于研究作曲家如何演奏自己以及他人作品非常热中，因为他觉得自己也是个作曲家兼演奏家。柯西斯曾经成功地改编巴尔托克与德布西管弦乐曲，而华格纳或拉威尔应该也在他的改编曲目里。柯西斯勤于不漏细节的熟读总谱，他希望自己能以作曲家的角度来看待作品，并把心得融入钢琴演奏上，因此他的音乐中总有无穷的想象力以及各种不同的色彩。让人诧异的多样化与清澈音色再加上丰富的情感，这些特点理所当然让柯西斯诠释的德布西作品迭获好评。柯西斯能够深入的分析构成作品的各个要素，从而再把这些要素和己逝作曲家的概念结合起来。当然，柯西斯也经过审慎的研读各种数据，研究多首作品在音乐史上的地位及创作背景。以德布西《钢琴与管弦乐团幻想曲》为例，多年来的考证与研究让柯西斯在表现乐曲上，比其它钢琴家更多了自己与作曲家互动后的感受。
这首幻想曲可分成三部份，而柯西斯认为，具有戏剧性的这三个部份又和梅特林克《佩利亚与梅丽桑》相吻合。和管弦乐团结合后，整部作品就像是一首「协奏曲兼歌剧」，是一部无歌词但是却有如歌唱般气质的杰出舞台作品。就这一点，柯西斯表示：「我把梅特林克《佩利亚与梅丽桑》和它结合在一起。如果我的联想前题正确无误，接下来就是我的理由。梅特林克《佩利亚与梅丽桑》在1892年出版，德布西《钢琴与管弦乐幻想曲》则创作于1889年，这要如何解释德布西的作品是引用三年后出版的《佩利亚与梅丽桑》呢？答案很简单，因为当年社会正弥漫着启发梅特林克创作灵感的气息，即《佩利亚与梅丽桑》的故事以及《崔斯坦与伊索德》的古老传说，所以把两部作品拿来比较对照也是很合理的事，也因此我们可以发现《钢琴与管弦乐团幻想曲》与德布西歌剧《佩利亚与梅丽桑》有许多相似之处。」
早年柯西斯最重要的曲目就是巴尔托克。演奏巴尔托克时，柯西斯特别强调以完美且明亮的方式来弹奏乐曲的节奏性，而且还要适度的加上弹性速度以使乐曲更活泼。柯西斯弹奏的葛利格钢琴小品就像钢琴色彩的速写，在严谨的演奏中显露出强烈的情感，以及对于自己艺术难以压抑的不满足。在柯西斯活泼的诠释下，李斯特《艾斯特庄园水的嬉戏》就像是一佪神秘难测的音响世界，也像法国印象派画家所绘制的喷泉。而在杜南忆《儿歌主题变奏》里，柯西斯的演出简直是一场精彩的脑力游戏。千变万化，有如声音万花筒般丰富艳丽的色彩，在在证明了每一个音符都是经过柯西斯缜密严谨的思考分析。
就在本世纪即将结束的这一刻，柯西斯无疑是能够代表本世纪的钢琴艺术的音乐家，他的文化素养既深且广，或许在同辈钢琴家中，很难找到像他一样对社会有强烈责任感但是又虚怀若谷的人

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-21 05 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-21 05:52 AM
标题: 李斯特钢琴协奏曲
阿格里奇
米凯兰杰利的协奏曲合集

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-21 05:56 AM 编辑 ]

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作者: yudeanwu    时间: 2010-9-21 01:27 PM
本人最喜欢科赛尔维奇和肯普夫的

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作者: J-M    时间: 2010-9-21 10:32 PM
您是说喜欢这两个人的演奏是吗？
我个人比较喜欢米凯兰杰利和布伦德尔。

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作者: J-M    时间: 2010-9-23 04:07 AM
标题: 钢琴协奏曲-肖邦
鲁宾斯坦的这张专辑，管弦乐部分的声音没有钢琴那么精致，现在发行的是SACD

阿劳的小双张，性价比很高
吉列尔斯的版本
阿格里奇和迪图瓦
佩拉希亚和祖斌梅塔
齐默尔曼和朱里尼
基辛在莫斯科的现场演奏1984
NAXOS的版本
这张没听过，不知道录音怎么样
李云迪演奏的第一钢协
皮雷斯演奏的第二钢协

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-23 04:53 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-23 04:55 AM
我觉得齐默尔曼和佩拉西亚的两个版本还是很不错的。

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作者: J-M    时间: 2010-9-23 05:55 AM
肖邦e小调第1钢琴协奏曲，OP.11，作于1830年，由1830年10月10日首演。肖邦在给友人的信中曾对这首作品有以下说明：“新协奏曲的慢板乐章是E大调，我并不特别要求此部分强劲的力度。我是以浪漫、平静、略含忧郁的心情作了这首作品，必须非借此让人产生像是在眼望着一个能引起无数快乐的回忆那样的印象不可。比如像是美丽的春天的明月良宵那样的印象。”这首作品呈献给钢琴教师卡尔克布伦纳（Kalkbrenner，1788-1849）。

共3个乐章： 　　1.庄严的快板，E小调。形式是追随莫扎特确立的古典协奏曲形式，先由管弦乐合奏第一主题，第二主题由弦乐以E大调奏出。钢琴出现后，极尽技巧化而华丽地表现这两个主题，然后以管弦乐合奏结束呈示部。发展部为C大调，钢琴从处理第一主题后半段始，此后诸主题在多种转调中发展。再现部调子改为G大调，最后以钢琴灿烂技巧发挥的激动达到高潮。 　　2.浪漫曲，甚缓板，E大调，有夜曲风格。主题如歌性格，由两部分构成。其后半段以B大调开始，间奏后进入激动的中段，以强音出现升C小调略呈灰暗的新主题。此主题奏完后以升G大调回到仍装饰得很复杂的主题后半段。尾奏使用序奏部材料，以音阶与琶音三连音轻快的动态装饰，然后像烟雾消失般结束。 　　3.回旋曲，甚快板，E大调。钢琴谐谑地诱导出第一主题，产生妙趣横生的反复进行，插入的方式极有莫扎特的魅力，结尾是华丽的尾奏，以钢琴奏三连高音阶性乐流结束

　f小调第二钢琴协奏曲，作品21号。1830年3月17日，f小调《第二钢琴协奏曲》在华沙由肖邦独奏，举行首演。 　　第一乐章：小提琴奏出一个下行跳进的音调，构成一支奇异的旋律，显露出年轻作曲家耽于冥想的天真神情。轻盈的旋律溪流，瞬间又激荡起大型乐队那山谷般的热烈震响，呈现出强烈追求的热情。接着，小提琴的一个优美的乐句犹如奇妙的虹桥，把音乐引到第二个主题的身边。柔和的双簧管奏出温煦的旋律。平静的音响，时与弦乐低语，时同乐队全奏共鸣，把肖邦对恋人缠绵不绝的情思和起伏不安的心境，一并纳入这个柔美的段落中：登场的钢琴，显示出肖邦作为钢琴诗人的高超技艺。此刻，管弦乐已黯然失色。华丽的钢琴独奏，展开了广阔的音响世界。奇幻的色彩，细腻的旋律，加上钢琴键盘上不尽奔流的音符，使展开部变化出丰富的神情，钢琴休息片刻，便又奏出第一主题。圆号与之为伴，弦乐与它同行。再现的乐段变得简洁凝炼，并在钢琴独奏中，更多地融入了年轻作曲家对爱情的幻求。第一乐章在管弦有力的和弦中结束。 　　第二乐章寄托了作曲家对华沙音乐学院少女康斯坦茨娅缱绻的深情。肖邦把蕴于心底的爱，化作郁积情热的音符，犹如火焰灼灼燃烧着整个乐章。弦乐与木管乐遥远地轻声对话，象是怯懦的作曲家那种空幻的自我絮语。但独奏钢琴从深深的低音区渐渐燃起了热情的火苗，它在颤音上跳动，在和弦中飘曳；肖邦心中的爱情之声，化作八度奏出的旋律，显得格外纯洁真挚。接着，这个主题便幻影一般隐于钢琴闪烁的音响光辉之中，统丽柔美的曲调，象是黑发碧眼少女，地迷离地掩映在钢琴诗人诚挚的抒情诗行之中。中段，肖邦的热情终于得以酣畅地渲泻与倾吐。钢琴上的滚滚春潮灌耳而来，那时强时弱、时涌时敛的音响，筑成了肖邦心灵中一座充满春意的爱情水晶宫。再现的爱情主题，依如呈示时一样，由钢琴明晰地卖出。但大管同它的亲切对话，似乎给了单恋作曲家一丝慰藉。钢琴的双音，犹如星光闪烁在夜色浓重的天幕上。爱情的夜曲正要在弦乐与木管的呢哺絮语中结束。钢琴突然以一个强劲的低音，引来一串缓缓而起的三连音，攀援到稳定的降A主音上。索回的余音又在作曲家心中映出恋人的袅袅丽影。苦涩而柔美的爱情小夜曲余音未绝，肖邦便毅然踏入祖国大地上的民间欢舞行列。这不是对于无望爱情的规避，而是将恋情融于热。这部协奏曲的终曲乐章烙印上了肖邦终生喜爱的波兰民间音乐的痕迹。钢琴灵巧地奏出圆舞式的主题，把人们从缠绵的爱情中带到了更广阔的生活天地。在弦乐顿足般的同音反复节奏型中，钢琴粗犷地奏出第二主题。活跃的三连音，引来回动的音调，把人们带到火热的马祖卡舞蹈的行列里。宏大的管弦乐队要然而止。圆号用马祖卡音调唤来钢琴的华丽音流。作曲家抒发出对于民族和生活的热爱之情。协奏曲在马祖卡舞曲所独有的三连音节奏型的持续涌进中，在欢腾火热的气氛中结束

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作者: 音乐情迷    时间: 2010-9-23 10:37 AM
重量级的楼主、大师级的楼主；您辛苦啦。你的帖子总是那样的震撼，总是那样的有分量。你的无私支持使这里有了“音乐百科全书”和“音乐版本超市”。《音乐大家谈》栏目多谢你，相信众多网友有同感。我等要好好学习呢

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作者: J-M    时间: 2010-9-23 11:44 AM

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作者: J-M    时间: 2010-9-23 11:53 AM
标题: 看到了朗朗的一张肖邦钢协全集的唱片和乐评，很有意思

这是郎朗首次录制自己最心爱的肖邦钢琴协奏曲全集。 　　无可比拟的梦幻组合演绎。除了郎朗，在唱片中担任指挥的是著名指挥大师祖宾梅塔，乐团则是大名鼎鼎的维也纳爱乐乐团，录音地点则是维也纳金色大厅，这也是中国观众最熟悉的维也纳新年音乐会组合。 　　肖邦的作品是最动听、最为普罗大众熟悉的古典音乐，郎朗曾多次在国内巡演中演奏肖邦的钢琴协奏曲，广受欢迎。 　　拥有将近50万销量的保证＋奥运表演嘉宾，郎朗魅力不容置疑！ 　　演奏：郎朗 (钢琴)、维也纳爱乐乐团 　　指挥：祖宾.梅塔 　　地点：2008年6月21日维也纳金色大厅音乐会现场实况 　　混音工程师：史蒂芬·弗洛克 　　钢琴技师：安德拉斯·梅泽 　　执行监制：克里斯蒂安·列恩斯 　　制作人：克里斯托弗·埃尔德 　　项目执行：布克哈德·巴特什 　　千呼万唤，郎朗演奏肖邦两部伟大钢琴协奏曲的录音终于出版发行了，这一张专辑中的第一号钢琴协奏曲是2008年6月21日在维也纳金厅的演出实况录音，第二号钢琴协奏曲则是录音室录音。由祖宾.梅塔麾下的维也纳爱乐乐团一起协奏，献演于2008年6月21日维也纳金色大厅现场音乐会。这是至今为止，郎朗最晚录音的钢琴协奏曲录音，实际上郎朗从1995年13岁成名于柴可夫斯基国际青少年音乐比赛，赢得首奖就是弹奏这部作品的，事隔13年才录音，在经历了无数次音乐会表演、专家大师们指点和勤学苦练，终于大成。郎朗弹出了一种无与伦比歌唱性的钢琴音色，诗意，唯美、浪漫、妩媚、阳刚、温暖、五彩缤纷的琴音，这是最漂亮的声音，既是属于肖邦的，更是属于郎朗的，他终于找到了属于自己的肖邦，彰显一代青年大师的风范。 　　钢琴与管弦乐团的作品多半是肖邦在华沙音乐院时期的作品。第一号钢琴协奏曲是肖邦早年为自己所写的作品。钢琴部份不但光辉灿烂而且浪漫，特别强调钢琴嘹亮的声音以及优雅的表现方式。定居巴黎后，肖邦的创作几乎都是钢琴独奏作品，扩展了这项乐器的表现力与深度，从这首早期的协奏曲里可以听到肖邦成熟时期的风貌。第二号钢琴协奏曲表现的是肖邦对女同学爱恋的情感，是一首富于浪漫情趣的作品。 　　很多人以为，弹肖邦的作品一定要激情、奔放、浪漫，甚至有的演奏家无拘无束弹得辉煌、火热灿烂的，但真实的肖邦究竟是怎样一个样子呢？是非常内在的，即使是音乐前奏的高潮部分，又如《E小调第1钢琴协奏曲》前奏交响乐部分很强的几个音，都不是作曲家故弄玄虚，而是表达一种内心青春朦胧的冲动，心潮澎湃却又不知如何说出口，很内在的。 　　诠释上，郎朗把两首协奏曲想象成一则爱情故事。由于肖邦在第二号钢琴协奏曲里潜藏对女同学的爱恋，风格比起第一号协奏曲更为腼腆羞怯，郎朗认为，这就像是情侣在瞹眛时期的青涩与纯真。第一号钢琴协奏曲则是成为爱侣后的互动，或是在花园里散步的情景。 　　郎朗在开篇立章的布局上是有克制的，乐句非常有条理，每个音都交待得很清楚，分句的轻重缓急很有分寸，绝不添油加醋，第一乐章的发展部做得很唯美，诗意，而且很有一位热情小伙子初恋的魅力。他和乐队的配合很好，不会抢拍抢表现抢速度，而这是一位有专业水准的职业演奏家所具备的优秀素质。郎朗在这次的演奏录音上，也受到了欧洲哲学诠释学派的启发、影响。诠释学即是 "每个人都可以是经典的解释注解者，在不违背原作作品艺术价值和本意的基础上，诠释者可根据时代发展对文本的研究和需要，重新获得新的理解"。郎朗对肖邦的协奏曲准确的解读，用优美的琴声向我们阐释了一个内心焦灼、情感质朴内在的作曲家、钢琴诗人的形象，更有丰富的音乐层次和立体感。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-24 05:01 AM 编辑 ]

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作者: myzcj    时间: 2010-9-23 08:14 PM
音乐区的示范级帖子，天天来看下，学到不少

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作者: J-M    时间: 2010-9-24 05:02 AM
标题: 勃拉姆斯钢琴协奏曲
勃拉姆斯第一钢琴协奏曲（Concerto for Piano no 1 in D minor, Op. 15）完成于1858年，起初是一首双钢琴变奏曲，之后有意改写成交响曲，最后却成为一首钢琴协奏曲。由于勃拉姆斯本人是一位优秀的钢琴家，同时又和天才女钢琴家克拉拉相互商讨才写出这首协奏曲，所以此曲要求有相当高深的钢琴弹奏技巧。它以宏伟的构思和史诗般的概括性，反映着波涛澎湃的、憧憬式的遐想。

第一乐章：庄严倔强，情怀激荡。乐曲开头霹雳般奏出了沉重的主题，随之爆发到高潮后逐渐停息下来。独奏钢琴奏出一条形成奇妙对比的非常安详的旋律 ，它为第一乐章内出现极端相反的情感而做准备。

第二乐章：采用他未完成的弥撒曲中《因神之名而来的有福了》的主题，由小提琴和中提琴虔诚的奏出，随后钢琴抚慰般的和它交谈着。中段音乐变得粗野 、热情，钢琴以切分音表达出悲怆的意境，结尾处音
乐平静下来，以弱音终止 。

第三乐章使人想起贝多芬式的雄浑力量和轩昂勇进的气势，作者运用了
复杂的 技巧、庞大的形式，为协奏曲中之巨著。


从莫扎特、贝多芬时代起，经舒曼、肖邦以至近代作曲家创作的协奏曲，基本都是三乐章结构，但勃拉姆斯为他的第二钢琴协奏曲增加了谐谑曲乐章，从而使作品扩充成为四个乐章，形式和性格都已接近于交响曲，独奏乐器也成为乐队的一员，这种交响化的理念脱离了协奏曲原来“竞奏”的意义，因此,这首乐曲有时候也被后人称为“由钢琴主奏的交响曲”。
　　这首钢琴协奏曲的形式十分特殊：首先乐曲采用协奏曲历史上罕见的四乐章形式；其次本曲中的主奏钢琴并未占据绝对主导的地位，作者特意让钢琴与管弦乐“完全平等”。这首协奏曲既无莫扎特式的流畅，又无贝多芬式的雄壮，是地道的勃拉姆斯式作品。与第一协奏曲相比，显得更加沉重暗涩，技巧也特别难，有人讲勃拉姆斯的降B大调协奏曲是“要钢琴家血汗的至难协奏曲，它不要钢琴家的妙技，而是要他们成为苦力。”
　　这首乐曲具有勃拉姆斯所独有的沉着与厚重，同时又有他明朗、温柔的另一面。1878年春，勃拉姆斯第一次到意大利旅行，这一南欧古国的风土人情给作者留下了极为深刻的印象，由此勃拉姆斯开始构思这首乐曲。1881年三月，作者再度访问意大利，这一次彻底唤起了他的灵感，于是回国后立刻伏案疾书，当年夏天便完成了这首乐曲。实际上，本曲中的意大利风格并不明显，但无疑是作者真实情感的流露，堪称勃拉姆斯的代表作品之一。这部作品最后完稿于1881年，同年11月9日作者本人担任钢琴独奏使用乐谱草稿，在布达佩斯首演。
　　第一乐章：不太快的快板，D小调，奏鸣曲式。传统的双呈示部。第一呈示部是管弦乐，首先由圆号奏出由两小节组成的第一主题动机，钢琴推迟一小节跟上，像影子一样进行模仿，木管声部进行发展，略带伤感的第二主题由小提琴呈示后乐章进入第二呈示部，钢琴呈示新的主题并发展，第二主题钢琴则以热情的变奏呈示。F小调展开部后音乐进入再现部（第二主题用降B小调）。尾声中管弦乐奏出第一主题的部分动机，钢琴用华丽的琶音伴奏，最后以强有力的开始动机结束。
　　第二乐章：热情的快板，D小调。典型的谐谑曲，但奏鸣曲式结构非常清晰、规模庞大，给人以深沉之感。第一主题，钢琴用激烈的强奏开始，乐队紧紧相随。第二主题为A小调，用弦乐齐奏呈示，之后钢琴反复。展开部发展上述两主题，再现部用的是完全不同的乐器编制。
　　第三乐章：行板，降B大调，三部曲式。由管弦乐奏主旋律，钢琴演奏装饰音型，并作主题变奏。第一部分由大提琴奏出甘美的旋律开始。中间部分更柔和，由单簧管奏升C大调主题，富于幻想的歌唱性旋律虔诚得近似祈祷。最后再现降B大调主题。
　　第四乐章：优美的小快板，降B大调，回旋曲。优美的具有舞曲性格的华丽终曲。清新活泼的回旋主题由钢琴独奏开始，乐队模仿。之后带有匈牙利乡土风格的插入部用A小调呈示（后移D调再现）。其他许多辅助的插入部，在钢琴与乐队间交错穿插，有时钢琴用音型和经过句装饰管弦乐主题，有时乐队用色彩性和声给钢琴以烘托，编织成辉煌的终曲。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-24 05:11 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-26 06:30 AM
标题: 勃拉姆斯钢琴协奏曲
大禾花版，评价最高的一个演奏，目前市面上非常多。
老版唱片

《最佳版本 勃拉姆斯钢琴协奏曲 幻想曲》勃拉姆斯生平仅创作了两首钢琴协奏曲，D小调第一钢琴协奏曲多少带
有低沉的情调，B大调第二钢琴协奏曲则明朗华丽，且形式十分特殊：第一，乐曲采用协奏曲历史上罕见的四乐章形式；其次，本曲中的主奏钢琴并未占
据绝对主导的地位，作者特意让钢琴与管弦乐“完全平等”，因此，这首乐曲也被后人称为“由钢琴主奏的交响曲”。
　　
　　作为“俄罗斯钢琴学派传人”的吉列尔斯诠释贝多芬、勃拉姆斯方面是不容小视的大家。琴音丰富，音色华丽，有如彩虹般光彩夺目。录音更是晶莹
、细腻，层次丰富。在录制过程中他曾经8次变换钢琴的摆位，而最后他还是决定用第一次的摆位！可见其对音响效果的追求几乎到了无以复加的地步了
！
　　
　　俄罗斯钢琴学派传人吉列尔斯倾情演绎最真实的勃拉姆斯。“俄罗斯钢琴学派传人”吉列尔斯携手约胡姆和柏林爱乐乐团完美演绎。《留声机》评价
：“最接近勃拉姆斯的演奏”，“勃拉姆斯的英雄性转变成了令人销魂的歌唱性”。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-26 06:43 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-26 06:51 AM
标题: 勃拉姆斯钢琴协奏曲 巴克豪斯
第一第二钢协，立体声录音
第二钢琴协奏曲

廉价的传奇录音系列

从上世纪50年代起，巴克豪斯是为EMI和Decca公司录音。在HMV年代，他在Gaisberg的监制下录制勃拉姆斯的作品，比后来在Decca录得还要多。非常有趣的是，他在1900-1920年之间，录制德奥体系的作品很少。可喜的是，贝多芬、勃拉姆斯、舒曼、舒伯特这些代表他风格的作品是在录音技术成熟后才录制的。之后，他录音的范围几乎只在德奥的圈子里面。
在Decca年代，巴克豪斯只有很少的非德奥的作品录音，他的肖邦音乐会又没发行CD。他在单声道时期录制了贝多芬所有的钢琴奏鸣曲和协奏曲，以及勃拉姆斯的两首协奏曲。1955年之后，他在录音室主要的工作是重新录制这些作品的立体声版本，其他的作品还包括莫扎特、巴赫、舒曼、舒伯特等。Decca曾经把他的这些立体声录音几乎全部以“巴克豪斯专辑”为名做了国际发行，个别的单声道录音放在“历史录音”系列出版。但是，除了贝多芬的作品和传奇系列的录音外，其他的录音都已经绝版。
在巴克豪斯的录音里面，最值得推荐的是这款他和贝姆合作的《勃拉姆斯第二钢琴协奏曲和莫扎特第27钢琴协奏曲》。在27钢协中，他展现的自然的美就像我们在黄昏见到的景象。他的勃拉姆斯第二钢协，尽管技术状况要逊色于他早年和schuricht的版本，但是那种成熟的美感是难以磨灭的。
史诗般的宏伟场面是勃拉姆斯的《第二钢琴协奏曲》广受好评的主要原因。作品中钢琴与其说是作为一个独奏声部，不如说是勃拉姆斯为丰富乐队色彩而使用的调色板中的一个组成部分。这部交响乐性质的协奏曲深刻勾勒出作者缜密的乐思，于真挚纯朴中直逼崇高！勃拉姆斯这首四乐章钢琴协奏曲具有交响曲的特质，钢琴独奏部分虽不突出，但演奏技巧却极艰难，是许多演奏家望而生畏的高难度大曲。本片录制于1967年，巴克豪斯彼时已届83高龄，但琴音依然坚实，触键依然刚劲，洞察力依然深邃，不愧其“键盘狮王”的美名。
指挥贝姆与维也纳爱乐的协奏，有宽阔的格局与纯厚质感，表现与大师相较不遑多让，益发使本曲说服力十足。补白的莫扎特最后钢琴协奏曲由巴克豪斯奏来柔软圆润不染尘气，意境之美自然而生。
“完美的演出！更进一步来说这是全然令人满意的诠释……巴克豪斯的琴音饱满度、柔软性及对音色的控制举世无双……终曲无比的杰出灿烂，再无其他钢琴家能有如此优雅迷人的表现……在贝姆的诱发下维也纳爱乐协衬出独奏家的不朽荣光。”——《留声机》杂志

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-26 06:55 AM 编辑 ]

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作者: 中国爱乐人    时间: 2010-9-26 12:43 PM

原帖由 音乐情迷 于 2010-9-23 10:37 AM 发表
重量级的楼主、大师级的楼主；您辛苦啦。你的帖子总是那样的震撼，总是那样的有分量。你的无私支持使这里有了“音乐百科全书”和“音乐版本超市”。《音乐大家谈》栏目多谢你，相信众多网友有同感。我等要好好学习呢 ...

版主的评价超高啊！ J-M兄弟要再接再厉，戒骄戒躁，继续弘扬普及音乐知识的精神。

[ 本帖最后由 中国爱乐人 于 2010-9-26 12:46 PM 编辑 ]

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作者: 中国爱乐人    时间: 2010-9-26 12:49 PM
无论国外的钢协作品再好，我还是最喜欢中国的黄河钢协，百听不厌，尤以殷承宗版本为本人最爱，石叔诚版本也不错。

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作者: J-M    时间: 2010-9-27 04:50 AM
钢协我始终还是喜欢听皇帝

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作者: J-M    时间: 2010-9-27 05:20 AM
标题: 勃拉姆斯钢琴协奏曲--阿劳

阿劳与朱里尼合作的EMI天使版，录音非常好，比飞利浦的小双张是好了很多的。
后来出的双子星版
与海丁克合作的勃拉姆斯钢协感觉很平淡，我更喜欢EMI天使版

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-27 05:58 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-27 06:34 AM
标题: 勃拉姆斯钢琴协奏曲
这套阿什么肯纳齐的DECCA小双张，录音非常好，还有海顿和亨德尔的变奏曲
巴伦博伊姆，指挥，巴比罗利
波利尼与阿巴多，这张唱片我也是相当喜欢



弗雷拉，这个没有听过。头次打算买来听的时候，唱片店的老板对我摇了摇头，于是我就放弃了

斯蒂芬霍夫在维京的录音。相信听过CHANDOS录音的朋友对霍夫还是有了解的

以上都是勃拉姆斯钢协全集的版本。其中，我最喜欢的版本是巴克豪斯的，然后阿劳的EMI天使版。吉列尔斯的DG老版还可以，大禾花版感觉始终不对劲。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-27 07:02 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-27 07:05 AM
标题: 其他一些勃拉姆斯钢协版本
阿巴多与布伦德尔合作的第二钢协，可惜没有找到第一钢协的版本

李赫特演奏的第二钢协

鲁宾斯坦，第一个钢协

评价不错的齐默尔曼演奏第一钢协

泰拉克也录制过勃拉姆斯钢协，普列文指挥
在拿索斯我只找到了这一张唱片，竟然没有第二钢协的录音，太让我意外了

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-27 07:17 AM 编辑 ]

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作者: myzcj    时间: 2010-9-28 12:28 AM
今天听到舒曼的幻想曲，迷人啊，很舒服

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作者: J-M    时间: 2010-9-28 03:51 AM
勃拉姆斯的钢琴独奏作品可能比较少听到，卡琴这套全集是不错的选择。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-28 03:55 AM 编辑 ]

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2010-9-28 03:55 AM 上传

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作者: J-M    时间: 2010-9-28 03:58 AM
标题: 拉威尔钢琴协奏曲
《G大调钢琴协奏曲》是拉威尔在逝世前完成的，在乐曲的形式上，他和他毕生敬爱的库普兰、拉摩、莫扎特的古典形式做了挑战，地完成了他在古典形式上表现嬉戏性性格的创作目的，与《左手钢琴协奏曲》一起成为他最后放出光芒的音乐作品。
1931年，拉威尔计划第二次访问美国，为此他创作了这首《G大调钢琴协奏曲》，一遍与美国的几个大乐团合作演出。1932年1月14日首演时，拉威尔并未亲自弹奏钢琴，而是以指挥的身份出现，由著名的女钢琴家玛格丽特·朗(此曲也就是献给这个人的)担任钢琴独奏。
拉威尔称《G大调钢琴协奏曲》“是一首按莫扎特或圣-桑的精神写成的协奏曲”。并说：“我认为一首协奏曲可以是明快辉煌的，没有必要以表现深刻内容或戏剧性效果为目的。……”

这部作品不求内容的深度，具有轻松明快的风格。全曲由三个乐章构成：
第一乐章 轻快地，G大调，2/2拍，奏鸣曲式。短笛奏出轻快的主题旋律，钢琴在高音区以分解和弦音型快速流动织成的热闹的背景，仿佛是一幅都市早晨的画面。随后其他乐器加入，第一主题分别由小号、英国管演奏，钢琴则成为华丽的刮奏。速度渐渐变慢，出现钢琴奏出的安定柔和、富于歌唱性的第二主题。主题旋律中常常出现降三级音和降七级音，使音乐带有美国黑人音乐中布鲁斯的特征。乐队也不时突出一句布鲁斯音调乐句的下行进行，这与拉威尔想把这首作品提供给美国人听有关，而和声的处理完全按升F大调，这样就造成两种调式的混合，呈现出奇异的色彩。展开部中钢琴呈现出托卡塔般的炫技风格，活跃的音型不停地跳动，其间融入布鲁斯音调的走句，这种活跃气氛弥漫整个展开部。再现之后的段落带异国情调，以力度很强的八个铿锵有力的下行和弦结束。
第二乐章 很慢的柔板，E大调，3/4拍，分三个段落。这个乐章的形式单纯，和声简朴，旋律异常优美，一开始的钢琴独奏，将左手弹奏的伴奏音型的节奏重音安排成6/8拍子的样式，与右手奏出的3/4拍子的旋律形成重要的交错。中段左手的节奏型保持不变，在它之上出现了新的节奏流畅的主题，它的调性多变，使音乐活跃起来。再现部钢琴的低音仍是那不停反复的节奏型，但高音部出现快速细腻的音流，乐队富于表情地奏出第一主题如歌的旋律。
第三乐章 急板，G大调，2/4拍，具有谐谑曲风格，形式自由。段落的转换都以四个不协和和弦为开始，使人联想到汽车喇叭的鸣叫，给人以现代都市繁忙之感。在弦乐拨奏的背景上，钢琴奏出快速的连续五度进行，间或出现铜管乐器模仿爵士乐的滑奏。接着像乐章开始时那样的四个不协和和弦及大鼓一击，出现新的音乐材料，三和弦的平行进行接之以换了活跃的主题。又是四个不协和和弦，音乐转换成另一番景象。节拍变成6/8拍，引用了某些爵士乐因素，使乐曲更带谐谑性质。上述三个音乐材料交织发展，钢琴的演奏华丽辉煌，最后用那四个特征鲜明的和弦结束全曲。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-28 04:26 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-28 04:31 AM
标题: 拉威尔钢琴协奏曲
拉威尔钢协是我非常喜欢的钢琴协奏曲之一。尤其是第二乐章，曲调简洁，意境深远，尤其是米凯兰杰利演奏的版本，让人听来多了几分神秘感。而齐默尔曼的演奏则让人浮想联翩，非常优美。

非常有名的一张唱片，三星带花评价。我觉得拉四还是其次，米凯兰杰利的拉威尔钢协真是太棒了

早期录音，有莫扎特，斯卡拉蒂，拉威尔钢协，米凯兰杰利年轻时相当帅

齐默尔曼这张除了G大调，另外还有左手钢琴协奏曲，从曲目的专一性上来说比较好。
这张唱片很难见到，除了有钢协以外，还收录了钢琴版波莱罗等，曲目相当好

阿格里奇，DG画廊版

两首钢协

拉罗查，RCA

飞利浦小双张，拉威尔钢琴作品全集
DG油画版，收录了左手钢协
一张翻新的唱片，历史录音

法国作曲家拉威尔(1875—1937)也是印象主义音乐的代表人物。1930—1931年间，拉威尔创作了两部钢琴协奏曲，即《G大调协奏曲》和《D大调协奏曲》。前一部是献给法国著名女钢琴家玛格丽特·隆的；而后一部作品就是《左手钢琴协奏曲》，是献给奥地利著名钢琴家维特根什坦的。《左手钢琴协奏曲》是一部只用左手弹奏的乐曲，这就是说，这部作品中的所有音都是为演奏家的左手而写的。拉威尔为什么要创作这样一部只用左手弹奏的协奏曲呢?这是因为，钢琴家维特根什坦在第一次世界大战中失去了右臂。《左手钢琴协奏曲》采用单乐章的形式写成。全曲分三个部分：第一部分速度徐缓，表达了一种激动的情绪；第二部分活泼、诙谐，还具有爵士乐的风格；第三部分，钢琴从刮奏开始引出主题，最后在风趣和幽默中结束了乐曲。《左手钢琴协奏曲》以它独特的风格赢得了钢琴家们的喜爱而成为音乐会上经常演奏的乐曲之一

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-28 04:46 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-28 06:27 AM
标题: 胡梅尔钢琴协奏曲---CHANDOS



约翰·尼波默克·胡梅尔（Johann Nepomnk Hummel）1778年出生在波西米亚的普雷斯堡，1837年去世。波西米亚有“欧洲的音乐学院”之称，胡梅尔得其乡土风气之惠，自幼便表现出音乐才能。胡梅尔一生的 音乐活动主要以维也纳为中心，所以他被划归奥地利音乐家行列，事实上，他的家乡在那个时期也在奥地利哈布斯堡治下。

胡梅尔早期受教于莫扎特，曾经就住在莫扎特家里，算是莫扎特的入室弟子。胡梅尔很小的时候就开始在德国、荷兰、英国巡回演出，在英国时又跟钢琴名师克莱门蒂学习一年，回到维也纳时尚不满15岁。归来后又师从阿尔布雷希茨贝格、海顿和萨列瑞，这三位都是贝多芬的老师，从师从关系上看，胡梅尔该是贝多芬的同学。他虽然比贝多芬年幼八岁，由于早慧，他比贝多芬成名要早。

胡梅尔少年时期跟从海顿学习，青年时期接承海顿的衣钵，当了埃斯特哈齐乐队的指挥。不过这时的埃斯特哈齐乐队已不如先前那样规整，它的旧主人去世以后，继承人遣散了乐队，只保留了教堂唱诗班，老乐长海顿仍保留着头衔，和一份终身年金。胡梅尔担任指挥期间，演出任务并不繁重，所以他得以有时间创作大量作品，还可以外出演出。

胡梅尔在世时声誉甚至超过与他同时的贝多芬，因为他作为钢琴演奏家活动极频繁而且演出地域广阔，他的演出足迹几乎遍布欧洲，从俄罗斯到英国，人们都聆听过这位钢琴演奏大师的精彩表演。他的创作在当时也很流行，他从莫扎特那里继承来精致优美，欢乐的青春萌动经过精心修饰，很能代表维也纳古典乐派风格。胡梅尔的音乐曲调丰富，旋律和配器都表现出完美的技巧，音乐流畅，织体清楚，维也纳古典时期的音乐特征在这里得到充分的展现，海顿、莫扎特、萨列瑞传给他的技艺都被他圆熟地运用着。如果要研究古典音乐技法，胡梅尔的作品可以提供很典型的范例。他编写的钢琴教材长期以来被人们采用。但是，随着时代的变迁，他那些亲切感人的音乐却渐渐被人们遗忘，在一些史话类的音乐文献里会经常出现胡梅尔的名字，只是谈到他的音乐活动、演出和教学，却很少谈他的作品。究其原因，评论家们认为他那些精心修饰的音乐缺乏思想深度，他不像莫扎特和贝多芬那样把音乐主题发展得丰富深厚，不易深入人心，所以容易遭到时间的淘汰。

胡梅尔处于古典乐派向浪漫主义迈进的时代，虽然他不是时代的弄潮儿，但是他的大幅度旋律发展和巧妙的变化音运用也影响了后代浪漫主义音乐家。人们公认肖邦、李斯特从他那里学到不少东西，少年门德尔松与他的交往获益匪浅。

胡梅尔的作品数量比不上海顿、莫扎特，但也很可观，在《新格罗夫音乐与音乐家词典》上，仅是他的作品目录就开列整整三个页码。作为一代钢琴演奏大师，他的钢琴作品当然不少，而室内乐、交响作品、歌剧、教堂音乐，各种体裁的音乐他都留有作品。在他所有的音乐里，六首钢琴协奏曲被认为是最好的，室内乐方面也有佳作传世，音乐词典和百科全书里都是这么说的。然而，如今的人们如果要想欣赏胡梅尔的音乐，最容易找到的只有他的《E大调小号协奏曲》。这部作品在几乎所有辞书里胡梅尔的名下都只字未提，只在描绘小号这件乐器的演进过程中提到，胡梅尔和海顿为孔键小号写过协奏曲。

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-28 06:50 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-28 06:51 AM
标题: 胡梅尔钢琴协奏曲
钢琴协奏曲第一集F大调，A大调
E大调
降A，G大调
C大调
A小调，B小调，最著名的一张CHANDOS唱片，也是胡梅尔最著名的两首钢协，其他胡梅尔钢协都是由雪莱演奏，只有这一张是斯蒂芬霍夫担纲，可见CHANDOS对这张唱片的重视，三星带花评价


A大调
CHANDOS公司录制了胡梅尔钢协的全集，有兴趣的朋友可以收来听听，其实不需要掺杂那么多丰富的感情，音乐本身也是让人娱乐的。

NAXOS的一个版本，A小调和B小调，就是CHANDOS最著名的那张录音的曲目

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-28 07:01 AM 编辑 ]

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作者: TAOGE    时间: 2010-9-28 09:44 AM
谢谢楼主辛苦了

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作者: J-M    时间: 2010-9-30 04:48 AM
标题: 圣桑钢琴协奏曲
两个著名的版本
EMI天使，齐科里尼

齐科里尼，法籍意大利钢琴家,学于那不勒斯音乐学院,1942年在那不勒斯演奏肖邦的第二协奏曲而崭露头角,1949年获玛格丽特·隆国际比赛一等奖.奇科利尼擅长演奏弗雷、圣桑、萨蒂等法国作曲家的作品,其录制的萨蒂钢琴作品全集,获得极高的赞誉。这张唱片是法国作曲家＋法国指挥家＋法国乐团＋法国演奏家（奇科利尼是法籍意大利钢琴家）。注定了这张唱片法国味十足。 奇科利尼完美地演出了圣桑的作品，包多手下的乐团也是很好的支援了奇科利尼的演奏，使这张唱片成为了圣桑五部钢琴协奏曲最有竞争力的版本


圣-桑的作品在其形式和技术上的润饰是突出的，他的配器尤其高明，音乐本身的优美和其深刻的幽默感更是深得人心。《钢琴协奏曲1-5》集圣-桑艺术造诣之大成，仅以第二钢琴协奏曲为例，在罗热精致细腻、清澈透亮的演奏中，钢琴幻想化的序奏，以及华丽、优美的分散和弦，还有随着主题的层层推进而难以抑止的华彩，无不让人叫绝。
帕斯卡·罗热与迪图瓦早年所合作灌录的这套圣桑钢琴协奏曲全集可说是集幽雅、细腻、睿智与名家展技于一身的出色名演。罗热在弹奏法国近代音乐所焕发之才气在迪图瓦细腻的管弦音色烘托下显得灿烂夺目、光彩逼人。DECCA卓然出众的录音技术将钢琴音色收得真实而敏锐，与乐团间的平衡感亦拿捏得恰到好处而为企鹅评鉴竭力推荐之三星首选名盘

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-30 04:55 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-30 04:56 AM
标题: 圣桑钢琴协奏曲

CBS331 MB2K45624圣桑五首钢琴协奏曲，钢琴：昂特蒙，图卢兹市国立管弦乐团协奏，指挥：普拉松，ADD

安娜 玛丽科娃演奏圣桑钢协全集

CHANDOS出品的唱片，圣桑第二及舒曼钢琴协奏曲

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-30 05:00 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-30 05:04 AM
聖桑是音樂史上少數有著如同莫札特一般早慧天才的音樂神童，他也和莫札特一樣同時兼通著鋼琴彈奏和作曲。他的早慧天才讓他十三歲就進了巴黎音樂院，之後更受到古諾、羅西尼、白遼士、李斯特等前輩作曲家的賞識，李斯特更讚聖桑是當世最偉大的管風琴家。而聖桑除了是位出色的音樂家以外，也是一位如同達文西一樣的文藝復興人，除了擔任巴黎最重要教堂的風琴師、鋼琴家並在音樂院任教外，他也開創先例籌組音樂會、提倡在這之前無人演出的巴哈、韓德爾音樂，並寫作與音樂科學和歷史、旅遊相關的文學作品。他並且喜歡四處旅遊，足跡所到之處廣及非洲、南美洲各地。聖桑的鋼琴是與李斯特同等級的超技演奏，在他的時代他專擅於莫札特彈奏，因其音色純淨與優雅高貴受人喜愛，在創作上他也講究細膩的比例透明度和精純、高貴的作品風格，這使他的音樂比同時代的作曲家來得要保守些，他帶有很濃厚的古典氣質，像他最著名的第四號鋼琴協奏曲、第三號小提琴協奏曲都是浪漫時代中將古典樂風表現得最出色的作品代表。由於經常至四處旅遊，聖桑的音樂也常帶有異國風情，像他的第五號鋼琴協奏曲就有「埃及」之名，因為他在曲中採用了非洲當地的民俗節奏。在本片中，鋼琴協奏曲的部份由法國戰後第二頂尖鋼琴家奇柯里尼彈奏，他是二十世紀第一位為薩提音樂灌錄全集、讓薩提終於受到喜愛的重量級鋼琴家。片中同時也收錄他與傳奇鋼琴家魏森伯格合作、很少在市面上看到的「動物狂歡節」錄音。本片中同時也收錄了聖桑為小號、弦樂四重奏與鋼琴、低音大提琴所寫的七重奏，在最近由卡浦松兄弟為VIRGIN所發行的動物狂歡節錄音中也收錄了這首奇特而特別受到後世演奏家垂青的作品。片中珍貴的錄音還有很難得聽到的鋼琴五重奏、以及由法國大提琴巨匠托泰里耶所灌錄的大提琴協奏曲，後一曲多年來一直未曾再版，能在此聽到更是難得。另外本片除了三首小提琴協奏曲外，還加收了幾首為小提琴與管絃樂所寫的小品，其中繆思與詩人一曲為大提琴與小提琴加上管絃樂團所作，是近年來相當受到歡迎的小品。

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作者: J-M    时间: 2010-9-30 05:29 AM
标题: 门德尔松钢琴协奏曲
门德尔松共写过3首钢琴协奏曲，他的《G小调第一钢琴协奏曲》（OP.25）一直被列在古典音乐热门排行榜上，这部作品写于1931年，据说是作曲家为他的女友台尔芬所作,记载了门德尔松在慕尼黑的一段维忘的恋情，充满了雅致的技巧和纤细的抒情，作品风格轻盈浮动，和煦动人，是门德尔松古典主义音乐风格最完美的体现；而另一首《D小调第二钢琴协奏曲》（OP.40）写于1937年，也是门德尔松的经典珍藏曲目。首乐章热情的快板仿佛叩打人心扉的青春节拍，而接下来的柔板则清秀柔美，娴静朦胧，在诙谐的急板中，乐章划上了圆满的句号，而听众也醉倒在这最美丽纯净的音乐圣地！《A小调钢琴协奏曲》无编号，是门德尔松早期（1922年）为钢琴和弦乐而作的。

卡廷，非常经典的录音

佩拉西亚对门德尔松的诠释是获得认可的
席夫的经典演绎

CHANDOS录制的版本，非常不错

赛尔金，斯特恩

NAXOS

[ 本帖最后由 J-M 于 2010-9-30 05:36 AM 编辑 ]

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作者: J-M    时间: 2010-9-30 05:43 AM
我自己是比较喜欢古典浪漫时期的音乐要多一些，比较喜欢和谐对称的美学。因此，如普罗科菲耶夫，肖斯塔科维奇等的钢协就没有太多的关注。毕竟功力不到家，有待进一步学习学习。谢谢大家的关注。

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作者: myzcj    时间: 2010-9-30 11:51 PM
小弟喜欢浪漫古典时期的多谢，看了J兄钢协示范帖真是获益良多啊

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作者: J-M    时间: 2010-10-1 07:26 AM
除了钢协，我也很喜欢钢琴四手联弹或者双钢琴的作品。这类作品通常节奏欢快，即兴表演丰富，两个人有默契的演奏会更加让人觉得愉悦。勃拉姆斯的匈牙利舞曲，起初就是创作为双钢琴演奏，还有莫扎特的双钢琴奏鸣曲也是非常好听的作品
之前还听过CHANDOS公司录制的拉威尔《波莱罗》双钢琴版本，也是非常好听

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